Literatura
Las vanguardias
Las vanguardias aparecen después del movimiento
literario
del Novecentismo y son una reacción contra todo lo
anterior.
Pretenden realizar un cambio brusco tanto en la
estética como
en el lenguaje a través de numerosos experimentos.
Las vanguardias intentan provocar una reacción en el
lector
a través de sus formas originales. Se perciben dos
etapas
diferentes en este movimiento. Una primera donde reina el
optimismo y la alegría por el nuevo arte. Los
autores
creen en lo que están haciendo e intentan superarse
constantemente. Se realizan muchos estilos en esta
primera etapa; los experimentos son muy numerosos y los autores
mientras están realizando uno no creen en nada
más. Los
principales estilos son:
El Futurismo: ellos no creen en el pasado ni en el
presente, creen en el futuro. Introducen un nuevo
lenguaje en la en la literatura.
El Cubismo: creen que la realidad está formada por
diversos
puntos de vista y todos ellos se deben de analizar
minuciosamente.La literatura y en general todo el arte cubista
resulta de unas formas estéticas muy originales y
extravagantes.
El Ultraísmo: los autores de esta corriente
vanguardista
intentan llegar más allá de la realidad.Crear un
arte
totalmente innovador.
El Dadaísmo: el Dadaísmo es una corriente
basada en lo
absurdo, en la demencia.Sus autores creen que la vida es una
demencia individual y colectiva y con su arte quieren poner este
aspecto en evidencia. El Dadaísmo aparece por
primera vez
en el 1926 encabezado con la palabra "dada" que es una
especie de balbuceo, es decir, nada coherente ni
lógico.
Los poemas de este estilo no tienen ningún tipo de
sentido, ni en
la forma ni en el contenido y aquí precisamente es donde
radica
su significación.
Durante la segunda etapa de las vanguardias, los ideales
del estilo degeneraron. Se realiza un estilo más
ordenado
y coherente, esto precisamente es la propia negación de la
significación vanguardista.
El movimiento definidor de esta segunda etapa es el
Surrealismo. Con este estilo los autores intentan liberar
al hombre de sus presiones debidas a la sociedad capitalista.
Intentan liberar estas presiones sociales; pero
también las
personales. Estudian para ello a Freud y la
significación
de los sueños. Están atraídos por el
ambiente social,
intentan estudiar al hombre en colectividad y con los resultados
descubrir la clave de las significaciones. Se interesan
por todo lo popular: cuentos mágicos y fábulas, y
lo estudian,
afirman que interpretando correctamente sus significados
podrán
encontrar esa clave. En cuanto a características
literarias, suelen utilizar la escritura automática, esto
consiste en ir escribiendo lo primero que aparezca por la mente
sin retocarlo posteriormente. Con esto consiguen un
análisis personal del individuo. Para analizar a
la
colectividad utilizar la técnica de "cadáver
exquisito" es decir,
se escribe un poema entre un conjunto de personas, cada uno
escribe una masa sin saber el contenido de la anterior.
También suelen escribir sus experiencias anímicas
para poder
analizarlas. Este último movimiento es el que
más influye
durante la Generación del 27. Esta
generación la
forman escritores como Pedro Salinas, Guillén y Federico
García
Lorca; ellos heredan el interés por el análisis
humano y la
técnica de la escritura automática.
También están
interesados por los elementos populares y su
significación.
Son cosmopolitas y eruditos, poseen una amplia visión
cultural. Este grupo literario se forma a partir del
centenario de muerte de Góngora, en esa época
Góngora era un
escritor poco reconocido y ellos son los primeros en interesarse
por él.
Este poema es un soneto endecasílabo. Con
estructura: ABBA ABBA CDE CDE. El autor es Juan
Ramón Jiménez.
El tema principal es la identificación del autor con
la
divinidad, una especie de panteísmo.
Estructuralmente se puede dividir el poema en dos partes
diferenciadas: una primera formada por los dos cuartetos donde
expone su experiencia personal, el autor autodefine sus
sentimientos. La segunda parte está formada por
los dos
tercetos en el que se expresa de una forma más general, en
los
dos últimos versos el autor define la clave del
poema.
El soneto debe pertenecer a la segunda etapa del autor
donde hay una distinción entre el "yo" poeta y el "yo"
persona. Juan Ramón Jiménez compone el
primero con la
divinidad, con el único camino de perfección para
encontrar la
verdad.
En el primer cuarteto aparece la identificación con
lo
divino con la comparación: "mi tedio (...) como otro
dios.
En esta primera parte aparece un campo semántico y
connotaciones referidas al mundo divino (dos, chopos de oro,
cielo, estampa...).
En el segundo cuarteto aparece el desdoblamiento de
personalidades de Juan Ramón Jiménez (el yo poeta y
el yo
persona) esto se manifiesta principalmente en el primer verso:
("mi vida esta doble estampa ardiente") y con las contradicciones
de los otros versos. Esta contradicción representa
la
lucha interna que sufre el autor. En la segunda etapa del
poema se sigue reiterando la misma idea general y la
contraposición de personalidades. El primer
terceto
representa la humanidad libre (de las obligaciones del autor como
poeta), que vive sin preocupaciones y disfruta de la vida.
Entre los dos tercetos, hay un brusco encabalgamiento que
representa, quizás la diferencia entre la vida del autor y
el
resto de la humanidad. En este último terceto
aparece la
clave del poema "donde el espejo que trastorna mi ilusión,
me
contemplo en esta vida más bella que el sueño,
¡y más
distante!. El poeta contempla la vida de diferente manera
que el resto de la humanidad. él es consciente de
que no
pertenece al mismo mundo que los demás y lo contempla con
un tono
nostálgico pero sin esperanza. Las últimas
palabras
remarcadas por signos exclamativos son la clave del poema.
Una vida inalcanzable para él debido a su superioridad
como
poeta, pero quizás envidiada.
Literatura
opción A
Poema de Juan Ramón Jiménez
mi tedio se repite en la corriente
1oóoooóooo óo heroico
lento y mudo como otro dios, andando
1ooóoóóooo óo
enfático
entre los chopos de oro, que cantando
1óooóoóooo óo
enfático
le están al cielo libre y transparente
1oóoóoóooo óo heroico
1 oo
óóoóoóoó
melódico
1
oóo
óooóooóo sáfico
1 oo
óooóooo
óo melódico
1 oo
óooóooo óo melódico
todo el otoño humano, libre, tañe
1óooóoóoóo
óoo enfático
a esta tarde postrera y encendida,
1óoóooóooo óo
enfático
como a un suave nido palpitante;
1óooóoóooo
óo enfático
1 oo
óoooóoo óo melódico
mi ilusión, me contempla en esta vida
1 oo
óooóoóo óo
melódico
más bella que el ensueño ¡y
más distante! 1
o óoooóooo óo heroico
Métrica
Versos endecasílabos de arte mayor. Rima
consonántica. Se trataría de un soneto, dos
cuartetos con
rima encadenada y dos tercetos que riman entre sí.
Tema
Insatisfacción del poeta, el tiempo transcurre y se
ve
sumido en un "tedio" insípido, improductivo,
estéril. Sus
deseos son traspasar los umbrales de la realidad, en una
búsqueda
de la divinidad, de lo divino.
Se encuentra atrapado entre la dualidad de verse humano y
por tanto sujeto a una realidad mundana, y su sentir espiritual y
ansias de transportarse hacia un mundo idealizado, perenne,
inmaterial, el mundo de lo bello, el mundo de las ideas, de la
pureza espiritual.
En pasado emulado por el autor, en el presente. La
realidad temporal se desvanece en "la tarde postrera y
encendida". El pasado se retorna presente en las palabras
del poeta. La realidad, no es sino, un mero reflejo de un
mundo más perfecto, el espiritual. El recurso
más
empleado es el símbolo. El autor nos da una idea
de su
estado de ánimo mediante una serie de comparaciones
supraterrenales. Todo hace referencia a él
(egolatría
juanamariana); mi tedio, mi vida, mis pies, mi frente, mi
ilusión. Es un "yo" propio e individual.
Es
únicamente él, todo lo demás se remite
igualmente a él
mismo.
Símbolos
"chopos de oro", árbol que conecta lo terrenal con
lo
divino. El contacto de ambas realidades producen una
liberación espiritual.
"chopos de oro" cualidad dorada que adjudica al
árbol.
se refleja la
dualidad, nombrada anteriormente, contacto entre lo divino y lo
terrenal.
"sus pies" asemejarían las raíces del
árbol que le citan
al mundo, "su frente" la copa del mismo dirigida siempre hacia el
cielo, disfrutando de este contacto celestial.
"tarde": mejor momento del día, el sol, en pleno
ocaso
parece penetrar en la tierra. El sol es el astro celeste por
excelencia.
"el espejo que trastorna mi ilusión" hace una
clara
referencia a la realidad.
El poeta se debe más allá de lo impensable
(asemejaría el
estado nirvana al que llegan los monjes budistas) traspasa la
barrera del sueño y se eleva a un mundo celestial y
eterno.
El poeta
Nacido en Moguer (Huelva) es uno de los poetas más
significativos de nuestra literatura. Recibe influencia
de los modernistas, contactos con Rubén Darío, los
hermanos
Machado... Más tarde su poesía
evolucionará adquiriendo
un talante individual y personal.
Su poesía se podría dividir en tres
etapas:
Etapa modernista, influencia modernista.
Poesía pura, el poeta busca la belleza en la palabra
y no
en la forma. La palabra cargada de simbolismo, carente
casi de complementos. El poeta defiende el arte por el
arte, una poesía pura sin engaños ni
tecnicismos. Su
poesía está enfocada a alcanzar una realidad
supraterrenal.
última etapa o etapa de plenitud; eleva a niveles
impensables la
etapa anterior. El poeta se reafirma en su
búsqueda de la
belleza en la palabra. Entra en contacto con lo sublime,
lo divino.
Las vanguardias.
Reivindican un cambio de posición ante posturas
sociales y
políticas caducas. Su protesta se expresará
mediante un
arte renovador e innovador. Rompen con todo lo anterior y
se erigen como algo subversivo.
Su presencia en la Generación del 27,
poesía y
prosa con carácter de protesta, quieren desasirse de las
cadenas
de un régimen: el de los despojos" ya caducos.
Autores importantes: Pedro Salinas, Jorge Guillén,
Blas de
Otero,... Hacen de las cosas cotidianas, de las cosas
más
simples, poesía. La belleza en la simplicidad en
el mundo
real. Desesperación que les llamará a una
búsqueda de
Dios (Blas de Otero "ángel fieramente humano") como amparo
ante
una realidad cruel y a la que no logran comprender. Un
Dios que parece insensible y despreocupado por sus criaturas
terrenales. Dios que parece no existir más que en
el
ansia y deseo de que
Literatura
Introducción.
El texto pertenece a Juan Ramón Jiménez
concretamente es
"Elegía" de "Sonetos espirituales". Autor de la
Generación del 27, Juan Ramón refleja,
como es
característico en él, aspectos de la naturaleza sin
recargamientos ni ornamentaciones, la refleja simplemente tal
como es. Comparándola, claro está, de sus
actitudes o
estados de ánimo.
Tema.
Juan Ramón en estos sonetos pretende expresar una
característica personal su "tedio" y lo subordina a un
análisis
de cómo es su vida, siempre utilizando símiles de
la
naturaleza.
Estructura.
La estructura interna, en principio, viene dada por dos
párrafos de cuatro versos y dos párrafos más
de tres versos.
Son versos de once versos, endecasílabos, de arte
mayor.
Los dos primeros párrafos serían dos cuartetos
y los dos
segundos dos tercetos, en conjunto forman un soneto, de rima
consonante. Rima utilizada en la época
contemporánea a
Juan Ramón Jiménez, y por consiguiente, muy
utilizada por él en
su trayectoria literaria dentro de la estructura interna destacan
el uso continuado del pronombre personal de primera persona del
singular "mi" es, por tanto, una elegía que nos muestra el
sentir
personal del autor. Refleja una actitud positiva ante la
vida "... en esta vida más bella que el
ensueño..."; y que sólo
hay acontecimientos que pueden transformar esa vida bella: "...
en que desde el espejo que trastorna mi
ilusión..."
Literatura
Con la llegada de un nuevo siglo, el siglo XX,
también empezarán a surgir nuevas tendencias
artísticas.
Serán las vanguardias, también llamadas -ismos,
puesto que hay
gran cantidad y su nombre suele acabar de este modo.
En literatura, concretamente, estas vanguardias
llegarán a
todos los géneros literarios, modificándolo cada
uno de ellos de
distinta forma. Pero principalmente, su influencia se
pondrá de manifiesto en el teatro y en la
poesía.
El teatro se verá influido por el nacimiento del
cine, y se
crearán escuelas de actores donde el aprendizaje se
basará en
representar con naturalidad. A partir de ahora se
dejará
de un lado toda la técnica de amaneramiento,
etcétera. A
nivel escenográfico cambia el planteamiento y todas las
representaciones tendrán efectos visuales
importantes.
Empieza a hacerse teatro de distanciamiento, que ya no
provocará actitudes repentinas en el espectador, sino que
a
través de representaciones de hechos extraños, se
obliga al
espectador a distanciarse de lo que sucede en el escenario, y en
un principio, y a meditar todo lo ocurrido, con
posterioridad. Por lo tanto, este teatro provoca
actitudes a posteriori.
Pero lo que aportan las vanguardias a nivel general, es un
rechazo por el uso exclusivo de la razón. El
raciocinio
queda devaluado y se adopta una postura favorable ante todo lo
que sea espontáneo, es decir, ante todo aquello que
proceda de la
intuición.
Hasta ahora se había pensado que la intención
no pertenecía
a la inteligencia, pero gracias a Freud y su teoría del
psicoanálisis, se pone de relieve la existencia de algo de
lo que
siempre se había sospechado su existencia, el
subconsciente y su
poder e importancia en nuestros actos.
En poesía esta concepción comporta una
revolución en
técnicas de composición poética tanto
temática, como
estructuralmente. Se llegan a adoptar formas de fuente,
ojos: todo lo que quiere expresar el poema, queda representado
visualmente.
Ahora es la poesía de la intuición de la
impresión, del
instante preciso. La Generación del 27
queda
notablemente influenciada por estas 1as vanguardias
gracias a Juan Ramón Jiménez. él
actúa de enlace entre el
Modernismo y la Generación del 27, pasando por la
gran
influencia que él recibe de las 1as
vanguardias.
Se dan en prácticamente todos los poetas de la
Generación
del 27, multitud de símbolos que expresan flashes
e
impresiones fugaces, y esto es de clara influencia
vanguardista.
Esta elegía de Juan Ramón Jiménez,
podría pertenecer a su
3a etapa o etapa de su poesía pura, inteligente o
también llamada desnuda. Pertenece a Sonetos
espirituales.
Se trata de un poema de versos endecasílabos todos
ellos,
con rima consonante y de arte mayor, con rima A,B,B,A -
A,B,B,A,- en sus dos primeras estrofas formadas por cuatro
versos, y con rima C,D,E - C,D,E, en las dos
últimas,
cada una de ellas constando de 3 versos.
En este poema, Juan Ramón Jiménez trata el
tema del
panteísmo y de la poesía: la búsqueda de la
poesía a través de la
palabra perfecta. Esta palabra perfecta conduce a la
unidad que Juan Ramón concibe como Dios (pero se trata de
un dios
laico). Todas las cosas participan de esta sustancia
divina y esto se traduce en el panteísmo.
Esta es la temática típica de la 2a
etapa poética
de Juan Ramón Jiménez. Es su etapa de
poesía desnuda o
pura, como la llamaban en Francia, ya que al buscar la sustancia
poética, la palabra perfecta, hace una selección y
la palabra
pierde todo aquello que resultaba innecesario, a juicio del
poeta. Se queda desnuda.
Vemos reflejados estos temas en el poema en el
símbolo
"cielo" del cuarto verso de la 1a estrofa. Juan
Ramón cree que las palabras poseen un simbolismo previo al
poema,
y a su entender "cielo" es igual a la palabra poética
buscada. Hace referencia a él como "libre y
transparente", porque se trata de la palabra concreta despejada
de todo aquello que la priva de serlo.
Cuando dice "mi ilusión..." en la última
estrofa, podría
hacer referencia a ese, su afán en la búsqueda de
la palabra
poética. Esta búsqueda es pasiva.
La mente no
actúa al buscar esta palabra, sino que la palabra llega a
ella. La mente pasiva. También nos hace
una
indicación acerca de este punto cuando al comenzar: "mi
tedio se
repite en la corriente...". Mientras él descansa,
las
impresiones llegan a su mente ("corriente") de una forma tan
rápida que son como una "corriente": compara a su mente
pasiva
recibiendo la palabra perfecta, como "dios", es decir que
aquí
apreciamos la relación de esta palabra perfecta con lo
divino.
Con esta elegía, Juan Ramón Jiménez
nos explica que se
halla en la búsqueda de esta palabra clave,
"inmensamente", es
decir, la busca en cualquier cosa, la busca universalmente, pues
la esencia divina se manifiesta en todo
(panteísmo).
Explica que mientras la busca, todas sus vivencias llegan a
su mente, es decir recuerda (toda la 3a estrofa nos la
explica). Todo le provoca este recuerdo, por lo que no se
entristece, ya sabe que, aunque muera, una parte de él
seguirá
viviendo en la naturaleza prolongado en ella.
La tendencia de poesía pura de Juan Ramón
Jiménez queda
patente en esta elegía puesto que es un poema
nominalizado, es
decir predomina el nombre sobre los adjetivos y los verbos que
aparecen son los indispensables. Se ve claramente esta
influencia ya que la poesía pura es la poesía de la
palabra
perfecta, y en el nombre es donde mejor puede hallarse esa
palabra que, en definitiva es la poesía, o lo que Juan
Ramón
Jiménez llamaba Obra (con
mayúsculas).
Literatura
Las vanguardias. Su presencia en la
Generación del
27.
A principios del siglo XX las corrientes europeas
nacientes encuentran su resonancia en el territorio
español.
Movimientos ya establecidos en Europa ahora entran en
España
de la mano de la figura española más comprometida
con el
movimiento, Ramón Gómez de la Serna Ramón
Gómez de la Serna
importa vía París, las nuevas tendencias
estilísticas que
intentan acabar con la lógica imperante entonces guiada
por
modernistas y novecentistas.
Muchos movimientos se apoderan de las jóvenes
mentalidades
escritoras que miran ahora hacia Europa buscando nuevas musas que
impregnen de un aire nuevo y renovador la realidad literaria de
la segunda década de siglo. Nuevas mentalidades
presas de
la modernidad, víctimas de los horrores de las guerras,
fervorosos militantes de nuevos partidos paramilitares,
etcétera..., buscan ahora el reflejo radical de dicha
ideología
en nuevas estructuras libres de convencionalismos y
equilibrio.
En España tiene especial resonancia el Futurismo
mediante
un manifiesto futurista que promueve una literatura destructiva,
conceptual, simbológica. Los futuristas
serán hijos de su
tiempo, contemporáneos de los más sorprendentes
avances técnicos
y cómo no orientarán su literatura a ese
propósito. De
todos es conocido el poema a la bombilla o a la máquina de
escribir de Pedro Salinas.
También fue importante el movimiento dadaísta
o el creacionista. El Creacionismo se sirvió de
métodos muy novedosos en cuanto técnica como el fluir de palabras sin
sentido, o la reproducción recta de sueños,
etcétera.
Todos estos movimientos desarraigan de sus métodos
cualquier
lógica creativa, son frutos de un estado momentáneo
de la
sensación del momento, etcétera.
En España el Creacionismo y el Futurismo se
sincretizaron
en un movimiento único denominado Ultraísmo.
El Ultraísmo
es una translocación de las ideas del Futurismo, mediante
técnicas creacionistas aplicadas a los problemas de
España y con
el único objetivo de la denuncia, del reprochamiento,
etcétera.
El movimiento más importante tanto en España
como en Europa
fue el "super-realisme" o "surrealismo". Este movimiento
al igual que el resto tiene su fundamento filosófico en
las
teorías existencialistas que a finales del siglo
XIX
instauraron tanto Shopenhauer como Kierkegaard. Este
existencialismo vital lo origina una sociedad que da pie a huir
de ella a refugiarse en una sociedad propia una realidad mental
propuesta por el escritor.
Para promover esta mentalidad existencialista se da plena
libertad a las formas. La misma forma puede ser
gráficamente una protesta, verso libre, la
enumeración caótica,
el mecanicismo, las metáforas sugerentes,
etcétera. Estos movimientos tuvieron poco éxito
independientemente pero sin duda alguna son una fértil fuente
en donde saciarán su sed existencialista todos los movimientos
literarios posteriores.
La literatura española posterior está marcada
por un
existencialismo vital que tiene sus raíces en lo
más profundo de
las vanguardias y no podía ser menos uno de los
movimientos
posteriores, la Generación del 27.
La Generación del 27 es una síntesis
de muchos
contrarios. Reúne tanto el equilibrio clasicista
de
origen medieval y barroco al igual que sus maneras están
claramente pertrechadas con una visión vanguardista en
alguno de
los casos. La Generación del 27 es la
agrupación
de un conjunto heterogéneo. Ligado por algunos
rasgos
pero diferenciado por otros al mismo tiempo. No hay
cohesión total. Esto permite que convivan en su
seno
figuras muy diferentes, con ideologías contradictorias en
algunos
momentos de su carrera.
Algunos de éstos comparten los puntos de vista del
vanguardismo y participan de él. Así pues,
Pedro Salinas fue un fervoroso seguidor del Futurismo. Lo demuestran
dedicaciones a temas futuristas y su última etapa donde el
existencialismo, la preocupación por la vida es
patente. Representativa podía ser el poema Cero, que denuncia la
atrocidad de la bomba atómica.
También participan del vanguardismo Jorge
Guillén o Vicente Aleixandre, donde sus poemas pueden dejar ver un cierto
Creacionismo al mismo tiempo que intimismo.
Uno de los poetas de la generación que más queda
prendado de las vanguardias es García Lorca. Lorca tiene su etapa
existencialista que alcanza su clímax con Un poeta en
Nueva York, su poesía de denuncia es fruto de un existencialismo
vanguardista. El tratamiento anecdótico de la
realidad, y la problemática humana ante una sociedad hostil como la
neoyorquina delatan a García Lorca como uno de los
seguidores y conocedores de la vanguardia.
comente el siguiente poema
El texto a comentar es una poesía del poeta
novecentista Juan Ramón Jiménez. Juan Ramón
Jiménez nació en 1881 en Moguer (Murcia) y murió en Puerto Rico en
1958 donde trabajo diversos años como
catedrático de la universidad. Residió en Madrid en la Residencia de
Estudiantes donde se consagró como uno de los
intelectuales más apreciados del momento. Recibió el premio Nobel en
1956, un premio Nobel que hacía mención a
Lorca y a Machado.
Este poema adopta la forma clásica de soneto con
construcción ABBA, ABBA, CDC, CDC. Los
versos son típicamente novecentistas son endecasílabos y
la rima es consonante o total. Como su título indica se trata
de una elegía, un canto a la muerte. El autor desarrolla
sus ideas en base a la forma del poema.
Así pues podemos dividirlo en partes para hacer
más fácil su análisis. La primera parte abarcaría los
dos cuartetos, en ellos el autor reflexiona acerca de lo que es su
existencia. Su vida es como un andar silencioso por la
existencia. En él se encuentra el sentimiento de
ser un doble juego, una contraposición, una lucha constante de
vitalismo trágico. Tiene en sí un anhelo de conseguir
lo más alto pero la lógica se lo desmiente. Un desbordar
romántico pero siempre contenido por los límites de la
lógica.
En la segunda parte, que se centra en los tercetos, realiza
mediante una metáfora exactísima una
descripción de lo que es el
objetivo de los hombres. Todos nos dirigimos a una
realidad marcada por los sueños, los deseos de lograr
algo.
En sueños, los deseos más irrealizables nos
parecen próximos, pero en la realidad tangible de nuestras vidas esas aspiraciones
son fluir de nuestra imaginación.
Es un poema creado desde la concepción novecentista,
debe una síntesis entre Simbolismo, Romanticismo y
Modernismo.
Desde el plano estético el modernismo formal se ve
representado por una adjetivación rica y prodigada. Esta
adjetivación llena de color el soneto. Son ejemplo: "entre los chopos
de oro" (verso 3) "tarde postrera y encendida" verso
10. La adjetivación aporta un significado
más profundo al poema. Así encontramos próximos
adjetivos que podríamos considerar antónimos como "palpitante" y
"suave", "postrera" y "encendida". Los campos semánticos
aportan datos para lograr alcanzar la idea que intenta expresar.
Uno podría ser el del fluir: "corriente" "andando",
"inmensamente"; de calor "ardiente", "encendida", "palpitante",
etcétera.
Son rasgos también la musicalidad que aportan versos
como "mi tedio se repite en la corriente", en un solo verso emplea
repetidamente 3 sonidos. Las pausas y
encabalgamientos favorecen la musicalidad al mismo tiempo que
realzan la importancia de algunas estructuras: "libre",
etcétera,"cantándole", "inmensamente". Encontramos unas
metáforas muy sugerentes que dan rasgos del Simbolismo. Es
característico la exclamación final que realza la
idea de distante de la realidad onírica.
Todas estas características nos ayudan a determinar
que el tema puede ser una visión crítica de la realidad y
un apoyo al sueño como vía para conseguir las metas
imposibles. Este poema podría pertenecer a la época sensitiva del
autor por los rasgos modernistas que contiene.
Literatura
"Crónica de una muerte anunciada" (Gabriel
García
Márquez).
García Márquez emplea en esta obra,
básicamente la técnica
narrativa y en según qué casos la
descriptiva.
Tal y como nos aparece contada, parece que el sucedido, fue
un acontecimiento real, del cual García Márquez
tuvo noticia.
Hasta tal punto que el narrador del suceso (no el escritor),
nos aparece como un narrador omnisciente (que lo sabe todo).
Por ello se puede llegar a suponer que el personaje que nos
cuenta la historia, podría ser el propio García
Márquez.
Así pues, como únicamente nos narra el suceso;
emplea la técnica
narrativa. Pero con infinita crueldad emplea la
técnica
descriptiva, una vez consumado el asesinato de Santiago Naser
(víctima inocente, según parece) en manos de los
hermanos Vicario
(Pedro y Pablo).
En ese momento el narrador describe, pues, de qué
manera
Santiago Naser se levanta, ya mal herido, con "las tripas
colgando", hasta conseguir llegar hasta la cocina de su casa
donde finalmente fallece. El hecho de que este
capítulo
esté protagonizado por la descripción, hace que
suceda mucho más
lentamente. Mientras que en el momento en que los
hermanos Vicario cogen los cuchillos, y se dirigen a matar a
Santiago Naser, se caracteriza por la extraordinaria rapidez de
sus acciones (sobre todo con la reacción de la gente que
van
encontrando a su paso).
En el conjunto de toda la obra, se intercalan
también
algunos fragmentos dialogados (en estilo directo, ya que hablan
los propios personajes. Pero también lo
encontramos en
indirecto cuando el propio narrador nos cuenta los comentarios de
otros personajes); que agilizan su contenido; y provocan en el
lector una mayor incertidumbre.
Otros rasgos característicos de su técnica, y
por cierto
muy curiosos, son dos o tres palabras que introduce escritas en
lengua catalana (puesto que García Márquez estuvo
viviendo aquí
durante algún tiempo). En ésta, como en
otras de sus
novelas ("El general en su laberinto", "Pedro Páramo", "El
amor
en los tiempos de cólera"...) García Márquez
nos sitúa en los
paisajes, gentes y costumbres de los países
hispanoamericanos; lo
que prueba sus grandes dotes como escritor.
Poema. (Pedro Salinas, La voz a ti debida).
El poema consta de 29 versos, todos ellos
heptasílabos (7 sílabas), por tanto de
arte menor; y la
rima de los versos es libre; aunque algunos versos tienen entre
ellos rima asonante: por ejemplo: "hundida que se niega a
sí
misma y se empeña".
No es por tanto ningún tipo de estrofa
clásico, sino una
composición poética totalmente libre.
Por el primer campo semántico que podemos obtener de
la
composición, se podría decir que es un poema de
amor. Así
aparecen palabras del tipo: "amar, tú, el amor, con ella,
te
sienta, queriendo,...". Otro campo semántico que
se
podría obtener, es el de los verbos, que son en su
mayoría verbos
de sentimiento: "quiero, amar, sintiendo, me duele, ha existido,
vivir, me quedarás, creería, me quedas, me asegura,
te sienta, me
dolías, me quiso, aún la estoy queriendo...".
Muchos de
los nombrados aparecen como puede verse repetidamente; como
prueba de la constancia y persistencia del amor del poeta hacia
lo que parece ser su amada (ya que en ningún momento la
nombra de
manera directa, sino que lo deducimos por sus versos y sobre todo
el que termina el poema: "de que aún la estoy
queriendo".
Pero ello, también se nos muestra en la gran
insistencia,
al hablar de ella: "en el amor con ella", y en la
repetición
masiva de esos "tú" constantes en todo el poema.
Pero por
otro lado parece que nombra muy directamente "al dolor", por
tanto podría ser el deber por la pérdida de su
amada": "si tú no
me quedaras, dolor, irrefutable" "y mientras yo te sienta,
tú me
serás, dolor, la prueba de otra vida en que no me
dolías".
En cuanto a figuras estilísticas y retóricas,
podemos
encontrar en gran número los encabalgamientos; que le
sirven al
autor para acentuar todavía más el significado de
sus palabras
(celebradas al final y al principio del verso); y que a su vez
nos dan la clave del poema (o del tema del poema).
Por ejemplo: "... me estoy sintiendo vivir cuando me dueles
/ no en ti, ni aquí, más lejos".
Utiliza también una gran cantidad de preposiciones,
conjunciones..., situadas sobre todo al inicio de cada verso;
esta colocación podría hacer que se tratarán
de anáforas: "de que
existió... de que me quiso... de que aún la
estoy
queriendo".
Hay también una larga enumeración de
pronombres personales
a lo largo de todo el poema: ella, yo, tú... (tú,
para referirse
al dolor, y ella para referirse a la amada).
Es pues, en resumen, una extensa composición que
llora la
pérdida de la amada; y en la que el poeta nos muestra un
gran
sentimiento intimista. Este "llanto" viene dado por las
palabras que emplea y sobre todo por el ritmo de todo el poema
que se caracteriza por una gran solemnidad, debido al empleo de
las pausas (ya sean puntos, o comas). Esta solemnidad
debe acentuarse mucho más, en una buena lectura en voz
alta.
Literatura
Las vanguardias. Su presencia en la
Generación del
27.
Las vanguardias son unos movimientos culturales, tanto en
literatura como un arte, que rompen por completo con las
tendencias del momento: el Modernismo y la Generación del
98 (grupo de escritores con las mismas preocupaciones
sociales: España, el paisaje de Castilla). Las
vanguardias son una ruptura total que servirán de
influencia a
los movimientos posteriores.
Surge el Futurismo, cuyo principal representante es
Marinetti. En el Futurismo toman una gran importancia la
técnica, la maquinaria, los adelantos en industria.
Una
frase que puede mostrar su ideología es (formulada por
ellos
mismos): "el automóvil es más hermoso que la
Victoria de
Samotracia". Es una literatura muy revolucionaria en
todos los aspectos, aunque sin muchos seguidores.
También aparecerá el Dadaísmo.
Se basa en la misión
de frases sin un sentido lógico, ya que los
dadaístas escriben a
la vez que piensan, es decir, plasman sobre el papel todos sus
pensamientos. Por ello al transcribirlos, no usan signos
de puntuación ni acentos. El nombre de
Dadaísmo tiene su
origen en una expresión infantil: dá dá.
Es una
literatura sencilla, casi infantil.
Uno de los movimientos vanguardistas más importantes
fue el
Surrealismo, movimiento que influyó en gran parte a los
llamados
escritores de la Generación del 27. El
Surrealismo se basaba en una interpretación de los
sueños, en la
libertad del subconsciente. Sigmund Freud fue el que
trató con gran énfasis los sueños, de
ahí su influencia en el
Surrealismo. Asimismo, fue un punto muy importante para
los surrealistas la libertad del proletariado (hay que tener en
cuenta que durante los primeros años del siglo XX
toma
especial importancia el socialismo y los movimientos
obreros). En esta época, en España,
existirá un peculiar
estilo del Surrealismo. Se verá en
periódicos y
revistas. Se escribe el texto como dibujándolo, es
decir,
con la composición se hará un dibujo.
Ejemplo: la espina
clavada en su corazón. En España
tomó gran importancia
Ramón Gómez de la Serna. El Surrealismo
influenció en
gran parte a la Generación del 27, sobre todo en
la
construcción de esas metáforas tan
características en este
período. Metáforas muy trabajadas, como las
características de Federico García Lorca, o
Alberti,
etcétera.
Comentario del poema.
Este soneto titulado "Elegía" pertenece al libro de
poemas
"Sonetos espirituales" de Juan Ramón Jiménez.
Juan Ramón
Jiménez fue uno de los escritores más admirados y
que sirvió de
influencia para muchos escritores posteriores, sobre todo, a los
de la Generación del 27: Lorca, Alberti, Salinas,
Gerardo Diego, Jorge Guillén, entre otros.
Preocupado por
los problemas de España y de sus gentes, este autor tiene
especial importancia a principios de siglo, entre la
Generación
del 98 y la Generación del 27.
Análisis del poema:
El tema principal del poema es cómo ve el autor su
vida:
una lucha entre sus raíces y su corazón.
Tiene muchas
ilusiones, pero está lejos la realidad de ser lo que
él tanto
anhela. Es un soneto de cuatro estrofas. Las dos
primeras son dos cuartetos de versos endecasílabos y rima
consonante. Las dos últimas estrofas son dos
tercetos de
versos endecasílabos (de arte mayor) y rima
consonante.
La rima sigue este esquema: ABBA ABBA CDE CDE.
La segunda y última estrofa tienen gran carga
narrativa, es
decir, plasman muy bien el sentimiento, la pena del autor.
En este poema domina la sustantivación, aunque hay un
número
muy elevado de adjetivos. Son adjetivos epítetos,
destinados a dar un alto nivel lírico. Estamos
hablando
de un lenguaje poético, sin lugar a dudas.
No he encontrado muchos cultismos: "tedio", "torna",
"postrera" hay bastantes gerundios: "andando",
"cantándole",
"entrelazando", "separando".
Juan Ramón Jiménez usa en este soneto un
lenguaje poético,
literario, utilizando muchas figuras
retóricas:
Metáforas: "andando entre los chopos del oro"
(línea
1)
Comparaciones: "lento y mudo, como otro dios" línea
"como a
un suave nido palpitante" línea 1
Personificación: "todo el otoño humano,
libre" línea
9 "el espejo que trastorna mi ilusión"
línea 1
"tedio..., lento y mudo" línea 1 y
Repetición: "mis pies contra mis pies" línea
6 "mi
frente separando mi frente" línea 7 y
8
Para expresar su optimismo en la vida usa palabras como
"ilusión", "anhelo", "encendida", "palpitante", pero esa
desilusión que manifiesta al final se refleja muy bien en
el
último verso: "¡y más distante!".
Conclusión: como conclusión, añadir
que Juan Ramón Jiménez
nos logra hacer partícipes de sus sentimientos, usando un
lenguaje sencillo pero elegido, el mismo que ha utilizado en sus
obras. Tiene un estilo literario sin recargamientos
excesivos, lo que le ha convertido en un literato para todo tipo
de personas. A destacar "Platero y yo", con un lenguaje
muy fácil de comprender e intimista.
Literatura
Las vanguardias
Las vanguardias son una serie de movimientos
ideológicos y
culturales que aparecen como medio de protesta ante un arte
decadente. (y una visión del mundo igual).
Suelen durar muy poco tiempo, y conviven una o más
de ellas
sin que se pierda su esencia. Así, en el campo de
las
artes figurativas, podemos encontrar el Surrealismo que da una
importancia muy grande al mundo del inconsciente y a lo
onírico
(influenciados por estudios sobre Freud; con la aparición
del
"Manifiesto Futurista" de Marinetti se pone en relieve lo
irracional, la velocidad, el movimiento tumultuoso frente a lo
estático.
El mundo de las máquinas veloces (avión,
tren, coche)
provoca una crisis en el pensamiento humano junto a la
aparición
de la Primera Guerra Mundial y la segunda. El hombre
entra en una etapa de existencialismo (influenciado por las
teorías de Schopenhauer, Nietzsche...), se halla ante un
vacío y
ve con pesimismo su futuro. Es una etapa en la que el
arte se ve reflejada esta angustia vital. Se intenta
hallar un nuevo rumbo al arte y en definitiva a la
concepción del
hombre frente a un mundo con graves problemas. Y eso se
hará mediante un brusco giro de la concepción de la
estética y el
arte.
En la literatura, no es extraño leer un poema
dirigido a
una bombilla (Pedro Salinas) o incluso a una máquina de
escribir. Se intenta romper en bloque con las anteriores
estéticas y las normas que la rigen.
La literatura castellana recoge rápidamente lo que
viene de
fuera de las fronteras.
Los nuevos literatos ansiosos de las novedades extranjeras
toman como ejemplo a Albert Brochit (teatro), Camus...
etcétera.
Este poema de Juan Ramón Jiménez pertenece a
su primera
etapa modernista, en la que siguiendo la estética que rige
la
transforma a su manera. Soneto que consta de dos
cuartetos con rima consonante ABBA, ABBA más dos
tercetos con rima consonante CDE, CDE. En el
primer cuarteto se halla una presencia de adjetivación
("tedio
lento y mudo") que a la vez es una personificación, ya que
el
aburrimiento no habla, se siente, presenta.
También un
paralelismo al hallar 2 nombres que acaban en
entes que envuelven dos gerundios que denotan
acción. En este primer cuarteto, se halla la
presencia de
una metáfora (chopos de oro) que más parece tener
un efecto
estético o quizás se imagina que la luz le da a una
hora del
atardecer produciendo el efecto del oro. Por lo que fuere
aún no hallamos el tema. La poesía
está "revestida", y el
"yo" del poeta (en el caso de la repetición de " mi..." en
el
segundo cuarteto, la presencia del épico bastante
subjetivo, como
se irá viendo).
En el segundo cuarteto con la presencia de otra
repetición
(mi frente... mi frente, mis pies contra sus pies) nos acerca al
mundo sensible con el mundo de la imaginación. Hay
una
doble vertiente, el poeta tiene "algo que se entrelaza con sus
raíces", no sabemos de quién, pero está
bastante preocupado.
En el primer terceto, se hallan dos sintagmas nominales
claves: "otoño humano" y "tarde postrera y encendida", los
dos
denotan claramente el paso lento del tiempo, el atardecer, que
luego compara con un suave nido "que auténticamente es
palpitante". El último terceto es una
metáfora de la vida
real con el mundo interior del poeta.
El tema es la búsqueda de ese Dios que tanto
atormenta al
pobre poeta. Tomando la última palabra de cada
verso
vemos cuán desesperado se halla.
Primero andando; cantándole al cielo (clara
alusión a lo
metafísico).
Juan Ramón Jiménez es un poeta
egocéntrico que se pasa toda
su vida construyendo su poesía, en busca de un yo perdido
que
enlaza con el mundo de las ideas del más allá.
Porque en
la vida terrenal no lo halla y por eso hace esa poesía tan
complicada.
Se halla en los recursos estilísticos una
búsqueda por un
lenguaje propio, utiliza muchos encabalgamientos dándole
un ritmo
casi frenético y mágico. ("transforma mi
ilusión").
((esquema))
Literatura
Las vanguardias influyeron notablemente en la
Generación
del 27, ya que proponían una gran
renovación, tanto en
el terreno estético (sobre todo) como en otros
terrenos.
Todos o casi todos los movimientos vanguardistas influyeron
dentro de todos los integrantes de la Generación del
27.
(Lorca, Alberti, Machado, Guillén, Salinas, Gerardo Diego,
Dámaso
Alonso, y Cernuda).
Primeramente del Futurismo: los integrantes de la
generación se vieron influenciados por los nuevos temas
que
proponían los futuristas (Marinetti, D'Annunzio): la luz
eléctrica, la velocidad, los transportes (coche), la
violencia... Modos de los autores del 27 dedican
poemas basados en estos temas. Ejemplo: poema de la
bombilla de Salinas, las teclas o máquinas de escribir de
Guillén, etcétera, y también las formas:
método de palabras en
libertad, creación de imágenes: método de
palabras en libertad,
creación de imágenes por analogía, escritura
automática,
etcétera. Este movimiento aparte de los nuevos
temas y
formas, no quería fijarse en nada anterior, pertenece a la
primera etapa de las vanguardias. El Cubismo: se
desarrolló de una manera total en la pintura,
también influyó en
los autores del 27. Básicamente el
Cubismo
pretendía desestimular la realidad, deshacerla, para crear
otra
de nueva y utilizar una serie de elementos como los futuristas
tanto en el contenido o formación del poema, como su
estética y
método de las palabras en libertad, creación de
palabras por
analogía, sucesión de palabras, enumeración
caótica y en la
estética se transformó la composición del
poema: en forma de
caligramas, etcétera. Querían desarticular
la realidad y
crear otra de nueva. Influyeron en los artistas del
27 por la estética de los poemas y su forma como
el
Futurismo.
Otros dos movimientos que se dan con fuerza en
España son
el Ultraísmo: que como dice la palabra intenta ir
más allá de la
realidad, una nueva realidad superior, con métodos
similares para
la formación de poemas. De este momento y de
influencias
de los anteriores surgió el Creacionismo: se intentaba
crear una
realidad nueva, totalmente nueva, que no se fijase en pautas o
referencias anteriores, de sus máximos exponentes a
introductores
destaca la presencia de Gerardo Diego (de la generación
del
27) ya que es un poeta creativo, sencillo... Un
movimiento que no tuvo mucha influencia en España fue el
Dadaísmo
o movimiento Dadá, que se enfrentaba y estaba en contra de
toda
clase dogmas (su manifiesto es el caníbal) y nació
por casualidad
en un café, era una palabra en el diccionario buscada al
azar por
un cuchillo, eran muy raros, pretendían provocar a la
gente,
hacerles tomar conciencia, arremetían contra toda clase de
dogma
o poder que les dominara, contra la situación que
vivían
etcétera. Hacían juicios dadá (entre
ellos), se
manifestaban en lugares insólitos y poseían una
gran creatividad
en la forma de hacer poemas: recortaban retratos de
periódicos y
los metían en un sombrero de copa; poco a poca se iban
formando
los versos del poema, con los retales. El Dadaísmo
no
tuvo mucha influencia en los autores del 27. Hay
que destacar la presencia importante de un escritor Ramón
Gómez
de la Sena que fue el que introdujo todas las vanguardias y
experimentó con todos los tipos posibles (Dadá,
Cubismo,
Futurismo...) y su aportación curiosa greguerías:
metáfora y
humanismo (es más o menos un chiste ejemplo: "el
sifón sobre a
pies dormidos") y aunque escribió relatos, novelas, y un
libro
dedicado a las vanguardias "ismos" su colaboración para
introducir las vanguardias fue notable. Estos movimientos
pertenecían a las vanguardias, a la primera fase, donde
predominaba la alegría por el descubrimiento, los
manifiestos,
experimentaciones).
La 2a etapa de la vanguardia comporta un nuevo
movimiento que influyó mucho en los componentes de la
Generación
del 27: el Surrealismo: este movimiento pretendía
liberar el poder creativo del hombre, había que liberar al
hombre
en dos aspectos. de la sociedad y dogmas sociales, de sí
mismo,
de sus problemas. Una vez y liberado de los demás
dogmas
había que liberar a su poder creador, su creatividad, su
capacidad creadora de arte. Para liberar toda esa
capacidad creadora que tenía en el subconsciente, se
utilizan
recursos de la teoría de Freud, había que liberar
al
subconsciente, su poder creador: escritura automática (se
empieza
a escribir sin cesar, si fallaba inspiración, hoja nueva y
a
empezar). Palabras en libertad y creación por
analogía
técnica del cadáver exquisito: en un grupo se
empiezan a escribir
frases de un futuro poema, sin darse cuenta nos encontramos con
una gran concilio colectivo. Recreación de mitos
(elemento mágico o personaje mágico o
fantástico).
Si en un poema se descubre una palabra lógica se
sustituye
por una que comience por .
La constatación de sueños y pensamientos
creados por el
subconsciente... Aprovechando la psicología de
Freud se
utilizan técnicas nuevas y se aplicaran para la
creación de
poesía.
El Surrealismo es un movimiento muy importante, pretende
alcanzar una realidad superior y diferente, se tiene consciencia
de la vida en grupo, individual, en especie... Respecto a
la influencia en autores del 27, influyó mucho en
Federico García Lorca (tiene una etapa surrealista, en
donde
destaca un libro "Diario de un poeta en Nueva York y algunos
poemas de la antología que reunió Gerardo Diego
dedicados a esta
ciudad que tanto le inspiraba) y también en la resto de
los
autores del 27. Otra posible influencia es la de
depuración (Cubismo), los autores de la Generación
del
27 depuran la anécdota o el objeto que observan
para
proceder a analizar su esencia (como ejemplo poemas ya citados,
la máquina de escribir (todos) etcétera).
En resumen las vanguardias, que son un gran nacimiento de
renovación del siglo XX conjuntamente con el
Novecentismo, hasta los años 30 (empiezan en el
17-20) son de influencia fundamental para los autores de
la Generación de 27.
Poema de Juan Ramón Jiménez.
Este poema perteneciente a los "sonetos espirituales" de
Juan Ramón Jiménez, es un soneto: formado por dos
cuartetos y dos
tercetos de 11 sílabas que riman en consonante y
ABBA ABBA CDE CDE. El poema se divide
fundamentalmente en dos partes: los dos primeros cuartetos
pertenecen a una primera parte y los dos tercetos a una segunda
parte. En la primera parte encontramos grandes recursos
estilísticos típicos elementos modernistas:
adjetivación (tedio
lento y modo, cielo libre y transparente, estampa ardiente...)
típicas imágenes simbólicas del Modernismo
(ejemplo: chopos de
oro que nos recuerdan a Machado) adverbios en mente
(inmensamente) y gerundios, que implican idea de eterno presente,
de eternidad (andando, separando...) campo semántico de la
naturaleza, que nos ofrece y expone un paisaje modernista,
árboles, cielo transparente y el léxico del color,
del sonido,
(corriente, chopos de oro, culto libre, caminando...) sinestesias
(chopos de oro: relucientes, cielo transparente: claro, cielo
libre, es decir, claro, mis pies entrelazando sus manos: contacto
con la naturaleza...) encabalgamientos: que marcan las palabras
siguientes, que tienen que ver con el tema (andando, cantando,
separando, entrelazando), todos son gerundios que contribuyen a
la idea de movimiento, de eternidad, comparaciones: como otros
días: su tedio, hastío vital o aburrimiento se
compara a otros
días que pasea por la tranquilidad (que forma campo
semántico
junto con la naturaleza), entre chopo de oro, que le ofrecen el
mundo y de n y m frecuentes en los dos estudios.
En la segunda parte, los tercetos, se denota una mayor
seriedad, que culmina con una alegría por vivir, ansia o
deseo de
vivir, de belleza en una exclamación (momento de la
emoción
intelectual) ¡y más distante!
Referente a los
recursos estilísticos lo une con la otra parte los
adjetivos
(tarde postrera y encendida, suave nido palpitante) que
contribuyen a ganar imágenes, los encabalgamientos (los
dos
tercetos, cada uno, son una fase frecuentada por el verso) y las
comparaciones (como a un suave nido palpitante), etcétera,
y se
diferencia por la carencia de adverbios o gerundios, menos
sensación del movimiento que se producía en la
primera
parte.
Este poema pertenece a la primera etapa de Juan
Ramón
Jiménez por las formas utilizadas: modernistas, el
léxico
modernista, las sensaciones producidas por los sentidos
(devoción
por la contemplación o visión del paisaje... ve el
otoño,
contempla la tarde que se evapora...; los campos
semánticos de la
naturaleza, la tranquilidad que denotan una ansia, ansia de
belleza: el otoño observado, la observación de una
tarde en
otoño, le inspira para escribir, se extasía ante la
belleza y los
adverbios denotan también el ansia de eternidad, de que la
vida
sea eterna, que la belleza sea eterna, y su creatividad que le
permite recrearse ante la vida.
También es modernista por la forma (soneto) y la
manera de
estar escrito que denota una hipersensibilidad, muy marcada en
Juan Ramón (el momento de contemplación ante la
vida le recrea y
le inspira, le llena de vida, tiene ansias de eternidad y de
belleza que se fundan para siempre en un solo momento, como en la
contemplación de una tarde otoño).
Literatura
Poema en forma de soneto de estructura ABBA y
CDDC para los cuartetos y tienen rima consonante.
Para los tercetos o sexteto utiliza la estructura
EFG; EFG y rima consonante también.
Los
sonetos se suelen utilizar para tratar temas profundos.
Hay una personificación: los chopos de oro,
cantándole al
cielo. En los cuartetos nos explica la sensación
que le
produce caminar entre los chopos, tedio; pero si pensamos que el
chopo, como árbol, es un símbolo que une lo
trascendental con lo
terrenal, creo que llegamos al punto de creer que es un camino de
perfección, ya que los chopos son "de oro", por lo tanto,
Juan
Ramón se aburre de esa búsqueda porque es algo que
constantemente
se repite, ya que creo que nos quiere decir que él es ese
camino
de perfección hacia Dios que además, él
escribe con minúscula
para quitarle importancia, porque él mismo se equipara a
Dios. En el segundo cuarteto nos indica qué es lo
que le
produce tedio, que su vida por un lado está unida a lo
real "pies
entrelazando sus raíces", y por tanto a lo que él
crea en su
interior "frente separando de mi frente".
En el sexteto llega a la conclusión de que por mucho
que
intente buscar la belleza y la perfección en lo exterior,
no la
encuentra porque está en su interior; él mismo se
considera un
dios, en su interior encuentra algo más elevado
"¡más
distante!"
Soneto compuesto por 14 versos
endecasílabos.
Juan Ramón tiene un estilo claro, directo y muy
ordenado,
pero esto no ocurre al azar ya que él busca esa
ordenación, que
además creo que es demasiado cerebral, demasiado
medida.
No suele utilizar metáforas, aunque las usa.
Jamás se involucró ideológicamente con
nada, nunca se
decantó por ningún partido político y aun
así se exilió, desde el
exilio tampoco se involucró.
Su estilo no está incluido en ningún
movimiento literario
claramente, aunque fue el padre de los autores del 27,
él asienta las bases.
Desde niño fue un personaje extraño, se
dedicó siempre a
contemplar la vida desde una ventana, por eso creo que no se
involucró políticamente; no participaba de la vida,
sólo la
observaba. Tenía un carácter agrio y
egoísta y así toda
su vida la dedicó a perfeccionar su obra mediante las
correcciones sistemáticas de todo lo escrito
anteriormente.
Con Juan Ramón Jiménez se llega al extremo de
la poesía
deshumanizada, sin sentimientos, sus únicos temas son la
comparación de algo exterior con su interior, pero siempre
encuentra más bello su interior, más perfecto.
Su poesía
es de un egocentrismo avasallador, y siempre bajo su propio punto
de vista, que era lo único que le preocupaba, la
exaltación del
"yo".
Literatura
Interpretación.
Pablo Neruda, nos habla en este poema de la naturaleza, nos
describe todos sus aspectos en la época de verano.
También hace mención al amor característico
en este libro del
autor "Veinte poemas de amor y una canción
desesperada".
No se trata de un día cálido de verano, sino de un
día con
tempestad, revuelto por el viento.
Estructura y lenguaje literario.
La primera parte de poema comprende:
El autor nos aclara que se trata de
un día en pleno verano, pero no con el típico calor
que en esta
época se da, en un día con tempestad.
Pablo Neruda compara a las nubes
movidas por el viento con pañuelos blancos de
despedida.
Una segunda parte del poema tiene lugar del verso quinto al
doce.
Verso 5. No hay orden lógico de la
frase. El autor nos dice lo inmenso que es el viento,
está por todas partes.
Verso 6. El viento está presente
ahí,
incluso ante unos enamorados. Oposición del viento
fuerte, con el silencio de enamorados.
Verso 7,8. Hablándonos
constantemente de
la naturaleza, ahora nos cuenta cómo el viento se cuela
entre los
árboles. Hay una personificación, viento
orquestal y
divino.
Verso 9,10. El viento más fuerte
que nadie
arrastra con él y se lleva las hojas de esos
árboles
majestuosos. Y desvía el rápido vuelo de
los
pajarillos.
Verso 11,1 Pablo Neruda nos da a entender que el
viento es más fuerte que nada, que también derriba
las olas del
mar.
Verso 13,14. En estos dos versos hay una
evidente ventaja del viento respecto al mar; aunque este por su
volumen y superficie sea superior no lo es y así nos lo
aclara el
autor cuando nos dice que el mar es vencido por el viento.
Compara el choque de las olas con los besos, el bello
contacto.
Relación del texto con su autor y su
época.
Este texto pertenece al libro "Veinte poemas de amor y una
canción desesperada" de Pablo Neruda. Se trata de
la
literatura hispanoamericana, es un libro que ha tenido mucha
popularidad, desde que fue publicado hasta nuestros
días.
Por su lenguaje sencillo, claro aunque elegante lo ha
leído todo
tipo de gente, sus poemas son de fácil
comprensión. La
literatura hispanoamericana pertenece al siglo XX, es
más realista, trata de los poemas humanos pero no de forma
radical, y también sobre los temas amorosos.
Identificar personajes y situaciones.
Este texto pertenece al libro "Cinco horas con Mario" de
Miguel Delibes. Todo él pertenece al
monólogo de Carmen,
mujer de Mario. Carmen es una mujer simple, tradicional,
apenas tiene cultura, respecto a su marido son totalmente
contrarios. Carmen es una persona amargada, no ha sido
feliz en su matrimonio con Mario y de ello le culpa a él;
también
es muy rencorosa, pero ha guardado todos sus problemas hasta el
final, nunca le contó a Mario todo lo que ella
pensaba. Y
lo hizo cuando murió, más que nada para
desahogarse, y quedarse a
gusto, y estando él tendido en la cama ya muerto, solos
los dos
en la habitación, le explicó todo lo que pensaba y
cosas que le
había ocultado que eran tonterías pero que ella les
daba
importancia.
Como he dicho antes este texto pertenece al monólogo
de
Carmen, por lo tanto no pertenece ni a la primera ni
última
escena que sirven de apertura y broche del libro.
Son 27 escenas de las cuales 25 habla
únicamente Carmen con su marido muerto, y el texto
pertenece a
una de estas.
La primera comienza con una esquela de corte tradicional
por la muerte de Mario, típico de los años
60.
Las otras comienzan con una cita de la biblia que anteriormente
fueran subrayadas por Mario, y ahora son aprovechadas por Carmen
para iniciar cada escena.
El velatorio tiene lugar en casa de Carmen, y Mario se
encuentra tendido en la cama de su habitación, lugar donde
transcurre el monólogo de ella. Mario es una
persona
totalmente distinta a su mujer, él es un intelectual que
le gusta
la lectura, trabaja como profesor, y escribe en un
periódico.
Carmen se ocupa de su casa. Ideológicamente
también
son diferentes. Mario tiene un pensamiento republicano al
contrario que su mujer. Mario emplea un lenguaje culto y
Carmen es vulgar se puede apreciar en el texto
"fornicación".
Analizar las técnicas novelísticas.
Demuestra Delibes un gran dominio del lenguaje.
Carmen habla según su cultura por eso tiene un lenguaje
vulgar. Se puede apreciar en el texto que la
mayoría de
las frases son largas, subordinadas. Predomina la
función
fática, el vocativo, las frases son farragosas y
complicadas.
En el texto Carmen hace mención a sus pechos, algo que
la ha
tenido acomplejada toda la vida. También
está presente el
estilo directo.
"Cinco horas con Mario" de Miguel Delibes, años
60, se trata de un libro que critica y hace
mención a la
España de esos días. Hay una
oposición clara entre los
personajes principales y Delibes no habla ni bien ni mal sobre
cada uno de ellos, es el lector quien se da cuenta a lo largo de
la obra y se forma su propio criterio. Al terminar la
obra se da uno cuenta que Mario ha sido un pobre hombre, bueno,
paciente, culto,... y su mujer no ha sido más que la
culpable del
desastre de su matrimonio.
Literatura
En este texto el tema principal es el amor, pero un amor
que no parece un sentimiento sino que habla de él como si
fuera
un elemento de la naturaleza. Podría estar
queriéndonos
dar a entender que el viento es el amor, ya que habla sobre todo
del viento. Hace alusión a muchos elementos de la
naturaleza como la tempestad, el viento, las nubes,
etcétera, y
también a palabras relacionadas con el amor como
corazón, besos,
flechas latientes de los pájaros, que nos hace suponer que
habla
de las flechas de amor de Cupido. El texto consta de una
estrofa de cuatro versos y cinco de dos. Cada verso tiene
un número diferente de sílabas. No tienen
rima.
Hay algunas comparaciones: "como pañuelos...", "como una
lengua".
Habla de elementos de la naturaleza que se refieren al
frío
como la tempestad, el viento la nube y sin embargo nos
está
hablando del verano. Hay muchos adjetivos, algunos como
viajeros mansos o silencio enamorado, personifican al
sustantivo. También personifica al viento a las
nubes. Neruda al hablar de la mañana llena de
tempestad
parece que quiere presentarnos a la mañana como algo que
se
pudiera llenar. Las características más
importantes de
los autores de esta época es que la mayoría en su
poemas utilizan
elementos de la naturaleza, aunque luego cada uno le da su
significación propia. También que muchos de
ellos cantan
al amor.
Este texto pertenece a la obra "Cinco horas con Mario" de
Delibes en el que Carmen tras la muerte de su marido y mientras
vela su cadáver le va reprochando, en un monólogo
toda la vida
que ha tenido con él. Es una crítica, le
echa en cara
todas las cosas que la hizo y que ella nunca se atrevió a
reprochárselas.
En este fragmento habla del poco caso que la
hacía.
Y luego ella sin embargo no se atrevía a irse con otro
hombre, a
pesar de que podía hacerlo. Estaban casados pero
apenas
había amor entre ellos, ni siquiera
discutían.
Luego a lo largo de toda la obra Carmen va a repetir todo
el rato lo mismo, que si Mario no sabía educar a sus
hijos, que
si no la hacía caso, etcétera... Carmen ha
pasado toda la
vida al lado de su marido y ni siquiera sabe por qué lo ha
hecho
ya que se da cuenta de que ni le quiere ni le ha querido.
Lo predominante de esta obra son las frases muy largas, poca
puntuación pero muchas comas. También la
obra está llena
de interrogaciones retóricas. También hay
muchas
exclamaciones.
Es una obra realista, que expresa entre otras cosas la
marginación de la mujer, y más que nada el miedo a
decir lo que
siente. Los autores de esta época son bastantes
realistas. Delibes también pone como fondo la
guerra, de
la cual escribirán bastantes autores de esta época
aunque no de
una forma directa. En "Cinco horas con Mario" Carmen
habla un poco de ella pero no hace muchas reflexiones sobre
ella.
Literatura
Antonio Machado "Generación del
98".
Antonio Machado, escritor y poeta español nacido en
Baeza. Debido a su ajetreada vida, el poeta lleva su obra
de símbolos, en su mayoría de aspectos tristes,
añoranza y
malestar.
En el año 1903 escribe su obra "Campos de
Castilla", obra llena de símbolos de exaltación por
las tierras
castellanas, y sobre todo por Soria, lugar de estancia del autor
durante gran parte de su vida. En las poesías
pertenecientes a esta obra, como "A un olmo seco" exalta, jugando
con el lenguaje de una forma particular, la belleza, el don de
las gentes castellanas y sobre todo su particular estado de
ánimo
en esas tierras. También, y como se supone
lógico, esta
obra está llena de añoranza por su tierra natal,
Andalucía,
aunque en realidad él considera su tierra Soria.
Esto es
debido a que allí conoce al gran amor de su vida Leonor,
la cual
morirá suponiendo un gran trauma y afectando de forma
decisiva la
obra del poeta.
Posteriormente, escribe "Soledades, galerías y otros
poemas". Esta obra está llena de símbolos
de dolor,
angustia, malestar y a la vez de nostalgia por Leonor y por
Soria, ya que él se traslada de nuevo a Baeza.
Leonor,
mejor dicho su muerte, ha cargado la poesía de Machado de
matices
grises, de oscuridad, de fatalismo.
Machado, en toda su obra, utiliza un lenguaje no tan
romántico como en el Romanticismo pero cargado de
sentimientos,
de fe y sobre todo cargado de recuerdos.
En este texto perteneciente a la obra "Cinco horas con
Mario" aparece sucesivamente muchos personajes, pero en realidad
ninguno identificado a sí mismo ya que toda la obra gira
en torno
a dos personajes principales: Mario y su mujer. Mario ha
muerto y su mujer con la obsesión de velarle por
última vez pasa
toda la noche al lado del cadáver y hablando sobre su vida
con
Mario.
La mujer de Mario es un personaje típico y
particular en
esta novela. Actúa como fuerza catalizadora de
toda la
vida de Mario. Ante su evidente tristeza y
desesperación
habla durante cinco horas, se supone, o más, de una forma
muy
rápida, a veces sin pensar. Si en ciertos momentos
Mario
la oyera se pondría furioso.
El resto de los personajes tienen importancia en cuanto que
son coayudantes a la hora de narrar la historia. Todos
llevan implícito un signo, ya sea bueno o malo.
Esta parte de la obra, lleva en sí implícito
el carácter de
la gente respecto al sexo. En toda la obra se vapulean
casi todos los aspectos sociales de esa época y por lo que
parece
el tema de "lo sexual" no era demasiado libre.
La libertad sexual ha sido un tema bastante discutido en
todas las épocas. También ha sido motivo de
cantidad de
problemas sociales. Esto es una parte de esa muestra de
la sociedad, o de su estado ante la sexualidad.
Evidentemente, Carmen, parece ser una mujer bastante chapada a la
antigua y en la que no se notan signos de liberalismo sexual.
Ella lo hace y lo deshace todo ya que ella es la única
que
habla en toda la obra. Realiza un extenso
monólogo,
técnica muy utilizada en la novela. Con la
utilización de
esta técnica es posible dar rienda suelta a todo tipo de
temas ya
que a través de un solo personaje, pero por supuesto
ayudado por
otros, se crea en un momento un trasfondo de veracidad total.
Ella dice, cuenta, comenta, se pregunta y se contesta.
De ahí que sea la fuerza catalizadora de la
novela.
Literatura
Antonio Machado.
Antonio Machado escribe en la primera etapa una
poesía
descriptiva. En esta poesía lo que hace Antonio
Machado
es describir paisajes pero de una forma especial, utilizando
símbolos. Machado en esa época va a
utilizar con
frecuencia los símbolos pero en las siguientes etapas va a
desarrollar de una forma más natural los paisajes, sobre
todo los
paisajes de Soria. Por lo tanto, en esos primeros poema
van a ir apareciendo personajes fantásticos, animales como
por
ejemplo: cisnes, princesas, hadas, etcétera.
Los símbolos que con frecuencia aparecen en los
poemas son
los cisnes las fuentes.
Machado en esta época vivía en Baeza, en su
ciudad
natal. A él no le gustaba vivir allí, ni
tampoco le
gustaba sus paisajes y para evadirse de esa rutina comienza a
escribir los poemas de una forma especial, utilizando los
símbolos. De esta manera, Machado describe
paisajes
imaginarios donde aparecen los cisnes, las fuentes (es el
símbolo
más utilizado por Machado) las hadas y el agua.
En este texto el personaje que aparece es la mujer de
Mario, y se llama Carmen.
La obra se desarrolla en la casa de Carmen. Carmen
esta velando a su marido Mario que ha fallecido. Esta
obra va transcurriendo situaciones diferentes durante cinco
horas. Durante las cinco horas Carmen va a hablar con su
marido fallecido y va a decir todo lo malo que tenía
Mario.
En este texto, para Carmen no había amor entre Mario y
ella,
y que a él sólo le importaba el sexo y las
demás cosas que le
importaban.
En general, esta obra trata sobre los problemas sociales
que había en la época.
El significado que tiene la obra es la siguiente: Carmen
hecha toda la culpa a su marido, para ella Mario no le inspiraba
nada, no hacía caso a sus hijos y para Mario su mujer era
indiferente.
En conclusión. Para Carmen su marido fue muy
malo.
Lo primero que hay que decir de esta obra es que es un
monólogo, Carmen está sentada a lado del
féretro de su marido
Mario y va contando las cosas malas de Mario.
Las técnicas novelísticas que aparecen en el
texto son la
abundancia de repeticiones y de comas.
El autor de esta obra es Miguel Delibes y en la
época que
escribió "Cinco horas con Mario", era un época con
problemas
sociales. Miguel Delibes estaba en desacuerdo con esta
época que era una sociedad materialista y en desacuerdo
escribió
esta obra.
Literatura
simbolismo en la poesía de Antonio Machado o de Juan
Ramón
Jiménez (elegir uno).
Antonio Machado pertenece a la poesía que se da en
España
anterior a 1936. Se le ha incluido dentro del
Modernismo y algunos autores lo incluyen dentro de la
Generación
del 98.
Antonio Machado, se queda un poco anulado en la
tradición
por lo que no va a despertar mucho interés en la
Generación del
27. Tiene bastante unidad temática en
toda su
obra.
Su primer libro publicado será Soledades, más
tarde
aparecen Soledades, galerías y otros poemas, este libro es
de una
mayor depuración y densidad, en esta obra los
símbolos utilizados
por Machado son muy abundantes.
Machado en esta obra nos muestra su "yo" más
íntimo, ahonda
en lo que él llama "universales del sentimiento", Machado
quiere
indagar en las realidades más profundas, esto lo
hará a través de
los símbolos. Los símbolos más
utilizados serán, el
campo, el sueño, el viajante, con ellos pretende llegar a
realidades más profundas, el sueño aparece, a veces
como única
vía para salir del modo real, y pasar a un mundo
ideal.
En esta obra hay un fuerte subjetivismo, nos muestra su
dolor, que es debido por una parte a la falta de amor, y por otra
parte al paso del tiempo, que lleva a la muerte. El dolor
nos lo muestra a través de símbolos, de una forma
directa o
entablando un dialogo con realidades inanimadas, que
funcionarían
como símbolos también (fuentes,
árboles).
En Campos de Castilla no abandonará el subjetivismo,
pero
aquí no nos muestra su dolor únicamente,
también nos muestra el
mundo exterior. Su presencia está presente a
través de
los símbolos en las descripciones, identificará el
paisaje con su
estado de ánimo. En este libro se pueden
distinguir dos
líneas claramente diferenciales: una línea
entronada con los
problemas de la Generación del 98, en la cual, a
través
del paisaje hay consideraciones de España, influencia de
Baeza
(tierras andaluzas), hay también una visión
lírica del campo
castellano.
La segunda línea esta caracterizada por la muerte de
Leonor, aquí se vuelve a replegar en sí
mismo.
También insertará algunos poetas y
filósofos, a través de
los cuales se manifiesta el autor.
En toda la obra se puede apreciar un fuerte acento
simbolista, a través del cual el autor expresará
sus sentimientos
más profundos de dolor y tristeza y en ocasiones el modo
exterior.
Tiene un lenguaje muy claro con un fuerte contenido en cada
palabra y en cada frase, utilización de colores pastel,
como la
Generación del 98.
El teatro poético español:
1900-1930.
En todo el teatro anterior al 36, hay un fuerte
aburguesamiento, ya que la influencia del teatro
romántico,
convencional, del siglo XIX era muy fuerte.
Sólo
hay dos figuras importantes que son destacables: Lorca y
Valle-Inclán. En un segundo plano
Benavente.
El teatro poético de España entre
1900 y
1930, no es un teatro muy importante, generalmente,
seguirá en la tónica del siglo XIX, con un
público
burgués, el teatro poético gusta porque, se
representa algo
tranquilo, algo en lo que el espectador puede ser pasivo y en
ningún momento se ve identificado, es el gusto de la
época.
Dentro de las tendencias tradicionales del teatro anterior al
36, se da el teatro neorromántico que es un
teatro en
verso, este teatro está dirigido por Marquina y
Villaespesa, este
género tiene puntos en común con el teatro
poético, pero no se
debe confundir, tiene poco valor histórico.
Dentro de las tendencias renovadoras Lorca es el más
representativo de un teatro poético, todo su teatro tiene
una
fuerte carga poética, esta carga en Lorca lleva un
carácter
dramático muy fuerte.
Aunque toda su obra tenga esa carga poética, hay
algunas
obras que son exclusivas del teatro poético Maleficio de
las
mariposas.
En Valle-Inclán el carácter poético se
dará más en su etapa
modernista, su primera etapa.
Literatura
El panorama general del teatro no es muy alentador, en el
siglo XIX, es un teatro burgués, y el
público que asiste
a ver las obras está acostumbrado a ver dramas
románticos, y
asiste al teatro como un acto social y no cultural.
En este teatro hay dos tendencias:
Tendencias tradicionales.
Teatro burgués, del que no nos ocuparemos, porque no
es un
teatro poético, el teatro burgués lo cultivó
Benavente.
Teatro neorromántico. Este teatro lo
practican
Villaespesa y Marquina, cultivan un teatro en verso, pero que no
hay que confundirlo con el teatro poético, para sus libros
utilizan títulos de la historia de España.
El sol se ha
puesto sobre Flandes. Marquina. Este teatro no
tiene mucho valor, porque no introducen grandes innovaciones,
pero resulta interesante, porque cogerán algunas
técnicas usadas
por los modernistas.
Teatro cómico. Tampoco nos ocuparemos de
él.
Tendencias innovadoras.
Generación del 98. Lorca.
Generación del 27.
Valle-Inclán.
Lorca. Su obra poética no es muy extensa,
pero
tiene mucha calidad y estilo.
Obras. El diván del Tamarit, Cancionero, un
Poeta
en Nueva York; cante jondo; Llanto por la muerte de Ignacio
Sánchez Mejías. Para sus obras, Lorca,
utiliza un
personaje que esta inmerso en la soledad y en la muerte; casi
toda la obra poética se desarrolla en torno a la vida de
los
gitanos. Lorca dará mucha importancia a la
mujer.
Utiliza diversos colores para señalar, el amor, la muerte,
cuando
realiza su viaje a Nueva York, el tono de los poemas va a
cambiar.
Valle-Inclán. Valle evoluciona desde formas
modernistas hasta el esperpento. Se distinguen en su obra
cuatro etapas.
Etapa modernista. Lo más importante de esta
etapa
son las sonatas, de estío, otoño, primavera y
verano, Valle
entrelazará los cuatro temas centrales; religión,
amor, muerte; y
una gran descripción paisajística; en esta etapa
también se
distinguen otras obras: El jardín umbrío.
Etapa del Modernismo al esperpento; las obras se encuentran
en dos escenarios, diferentes, siglo XVII, y Alicia.
Las obras de esta etapa son: Romance de Lobos; y
cerrará su
etapa con una obra esperpéntica.
Etapa esperpéntica. Valle utiliza esta
técnica para
señalar lo más absurdo y grotesco de esta
realidad. Obra;
La pipa de Kif.
El Simbolismo en la poesía de Antonio Machado.
Toda
la obra de Machado es muy coherente y con gran unidad, a pesar de
los cambios temáticos y estilísticos.
Este autor permanecerá anulado a los poetas
clásicos, por
lo que no despertará entusiasmo entre los hombres de la
Generación del 27.
En 1903; publica: su primer libro Soledades, pero
en 1907 escribirá Soledades, galerías y
otros poemas,
eliminará 13 poemas del libro anterior; y en su
lugar
pondrá otros de mayor depuración y
sencillez.
Sus temas se basarán en vocaciones de su infancia, y
giran
en torno a las melancolías, tristeza, etcétera, de
Machado; da
rienda suelta a lo que llamará "las universales del
sentimiento".
Para evitar su soledad y dolor; entablará una serie
de
diálogo de forma indirecta, con realidades inanimadas;
como la
fuente, el río. Utilizará en su obras
símbolos como el
agua, el camino, el tiempo. Machado está
preocupado por
el paso del tiempo que lleva a la muerte; por no tener un asidero
al que agarrarse; y por la ausencia de amor; usará el
sueño como
una manera de volver al pasado y obtener de este modo la
felicidad, que el mundo exterior le vela.
Campos de Castilla.
Visión subjetivista del campo castellano, el autor
nos
mostrará y nos recordará su presencia en sus
obras.
Machado no nos mostrará, su intimidad, y nos
mostrará el mundo
exterior; dentro de Campos de Castilla, se encuentran dos
líneas. Enlaza con las preocupaciones de los
hombres del
98. Y esta otra más importante,
volverá a
mostrarnos su intimidad dolorida a causa de la muerte y
enfermedades de Leonor, como ocurría en Soledades, en esto
libro
se encuentra otros poemas.
Literatura
En el teatro anterior a 1936 se pueden distinguir
dos tendencias:
Tendencia tradicional, en la que se debe destacar, el
teatro de comedia burguesa y en esta tendencia destaca Jacinto
Benavente, por lo tanto es un teatro que va dirigido a la
burguesía. Benavente es hábil con el
diálogo y logra
conseguir una tensión emocional en el espectador que lo
está
viendo. El teatro de Benavente a quien va dirigido es a
la burguesía, pues el teatro en sus orígenes va a
cambiar
sustancialmente; tanto el ambiente donde se realizaba, como los
planteamientos de las obras. Son obras directas y dan un
aspecto de crítica de la sociedad. En la obra "Los
intereses creados" reproduce, la vida de dos personajes, que por
sus tramas logran salir hacia mejor camino, pero luego
terminará
óptimamente, aunque esa trama esté muy
liada.
La impresión que va a dar en sus obras, es que deja
a la
burguesía, que es a quien va dirigido, le deja la
constancia de
que es un teatro que es cómico a la vez pero que deja la
sensación de reflexión ante lo que se está
haciendo.
Teatro neorromántico: es un teatro en verso.
En
esta línea destacan, Villaespesa y Marquina y por otro
lado pero
también en esta línea Machado, es como una
evocación del
Romanticismo becqueriano que se hace el teatro en verso, pero
queda no satisfactorio.
Teatro cómico con Arniches y los hermanos Quintero,
es un
teatro que tiene gran parte de sainetero y que puede entroncar
con lo que posteriormente será la zarzuela, en esta
línea están
Arniches que va a tratar el Madrid de la época y reproduce
las
situaciones.
Quintero. Reproducen los tópicos de
Andalucía, de
una manera graciosa por otro lado está Muñoz Seca
que trata de
dar al teatro ese toque de humor, en sus obras destaca: "La
venganza de don Mendo" en la cual hace una parodia del amor.
Otra tendencia teatro innovador. Destacan:
Valle-Inclán que supondrá una ruptura del teatro
que
anteriormente se estaba realizando. Valle-Inclán
tendrá
etapas: 1a etapa que enlaza con el Modernismo, en ella
destacará las "Estaciones" y se ve que está en esta
etapa por la
utilización de adjetivación y por la
utilización de símbolos que
evocan a la que se ha llamado simbolismo en el
Modernismo.
Otra etapa sería la del esperpento en la que
Valle-Inclán
intenta transmitir sus sentimientos y de mostrar la realidad de
España pero además utilizará la
fusión de contenido y forma lo
cual le lleva a transcender sus sentimientos pero de manera
exagerada. En la etapa esperpéntica se pueden dar
influjos de movimientos pictóricos tales como el
Impresionismo y
el Expresionismo. Obras que se pueden clasificar en esta
etapa: las Comedias bárbaras la "Farsa de la enamorada del
rey" y
la más destacada "Luces de bohemia" en esta obra
tratará hablar
de la crueldad humana, pero además el protagonista Max
Estrella
que no tiene suerte en nada y que incluso estará ciego
pero eso
le permite ser más vidente que cualquiera de los
demás.
En la etapa esperpéntica hay que tener claro, que se
puede
ir por vías de reflexión, y en las que se analiza
la sociedad y
lo cruel de lo humano, como en otra obra "Divinas
palabras".
En esta etapa también estarán Ramón
Gómez de la Serna pero
en la corriente de vanguardias donde se intenta dar un cambio a
lo que se venía haciendo, en la que se utilizarán
palabras que se
invente, no le importa improvisar, describe situaciones de los
personajes y sus obras serán "los medios seres" donde
hablará de
aquellas personas que se siente indecisas y sin saber qué
hacer
en la vida y por tanto salen a ver el mundo y así
completar
aquello que les queda, incluso saldrán con media parte de
su
cuerpo blanca y la otra negra, como si les faltará la otra
parte
que es la que necesitan para llegar a ser algo en la
vida.
En los autores de la Generación del 27
tendremos
que destacar a Federico García Lorca, que su obra en la
cual
habla de mujeres que viven en el campo y que éstas tienen
que ser
fuertes y sacar a su familia hacia un camino más
óptimo,
destacará en estos obras de mujeres, que serán
obras dramáticas y
destaca. "La casa de Bernarda Alba" "Yerma" "Bodas de
sangre".
En sus obras Lorca trata de mostrar la pasan en una casa
encerradas y sin salir y cómo saldrán de esa
situación, pero
produciéndose un drama, como será el de "La casa de
Bernarda
Alba", Bernarda impone su poder pero al final una de sus hijas
Adela, logrará burlar ese poder pero ello le
costará la
muerte.
Personajes:
Carmen: será la mujer de Mario, es la que
contarán la vida
que ella y Mario llevaron, lo hará a través del
monólogo
interior.
Mario: será el personaje que está muerto pero
que dará pie
a hablar de él, de sus comportamientos, sus rarezas.
Aunque esté muerto será el personaje central de la
obra, pues
será de quien Carmen, esté reprochando
constantemente su actitud
que tuvo para con ella, y la insatisfacción que
recibió de
Mario.
Gallí: será un italiano que era soldado y que
se aprovechó
de la hermana de Carmen, pero Carmen lo menciona por su bravura y
porque según ella no hace nada más que acecharla
pero ella no
quiere.
Eliseo San Juan: será un personaje que acecha a
Carmen y
ésta se muestra indiferente, pero aun así se lo
mencionará a
Mario puesto que eso será lo que a ella más le
duela que Mario no
la hiciera mucho caso mientras otras hombres estaban deseando
alcanzarla.
Transi: será su amiga, y recordará el pasaje
de su niñez
cuando subieron al estudio de los viejos y allí,
éstos querían
pintarlas desnudas, por ello que Carmen se lo señala a
Mario,
para que pueda ver que ella estaba y está aún de
buen ver.
El texto por tanto nos está reflejando la
insatisfacción que
siente Carmen, ya que no será ni correspondida por su
marido,
aunque no se la olvidará recalcar que ella tiene
oportunidades,
lo único que le es fiel. Por lo tanto se marca la
situación social, que envuelve a los personajes, la
insatisfacción sexual y además se van dando
pinceladas del
comportamiento de Mario, y de que ella ve en otros hombres
aquello que no la ofrece su marido, pero que aun así ella
no le
engañará.
Las técnicas que se utilizan es el monólogo
interior, que
será Carmen la que a través de expresar sus
sentimientos,
descubra la imagen y el carácter de Mario desde su punto
de
vista.
Predomina la narración en todo momento. Al
principio de cada capítulo se trata de dar un
preámbulo a lo que
luego va a pasar a la crítica de Carmen y a mostrar su
situación.
El comienzo da pie a Carmen para poder analizar la
situación y contradecirle en aquello de lo que Mario
diga.
En este caso Mario habla de la fornicación que no se
debe
llevar a cabo y Carmen le responderá hábilmente a
lo que Mario
plantea, pues son notas que Mario toma de una Biblia y que
después lo da un peculiar significado. La
clasificación
del texto lo incluimos en la novela posterior al 36,
donde la censura está vigente y por lo tanto habrá
obras que
tarden en aparecer, pero esta obra concretamente la debemos
situar en la década de los 60-70 donde se va a
dar una
experimentación en la novela se camina hacia nuevas formas
innovadoras, donde no se puede abandonar el trasfondo social en
la obra, pues habrá veces que mencionen la
situación de España en
la posguerra. Se emplean nuevas técnicas narrativas como
en este
caso la técnica del monólogo interior que
llevará Carmen con
Mario. Miguel Delibes tendrá un gran impacto en la
novela
de posguerra y además si hacemos una clasificación
de la novela
por década, este hombre se le puede incluir en las
diferentes
etapas o mejor dicho décadas en la década de los
40 es
la novela existencial y deja su huella en obras como "La sombra
del ciprés es alargada" se cuestiona la existencia, y el
comportamiento de las personas tras las guerras.
En los 50 se va caminando hacia la novela social,
se dan muestras de la sociedad en la que se está viviendo
y el
dejar constancia para ver si se puede cambiar. Obra: "Mi
idolatrado hijo Sisí". En la última
década de los
60-70 se da el trasfondo social, es decir no se abandona
pero se camina hacia nuevas formas de tratar la novela y Miguel
Delibes en esta década es donde se incluye la obra "Cinco
horas
con Mari" donde el tiempo de leer en la novela será
más o menos
el mismo que el de la obra, es decir 5
horas.
Literatura
Este texto se debe interpretar, a mi entender, como una
poesía de amor ateniéndonos a varias pistas que en
él se
observan.
La primera aparece al inicio del poema y es la frase "es la
mañana"... que puede interpretarse como la mañana
que sigue a una
noche de amor. La siguiente pista, bastante más
clara
aparece en el verso sexto "silencio enamorado". La, a mi
entender, última pista sobre el carácter amoroso
del texto
estaría en el penúltimo verso "se sumerge su
volumen de
besos".
Podría entenderse como una crónica de desamor
o de amor que
se desvanece pero el "silencio enamorado" del verso sexto
está en
presente y deja clara la existencia del amor hasta el
penúltimo
verso.
Lo más probable es que se trate de la
descripción de una
mañana de verano observada junto al ser amado muy
hermosamente
lograda pero sin más complicaciones, lo único que
puede hacer
dudar de esto son los dos versos finales: "se rompe y se sumergen
su volumen de besos combatido en la puerta del viento de
verano".
Con las palabras "rompe" y "combatido" dan a entender una
posible separación producida por algún elemento
externo
(identificable con el viento). El undécimo verso
("viento
que la derriba...") nos deja suficientemente claro quién
padece
la acción pudiendo identificarse con una mujer (ya que
aparece
"la derriba"). A mi entender este texto puede dividirse
en tres secciones la primera era del primer verso hasta el cuarto
(inclusive) y serviría de introducción al tema
tratado. La
segunda parte comprendería los versos entre el quinto y el
décimo
y en ella se descubriría al "viento" o elemento
perturbador del
amor. La tercera sección va del undécimo
verso al final
del poema y podría interpretarse como desenlace, con la
rotura
del amor. Este poema lleva consigo una gran carga de
lenguaje literario.
En el primer verso aparece una expresión poco
común "es la
mañana llena de tempestad que considero una
personificación ("es
la mañana") y en la que impacta el "llena". "el
corazón del
verano" es una no muy original expresión de simple
interpretación; la parte central y más intensa del
verano.
En el tercer y cuarto versos hay un claro símil y una
personificación de las nubes del viento "como
pañuelos blancos...
viajan las nubes, el viento las sacude..." y un epíteto
sobre la
personificación "... viajeros somos" la
personificación del verso
es continua y llega al fin del poema.
En el quinto verso el adjetivo innumerable aplicado al
corazón produce una posible sinestesia así como en
"silencio
enamorado". En el décimo verso hay una
metáfora (pájaros)
por "flechas latentes").
Los versos undécimo y duodécimo pretenden dar
una sensación
de absurdo o carencia con lo que aparentemente son negaciones
intrínsecas ("ola sin espuma, sustancia sin peso y fuegos
inclinados"). Hay una ligera anáfora entre los
versos
nueve y once ("viento"). Al final una nueva
personificación (en los dos versos).
Abundan los adjetivos y los verbos, con no pocos
sustantivos lo que no da al poema un carácter
específico de
descripción o narración sino que lo comprende todo.
(ejemplo:
viajan, sacude, etcétera, blancos, viajeros,
etcétera, pañuelos,
negro, etcétera) Pablo Neruda es un autor chileno nacido a
principios de siglo y muerto en 1973. Su
trayectoria comprende varios tipos de poesía que va desde
la
poesía pura al compromiso político. En este
caso
pertenece a su poesía amorosa (la obra es de mediados de
siglo).
En este fragmento aparecen varios personajes menores de la
obra y los dos protagonistas, Mario, nombrado como mudo
interlocutor (ya que está muerto es implícitamente
Carmen, ya que
es la que habla. El texto se inicia como todos los
capítulos (no numerados, son 27) de la obra con
una cita
bíblica que Mario habría subrayado, en este caso un
fragmento que
hace referencia a un tema "tabú" para la mentalidad de
Carmen una
mujer retrógrada e incomprensiva quizá marcada por
la educación
recibida, pero que en su afán de disculpa por su supuesto
pecado
(el encuentro con Paco y un posible beso, que acabará
confesando)
desata su lengua y se desinhibe narrando sus "aventuras
eróticas"
que más bien son unos simples e inocentes
escarceos).
El segundo personaje al que se hace referencia es citado
con un escueto "él" al principio (línea
quinta).
Gallí. El tal Gallí era un soldado italiano
llegado para
participar en la Guerra Civil junto a los "nacionales" que se
aloja en casa de la familia de Carmen y que se interesó
por
Carmen y por su hermana (que quedó embarazada de él
lo que
posiblemente causó ese excesivo sentido de la moral de
Carmen
tras el escándalo (el inicial, al ser sorprendidos en
"actitudes
comprometedoras") y el hecho de tener un hijo soltera).
En cuanto a Eliseo San Juan se puede decir que es un
personaje contemporáneo del momento de la acción
presente, en
contra de Gallí que lo es del pasado, de la guerra.
Eliseo es un simple y burdo tendero que piropea groseramente a
Carmen cosa que ella toma como un halago) que en la obra
sólo
sirve para inspirar confianza a Carmen en su moral (ella
diría:
"si no engaño a Mario es porque no quiero". Esta
situación es descrita varias veces en la obra lo que no es
extraño pues el monólogo de Carmen no es más
guerra continua
repetida de ideas y situaciones. (Mario es el esposo de Carmen,
profesor de instituto recién fallecido).
Transi es una amiga de la infancia y la adolescencia que
aparece (al parecer de Carmen) como testigo de su firme moral que
se resistía a cualquier licencia (Transi no se resiste, es
pintada desnuda).
Los "viejos" fueron los hombres que "pretendieron" a Carmen
y a "Transi" en su adolescencia y como todos los hombres
nombrados en este fragmento sirven para destacar la supuesta
capacidad de Carmen de atraer a los hombres y pese a todo no
ceden a sus "inmorales" pretensiones, y de paso echa en cara de
Mario el desplante de la noche de bodas. (todo esto justifica la
aventurilla de Carmen con Paco). Las técnicas
novelísticas son propias de la novela de los sesenta, el
uso
continuado de las comas y las breves frases pretenden dar la
sensación de pensamientos que brotan continua e
ininterrumpidamente, aparecen citas de otros momentos, de la obra
y de la vida, y el tiempo es muy variable. Esta obra de
"Cinco horas con Mario" fue escrita por Delibes hacia la mitad de
los sesenta y supone su incursión en la novelística
"experimental" de la época. En ese sentido es
única y no
se puede relacionar con otras obras de este autor castellano,
narrador de la vida en las aldeas de Castilla la
Vieja.
Literatura
En el teatro poético de 1900-1930 podemos
distinguir 2 líneas:
vanguardias: Generación del
27
Modernismo.
Los poetas modernistas son poetas que nacen en el
último
tercio de siglo XIX y tienen su etapa productiva.
Las primeras décadas del siglo XX.
El origen de estos poetas es una crisis de conciencia, que se
produce por la preocupación por España, los atrasos
políticos. La poesía modernista, es una
poesía con un
fuerte esteticismo que se basa en lo formal. Es como una
especie de autocompensación que se hace el poeta ante los
males
que le rodean tiene influencias del Romanticismo y de la
poesía
francesa esta poesía francesa tiene 2
líneas.
Simbolismo: buscan la belleza formal en el lenguaje.
Dicen que es lo más importante en la
poesía. Es como
una evasión que hacen los poetas ante esa
preocupación por los
males de España. Autores como Gautier.
Parnasianismo: son autores que están preocupados por
la
belleza normal, pero no obsesionados como los simbolistas.
Son artífices del ritmo, de la sonoridad del
lenguaje.
En general todo aquello que tenga que ver con la fluidez del
lenguaje rítmico.
Los temas de la poesía modernista son el amor, el
placer,
la sensualidad, en general todo aquello que tenga que ver con la
belleza transmitida por los sentidos. En una segunda
etapa también cultivan temas políticos, que se
conciencian con la
realidad que les ha tocado vivir.
En la métrica recogen versos, que hacía mucho
tiempo que no
se habían utilizado, como el alejandrino y la cuaderna
vía.
Poesía de vanguardia, Generación del
27.
La poesía de vanguardia es una tendencia
artística, que se
da en Europa y América a lo largo de las tres primeras
décadas
del siglo XX.
Coincide en el tiempo con los desastres del siglo
XX como la Guerra Mundial, la Revolución Rusa, la
depresión del 29.
Ante este mundo tan caótico tienen que buscar un
nuevo
lenguaje y para ello rompen con todo el lenguaje anterior.
A veces la propia ruptura del lenguaje les sirve.
Proponen la deshumanización del arte, es decir la ruptura
del
arte con la realidad.
Crean nuevas formas de expresión. Rompen las
barreras del lenguaje artístico.
Los movimientos de vanguardia son:
Futurismo: proponen la ruptura total de la realidad, como
procedimiento social y artístico.Por ello tienen un
gusto por
la guerra.
Cubismo: destrucción de la realidad en planos y
puntos de
vista distintos.
Dadaísmo: destrucción de todo el lenguaje
pictórico
literario anterior.
Surrealismo: quieren al hombre tanto en el terreno del
trabajo como en el interior de él mismo.Gusto por el
psicoanálisis.
Generación del 27.
Son un grupo de poetas con afán reivindicativo.
Reivindican la lírica tradicional, la poesía
clásica española, al
modelo de Garcilaso. Tiene un gusto especial por las
vanguardias. Autores como Lorca, Aleixandre.
Vanguardias en España.
En España en el momento de las vanguardias no hay
ningún
movimiento que pueda adscribirse a ninguna tendencia de las
vanguardias europeas, tienen dos influencias - poesía
europea y
el Creacionismo que proviene de América.
Separación de la
realidad.
En España se crea una poesía de vanguardia
autóctona y es
una sintaxis de las vanguardias europeas.
El autor del Creacionismo es Huidobro.
El personaje principal, es Carmen. Carmen es una
mujer un tanto infantil, quien ha tenido una vida reprimida.
Carmen en el libro está hablando con su marido
Mario.
Este acaba de morir, y Carmen le hace una serie de reproches que
no se ha atrevido a decirle en vida. En Carmen se mezcla
una especie de remordimiento debido a una infidelidad que, estuvo
a punto de cometer, pero también una se arrepiente de no
haberla
cometido. A partir de unas páginas subrayadas de
una
biblia Carmen va sacando aspectos a relucir de su vida.
En este texto trata de expresarle a Mario, (aunque éste
está
muerto) que es una señora que está "de buen ver",
como si fuera
una excusa para decirle lo de la infidelidad. El
personaje de Mario aunque está muerto aparece como si
fuera un
segundo protagonista de la obra. A través del personaje de
Carmen
vamos conociendo al resto de los personajes, gracias a cinco
horas que pasa Carmen con Mario velándole. Le
reprocha a
Mario cosas insignificantes debido a su inmadurez, que a ella le
parecen grandes problemas.
En el texto todo nos conduce a que Carmen quiere decirle a
Mario lo de su infidelidad pero no se lo dice hasta el
final.
El texto está escrito a partir de trozos subrayados
de una
Biblia.
No nos da el texto reconstruido sino que el lector tiene
que reconstruir el relato a partir de los pequeños
detalles, que
nos va dando Carmen. La actitud de ser pasivos, se
convierte en activa. Si nos dieran este texto por
separado no seríamos capaz de averiguar lo que significa
debido a
que no expresa nada en un solo párrafo, sino que durante
toda la
obra se van sabiendo más detalles, que nos permiten
reconstruir a
final el relato. El espacio en el que se desarrolla la
obra es siempre el mismo. La casa de Carmen y el tiempo
son cinco horas que Carmen pasa con Mario se acopla el tiempo que
Carmen pasa con Mario al tiempo en el que más o menos se
tarda en
leer la novela.
Miguel Delibes es un hombre que hay que encuadrarle en la
narrativa posterior al 36, en la década de los
60, en la que está escrita esta obra. La
década
de los 60 corresponde a la poesía de
vanguardia.
Se busca un nuevo lenguaje porque el anterior ya no sirve ante el
mundo tan caótico del siglo XX.
Quieren que el lector ya no tenga una actitud pasiva como
en siglos anteriores, sino que participe de la lectura de forma
activa. Y en este sentido se escribe, cinco horas con
Mario. El lector tiene que recomponer la novela.
Hacen en la década de los 60 muchas
innovaciones
como romper el tiempo y el espacio, romper la
linealidad.
Literatura
Simbolismo en la poesía de Juan Ramón
Jiménez.
Juan Ramón Jiménez es un poeta perteneciente
al
Novecentismo o "Generación del 14".
Manifiesta
un rechazo al igual que los contemporáneos, por la
España
restauradora y la característica predominante es el
autodidactismo. También pertenece a este
movimiento
literario Ortega y Gasset.
Juan Ramón Jiménez es un maestro en la
utilización del
lenguaje, su adjetivación es muy escasa, por no decir casi
nula
(sobre todo en la primera etapa, en la que se caracteriza por su
influencia romántica, y en la tercera etapa donde se
inclina por
una poesía mucho más hermética).
Juan Ramón Jiménez
utiliza la "metapoética" por la que considera la
poesía como un
vehículo para llegar al "súmmum" de la belleza, al
punto más alto
del conocimiento: el arte por el arte, la poesía por la
poesía,
estar con las directrices del autor.
Juan Ramón Jiménez suele ser muy escueto en
cuanto al uso
lingüístico, pero esto es subsanado por su gran
dominio del
mismo. En su primera etapa o etapa de juventud se destaca
por una influencia romántica que hace que el simbolismo
del autor
sea extenso y variado. Los temas más usuales son
la
soledad, el amor, la tristeza... y los asemeja frecuentemente con
elementos paisajísticos (en su obra Diario de un poeta
recién
casado identifica la soledad con el mar) fuertes. El mar,
un paisaje abrupto, etcétera.
Cabe destacar que los poemas de Juan Ramón
Jiménez si no
son ciertamente autobiográficos (realmente tienen mucho de
ello),
sí se puede percibir una importante identificación
del autor con
el estado de ánimo reflejado en el poema. Es
frecuente en
su simbolismo, encontrar incluso descripciones físicas,
como por
ejemplo cuando habla del mar ido, en ese poema habla de su fuerte
arrogancia (de una forma no abierta) etcétera.
Siempre
utilizará el autor el paisaje para describir su estado de
ánimo;
es una constante. Sin embargo se puede apreciar, a pesar
de descubrir siempre sensaciones tristes, depresión (lo
que sería
por la propia personalidad del escritor), que existe un alto
matiz de aceptación de la condición dada, aunque
eso sí, con
bastante melancolía.
Sus elementos suelen ser los dos, el mar como totalidad y
vacuidad a la vez, silencio, tranquilo, con movimientos
rítmicos
que confieren para proporcionar una sensación más
real, cierta
monotonía. Siempre el mar, que no llega a
ningún sitio,
la impotencia, la serenidad. De todas formas el
simbolismo viene dado, aparte de la insistencia en un supremo
liderazgo lingüístico, por la
adjetivación. El autor deja
lugar para la propia imaginación. El poeta marca
las
pautas, el lector imagina. No trata de descubrir todo, ni
de darlo todo atado en los poemas (aunque verdaderamente hace que
el lector imagine o "vea" lo que el escritor ha querido).
Al final de su existencia Juan Ramón Jiménez
se inclina por
una poesía muy hermética, más
filosófica y culta a pesar de que
toda la poesía de éste como la de los
contemporáneos novecentista
se caracteriza por un fuerte intelectualismo: la
deshumanización
del arte.
Siempre el poema vive el momento, de ahí la gran
utilización de tiempos presentes por parte de
Jiménez.
También utiliza algunos adverbios, porque adjetivos muy
pocos,
pero sobre todo el gran sentido del tiempo y la mesura y el orden
en la utilización de tiempos verbales.
El teatro poético español:
1900-1930.
El teatro, y, en general toda la literatura de principios
de siglo vienen marcados por una frustración debido a la
crisis
de fin de siglo. Se desatan movimientos
filosóficos
literarios, se proponen regeneraciones y sobre todo predomina el
gran trauma de comprobar de una vez por todas que el imperio
español ya había desaparecido tiempo ha.
Quizá el regeneracionismo a la Generación del
98
no sean muy prolíficos en el aspecto teatral, pero su
movimiento
contemporáneo, el Modernismo, sí ha observado
más movimiento.
El teatro de esta corriente se caracteriza por un profundo
esteticismo surgido como rechazo a la situación actual (se
puede
observar aquí una cierta semejanza con el Culteranismo
aplicado
principalmente por Góngora). De este profundo
sentido
estético, de la imagen desembocará más
adelante el esperpento de
Valle-Inclán, donde toda la estética reinante
aparece deformada
brutal y sistemáticamente, con ironía, sorna,
degradación,
movimientos exagerados, amplia importancia del juego entre luz y
sombra (predomina esta última). Todo este teatro
esperpéntico tiene varias obras como origen: Los cuernos
de don
Friolera, Martes de Carnaval, pero el verdadero manual
esperpéntico lo da Luces de bohemia. Esta es el
gran
esplendor esperpéntico. Este teatro es muy
difícil de
representar a todos los niveles: personajes, escenarios, mucha
acción...
Poco más adelante, en los años veinte, el
teatro parece
dejar de importar. Se ha convertido en un
subgénero: las
obras de teatro se hacen exclusivamente para ser
representadas. No es una época muy
próspera, se cae en la
monotonía de un teatro burgués "presidido"
principalmente por
Jacinto Benavente.
éste se halla incluido dentro de las tendencias
conservadoras. Estas tendencias se caracterizan por su
carácter burgués ("comedia de salón"),
aleccionador, moralista y
sin ninguna renovación merecedora de
mención.
Benavente se caracteriza por su tremendo éxito; sus
obras
siempre tratan de clases medias (rurales, provincianas,
urbanas...).
Junto a éste está el teatro costumbrista que,
como máximos
representantes, tiene a Carlos Arniches, que se caracteriza por
su casticismo y su sentido del humor, y los hermanos
álvarez
Quintero que experimentan la misma directriz que Arniches pero
con carácter más andalucista.
Los intentos renovadores son escasos, podemos hacer
mención
a Juan José, de Joaquín Dicenta, cuyo
carácter es social,
proletario. Por lo demás los intentos renovadores
son muy
pobres, hasta la llegada de las tendencias innovadoras
traídas
por la Generación del 27 y en particular por
Lorca que
introduce el teatro vanguardista. Así que pasan
cinco
años. También mezcla lo popular y lo culto,
lo nuevo y lo
antiguo (esto diferencia a los generacionistas del 27 de
las vanguardias). Lorca también compondrá
obras teatrales
de carácter rural como La casa de Bernarda Alba y
también obras
de carácter histórico como Mariana Pineda.
Con estos
autores del 27 y en particular con Lorca, presuponen una
renovación teatral muy grande.
Literatura
La Generación de 27, es un grupo aislado de
escritores que se denominaron así por un homenaje que
hicieron a
Góngora en 1927. Todos tienen en
común que
quieren romper con la literatura vigente en ese momento.
Antes de 1928 se les caracterizó como de
deshumanizados porque rehuyen hablar de ellos mismos y de sus
problemas. Se caracterizan por la gran cantidad de
exclamaciones, interrogaciones, repeticiones,
etcétera.
Están influenciados por Juan Ramón Jiménez,
posterior a "Diario
de un poeta recién casado", así como por
Góngora y por un poeta
francés llamado Valéry. A partir de
1928 sufren
influencias del Surrealismo, o sea mezclan lo real con lo irreal
y les sirvió para hablar de su propia intimidad y pasar
los
baches de la literatura.
De 1939-1936 es la época de la
República, aquí los
autores empiezan hablar de la realidad que les rodea, con todos
sus problemas e inquietudes. En un lado nos encontramos a
Alberto y en el otro a Gerardo Diego, y entre estos dos se
encuentran el resto. Están influenciados por Pablo
Neruda.
De 1936-1939 corresponde con la Guerra Civil
española. La mayoría de los escritores
dejaron de
escribir y quien lo hace, como Alberti, lo utilizan como protesta
y crítica de esta época. Alberti funda
junto a su mujer
la revista, El mono azul, existe además otra revista de
influencia, La hora de España. La mayoría
de los
escritores a excepción de Lorca que muere ejecutado en el
36 y Gerardo Diego son nacionalistas.
Después de 1939 corresponde con la
época del
exilio todos los escritores a excepción de Gerardo Diego,
Dámaso
Alonso y Aleixandre, tuvieron que marcharse del país.
Primero permanecieron un tiempo en Europa pero luego prefirieron
marcharse a América donde por lo menos podían
escribir en su
idioma. Estos autores tenían dos opciones, hablar
de país
que les rodeaba o bien hablar de España, pero de una
España
anterior a 1939. Escribieron con nostalgia de su
país y de sus amigos muertos en la guerra e incluso
hicieron
alguna crítica contra los vencedores. Los que
pudieron
regresar no lo hicieron hasta 1975 (muerte de Franco)
aunque muchos de ellos murieron sin poder volver. Van a
influir en la literatura posterior Dámaso Alonso y
Aleixandre con
"Hijos de la ira" y "Sombras del paraíso"
respectivamente.
Camilo José Cela pertenece a la novela de posguerra
va a
publicar "La familia de Pascual Duarte" que enlaza con el
tremendismo pero a pesar del éxito de esta obra no vuelve
a
cultivar este género donde se piensa que contra más
muertos,
asesinatos, etcétera, más éxito
tendrá la obra.
En 1951 publicó "La colmena" estructurada
en seis
capítulos y un epílogo. Los 5
primeros capítulos
tienen la misma extensión a excepción del
último y el epílogo que
es más largo.
Los capítulos están divididos en secuencias
que recuerdan
las celdillas de una colmena. Las secuencias son
independientes aunque a veces son simultáneas. Por
la
obra pasan más de 246 personajes y algunos de
ellos solo
se les conoce por lo que se dice de ellos. Los personajes
van desde capitalistas hasta putas, chulos, o sea el pueblo pobre
que la única preocupación que tiene es el dinero,
el sexo y los
recuerdos de la guerra.
La obra guarda una estructura abierta, no tiene ni
principio, ni final, ni desenlace, ni argumento.
Además de que en la obra no aparecen signos de
puntuación.
Los temas principales son la incomunicación que
existe entre los personajes así como que ninguno sabe cuál
es su destino en la vida.
Literatura
Tema: este soneto refleja un
pequeño romance en una noche triste y oscura.
Estructura: es un soneto compuesto por
tres cuartetos, con versos alejandrinos y con rima consonante.
((esquema))
Análisis de la forma
Este soneto se divide en tres cuartetos.
Primero: en él Juan Ramón Jiménez nos
indica que es de noche y que la luna salía de entre las nubes grises como
si naciese de la oscuridad luego cambia de tema mediante una
conjunción copulativa ("y").
Nos dice que alguien que él llama con el determinante ella
(la amada) está tocando una pieza de Beethoven en el
piano.
En vez de decir que Beethoven sonaba dice que "Beethoven
lloraba" esto nos dice que era una música triste y melancólica.
"bajo la mano blanca" es una paradoja él quiere señalar que la
música se hacía con la mano de ella.
Este cuarteto es claramente romanticista: noche oscura,
nublada; la habitación sin luz, a oscuras.
Antítesis: estancia sin luz y la luna: oscuridad /
luz.
Segundo. Estaban los dos en la habitación,
cada vez se enamoraban más y más.
"desangradas las flores del corazón" amor
personificación:
las flores sangran. Nos quiere dar a entender hasta
qué punto se aman que hasta tienen el corazón ensangrentado,
roto.
El adjetivo "desangradas" es una exageración o
hipérbaton "llorábamos sin vernos": estos dos amantes no
podían estar el uno sin el otro ni un momento. La música ayudaba a
encender este amor que a veces resultaba doloroso "herida de
amores".
"dulce piano": representa el sosiego, la tranquilidad en
contraposición al amor que es nervioso, vivo.
Personificación: "piano intentaba comprendernos".
Tercero: la habitación en la que se encontraban,
daba el contexto. tristeza inseguridad, miedo, melancolía.
"brumas estrelladas" la luz se encontraba entre brumas, ni
había luz ni oscuridad. "viento triste" elemento
característico en el Romanticismo.
Los aspectos meteorológicos aquí nombrados
como el viento, las nubes grises nos indica que va haber tormenta. Los
adjetivos: dulce, triste, invisibles. "mundos invisibles": mundos
lejanos, exóticos.
Los dos últimos versos es la única vez en la
cual ha habido una comunicación entre él y ella; aunque esa
comunicación parece
imposible ya que ella ignoraba las preguntas y tenía
respuestas imposibles.
En conclusión: el amor entre estas dos personas es
desnudo, silencioso, sin comunicación sin recuerdos aunque queda
una llama que mantiene esa herida en sus corazones.
Este texto pertenece a la segunda época
poética de Juan Ramón Jiménez en la cual recibe influencias
modernistas y románticas.
Características de la Generación del 27:
Reciben influencias de Góngora (la metáfora).
Cogen lo que les gusta y les interesa del
Surrealismo.
Son herméticos y a veces llevan a cabo una escritura
onírica.
Algunos tienen una poesía pura, desnuda ante la cual
ellos se muestran oscuros y herméticos
Casi todos tienen una etapa de poesía social y
comprometida. Utilizan el verso libre, vocabulario muy rico emplear todo
tipo de figuras literarias pero sienten predilección por
la metáfora.
Literatura
Los personajes que aparecen en este texto de García
Lorca son dos de las hijas de Bernarda Alba, que reaccionan de forma
distinta ante la tiranía de ésta. Martirio es sumisa, está resignada a su suerte.
Sabe que lo más probable es que se quede soltera, debido a su fealdad y a su joroba,
está enamorada de Pepe el Romano, como todas sus hermanas, pero sabe
que nunca lo conseguirá, y por esto está triste, amargada y
reprimida. Esto se acentúa por la situación
de represión social y familiar en que vive, llegando al punto de negar que
Adela es su hermana, en un arranque de furia. La envidia
la corroe.
Adela en cambio, es el personaje rebelde. Muestra
su insumisión desde el primer momento (cuando se pone el
vestido verde, aunque solo la vean las gallinas), en este fragmento,
reconociendo sus relaciones con Pepe, y más aún,
frente a frente con Bernarda, cuando rompe su vaso. En este
párrafo pone de manifiesto claramente lo que está dispuesta a hacer por
Pepe.
Es una de las pocas partes de la obra en las que las
tensiones se muestran literalmente. Por lo general las
conocemos por indirectas casi nunca se habla claramente del tema
que realmente las preocupa.
Los temas más importantes en "La casa de Bernarda
Alba" son la frustración tanto existencial, como sexual (expuesta en
este texto), la denuncia de las hipocresías y tabúes
sociales también la situación de las mujeres en la época
(también aparecen aquí), el amor como sentimiento total, pasión total y el final
suele ser trágico, con muerte violenta la que el personaje se
enfrentaba con soledad.
En cuanto a las técnicas teatrales cabe destacar las
acotaciones, que son simples, concisas y aireadas, y la
elocuencia del significado de los nombres que nos dan ya
características del personaje (Martirio).
El lenguaje es sencillo, y apasionado. Utiliza
metáforas y objetivos que tienen que ver con el campo y
los ambientes rurales ("granada de amargura", "quemándose en
sus deseos de hombre". "él me lleva a los juncos de la
orilla".
Esta última combina un símil: la orilla, ya
que durante toda la obra el agua tiene una connotación erótica
es un lenguaje poético que se ayuda con un paralelismo en la primera
intervención de Martirio, y acentúa los
sentimientos con admiraciones.
Hay una gran rivalidad entre las hermanas, que supera el
cariño, están dispuestas a todo Adela,
además, hace referencia al sentimiento de cárcel que produce la casa.
La escena, a medida que avanza la obra va tornándose cada vez
más cerradas. Este texto está dentro del conjunto de
obras de Federico García Lorca denominadas como dramas rurales (al
igual que Yerma). En todas la temática es la misma,
frustración, soledad, amor como pasión total, final
trágico.
Lorca utiliza muchos elementos populares, así como
musicales. Su niñez la pasó en un pueblo
andaluz, por lo que conoce muy bien estos ambientes y el carácter de sus
gentes.
De las tres etapas en que se divide la obra de Antonio
Machado, "Soledades, galerías y otros poemas) pertenece a
la vida intimista. Aunque es un libro simbolista y modernista,
Machado no lo ambienta en lugares lejanos y exóticos como
la mayoría de los modernistas, sino en lugares de su
contorno.
La poesía de Machado en esta obra, es un reflejo de su
mundo interior, un desdoblamiento de sí mismo.
Los poemas suelen ser amargos, además en la
edición de "Soledades, galerías y otros poemas" 1917,
incluye algunos alegóricos a la muerte con los que no contaba en
la primera edición, bajo el título de "Soledades".
En este poema se distinguen cuatro partes, que se
corresponden con las cuatro estrofas. La primera es una
introducción a los sentimientos que nos expone
posteriormente. Utiliza elementos modernistas, (la nube,
el arco iris, la lluvia, el sol), un verbo muy expresivo, que
transmite la amargura ("asegurada"). Hay una amenaza en
los dos últimos versos de esta estrofa. El
lenguaje que utiliza es muy gráfico: permite al lector introducirse
fácilmente en el ambiente.
La segunda estrofa nos habla del presente. Existe
una sinestesia (comporta: "mi corazón latía).
El primer verso transmite lo brusco del despertar, como si hubiera
caído de pronto en la realidad.
Con la pregunta posterior expresa que él
preferiría seguir con el mal sueño del pasado.
Tenemos una metáfora "mágicos cristales".
Y un elemento típicamente modernista: el sueño.
En los dos últimos versos de esta parte nos transmite cómo se
sentía:
atónito, crispado, extraño. Los dos "mi" transmiten el
sentimiento de posesión, de deseos de intimidad incluso de
egoísmo.
En la tercera estrofa ya pasa a hablar del pasado,
reforzando con admiraciones: era entonces cuando él era
feliz. Cambia totalmente el ambiente de uno lluvioso a
otro soleado primaveral, volviendo a utilizar sentimientos para
describir un paisaje natural. Utiliza también una
palabra simbolista: "el iris". Da mayor énfasis a la
felicidad y al ensueño con los puntos suspensivos. Como
podemos ver, el agua, es un símbolo constante y cambiante, en la
primera estrofa la lluvia simbolizaba tristeza y muerte, en esta el agua
simboliza todo lo contrario.
Y por primera vez (en el último verso) hace
referencia a otra persona, probablemente leones. Encontramos una nueva
amargura, que esta vez comprende los cuatro versos.
En la última parte concluye, convenciéndose
de que solamente son recuerdos, dando al poema un final amargo, con una
comparación muy expresiva ("como una pompa de jabón
al viento"), aquí ya sin admiraciones como una sentencia.
Machado es un hombre que sólo vive de, y para su
pasado.
Literatura
Los principales autores de la Generación del
27 son:
Lo de generación literaria no está muy claro,
pero lo que sí está claro es que son un grupo de escritores, ya
que tienen unas características comunes, mantuvieron una buena
relación y la diferencia de edad entre ellos es muy pequeña.
Lo que da nombre al grupo es el año 1927,
que es una fecha vital para España y además el
tricentenario de la muerte de Góngora.
Entre ellos no destaca ningún cabecilla, pero lo que
sí había era un líder intelectual y político
que era Juan Ramón Jiménez.
Su principal característica es la capacidad para
integrar diversas corrientes literarias junto con los movimientos de
vanguardia y la poesía europea.
Características narrativas.
En cuanto a los temas cada obra aparece encuadrada en un
grupo legendario de su tema así hay grupos de obra con
tema de:
Se buscan nuevas formas de lenguaje para la novela.
Se da una renovación de la técnica narrativa
que consiste en romper las estructuras espaciotemporales. Por ejemplo
se reduce el tiempo real, un tiempo muy reducido en el espacio
real o un espacio muy reducido como una habitación
cerrada.
Aparece la subjetividad en las obras.
Va desapareciendo el protagonismo colectivo en favor del
individual. Da la sensación que el personaje se
pierde dentro de la masa.
El principal género de cultivo de esta
generación es la poesía, donde destaca sobre todos Juan Ramón
Jiménez con obras como:
"Jardines lejanos" destacan los temas de pena y
soledad
"Poemas mágicos y dolientes" dentro de la
línea colorista y sensual del Modernismo.
"Eternidades" sobre el amor conseguido de gran complejidad
intelectual
En este texto Federico García Lorca nos muestra a
dos de los personajes más conflictivos de la obra; a Martirio y
Adela; Martirio tiene 24 años y está en la edad
en que se deja de ser muchacha casadera se pasa a ser solterona.
Martirio es un personaje cargado de pasiones, sobre todo de
odio y envidia. Es el personaje más cargado de
odio y sobre todo hacia Adela.
Adela tiene 20 años y es la más joven de todas, es
muy parecida a Martirio en lo de las pasiones.
En este texto Lorca nos expresa un momento en el que el
odio entre estas 2 mujeres llega a su punto
máximo, este odio viene dado por Pepe el Romano, querido por ambas, ya que era
el único hombre con el que se relacionaban debido al
encierro a que las sometía Bernarda.
Pepe el Romano representa en la obra el macho que asedia a
las hembras, y éstas que están en celo se pelean
por él, pero Bernarda se empeña en reprimir todos los impulsos y
sentimientos, ya que cree que el que se deja llevar por ellos está
perdido.
La consecuencia de esta represión es el suicidio de
Adela al ser engañada por Martirio diciéndola que Pepe el
Romano ha muerto.
Aquí también se puede advertir la valentía de Adela que se
desentiende de todo para vivir su vida.
En la obra apenas hay cambios y los únicos que hay
son de luces.
La estructura teatral está hecha en blanco y negro
(el blanco de las paredes y el negro del luto). Solo aparecen
2 veces los colores y es para provocar la ira de
Bernarda que al igual que la música y el baile los
considera elementos perturbadores. En la obra pasan pocas cosas y
lo poco que pasa está fuera de escena.
La clave de lo que pasa es lo que no se ve.
La obra empieza y acaba con Bernarda mandando callar, esto
tiene 3 significados.
la palabra controla la realidad, si yo controlo la palabra
controla la realidad.
El texto pertenece a Federico García Lorca y se da
en una época en la que se daba una gran importancia a las
apariencias, el honor, la virginidad, etcétera, por lo que era de vital
importancia que la gente no se enterara de los problemas ajenos,
ya que las malas lenguas podían perjudicar a las personas
afectadas; esto se daba sobre todo en los ambientes rurales, por
eso Lorca refleja los problemas de su época en esta obra
con el subtítulo "Drama de mujeres en los pueblos de
España", no en uno determinado, sino en todos en general.
Literatura
En esta poesía Machado nos describe un paisaje
primaveral que llega después del crudo invierno, puede significar que
después de los sufrimientos pasados por la muerte de
Leonor (su esposa), su corazón vuelve a sentir la alegría de
vivir, quizá sea en la época en la que conoce a Guiomar a la que dedica
diversos poemas.
El poema está dividido en 3 estrofas de
4 versos cada una de métrica desigual y al final una estrofa
de 2 versos, sin rima, no es una métrica anterior,
el autor escoge libremente al azar.
Este poema pertenece al 1er. libro de Machado:
"Soledades, galerías y otros poemas". Publicado
hacia 1907 lo escribe cuando Leonor empieza con su enfermedad
que luego la llevará a la muerte. En este libro el
poeta expresa su más íntimo pensamiento y sentir.
Pertenece a la época modernista de Antonio
Machado. En este poema vemos características del autor muy
significativas la primavera (alegría), cipreses (tristeza,
muerte)...
Hay como un diálogo entre el autor y él
mismo. Abundan los signos de exclamación, los puntos suspensivos,
que sirven para ensalzar algo que el autor quiere hacer
notar.
En la primera estrofa nos cuenta que pasada ya la tormenta,
o el pesar de su corazón, aparece la primavera, la
alegría, la felicidad de nuevo en su corazón.
En la segunda el autor se pregunta quién ha sido
capaz de tal cambio y se asombra de sentir lo que siente ya que no se
creía capaz de volver a sentir lo mismo.
En la tercera dice que todo ha vuelto a renacer y que todo vuelve
a florecer.
En los 2 últimos versos nos dice que todo
aquello que había sentido, es decir, la tristeza y
melancolía anterior han desaparecido, pero no del todo ya que siguen
guardándose en el fondo de la memoria para dejar aparecer y florecer unos nuevos
sentimientos y ganas de vivir.
"La casa de Bernarda Alba" (Federico García
Lorca).
En el texto aparecen 2 de las hermanas Alba, la
mayor y la pequeña, Martirio y Adela
respectivamente.
La situación de este texto se sitúa hacia el
final de la obra, en el tercer acto, es cuando se descubre que Adela quiere a
Pepe, el Romano y se enfrenta con su hermana, retando a
quienquiera, incluso a su madre, porque nadie le va a obligar a
dejar de querer a ese hombre y no le importa ser su amante y que
todo el pueblo lo sepa, ya que quedaría muy mal
vista.
Como es usual en Lorca, en su teatro, el uso de la
metáfora subjetiva es abundante, con significados de contenido sexual o
erótico ("él me lleva a los juncos de la
orilla").
Las metáforas son:
"... el pecho se me rompe como una granada de amargura"
puede significar que Martirio desea decir la verdad que lleva
dentro de ella y que ya no puede más guardando su
secreto.
"... dedos de lumbre" aquella gente que critica y habla de
los defectos de los demás, en tono hipócrita ya que
quizás hagan otras cosas o piensen de diferente manera.
"La casa de Bernarda Alba" pertenece al teatro de drama
rural de Lorca, en el que la acción se sitúa en un
pueblo.
Como en toda su obra, el tema principal es la angustia
vital que siente el autor, en especial en este caso es el deseo
de libertad tanto física como incluso sexualmente a las
que Bernarda somete a sus hijas dentro del dominio de ésta, la
casa, ambiente cerrado, oprimido; la obra de estructura circular,
refleja muy bien la sensación de repetición y
opresión en que viven estas mujeres y como casi siempre en Lorca el medio para
conseguir la libertad ansiada es la aversión o la muerte
como en el caso de Adela que así burla y se venga de su
madre.
Lorca como en casi toda su obra literaria presenta a
personas débiles, en este caso, las 5 mujeres que
viven bajo la opresión cruel a las que le somete Bernarda,
símbolo de la fuerza (que ha llegado a insinuarse que podía ser un
hombre, incluso en algunas representaciones teatrales este papel lo hizo
un hombre).
Literatura
Rasgos literarios de la Generación del
27
La Generación del 27,
también
conocida como "grupo del 27" "generación del
25" o "generación de la dictadura".
Consideran a su maestro a Juan Ramón Jiménez
y se unen en
el 3er centenario del autor barroco más conocido
"Góngora". Hacen actos en diversas ciudades
rememorando
sus formas clásicas, etcétera.
Todos tienen una serie de rasgos comunes, a pesar de que
cada componente del 27, tiene su personalidad
propia. Pertenecen a este grupo entre otros: Pedro
Salinas; Federico García Lorca, Rafael Alberti,
Sánchez Ferlosio;
Vicente Aleixandre;...
Rasgos comunes como: la edad, formación intelectual
similar, ven a su maestro en Juan Ramón Jiménez,
celebran el
3er centenario de Góngora, casi todos son amigos
entre
ellos, es decir, mantienen relaciones amistosas hasta el final
(es como en la Generación del 27), estudiaron en
la
Residencia de Estudiantes y todos ellos tienen un alto grado de
cultura se interesan por diversas artes, como pueden ser:
música
arte, poesía...
Etapas y rasgos
1a etapa 1925-30.
Casi todos los poetas se declinan hacia una poesía
pura
(siguiendo a Juan Ramón Jiménez), sin sentimiento
con formas
clásicas, del Barroco, como la utilización de la
metáfora (que la
cogen de Góngora).
Es una poesía sin preocupaciones sociales, tan
sólo, tiene
pequeñas referencias a la infancia (que para estos poetas
es el
paraíso perdido).
También tienen influencia de las vanguardias, aunque
en
esta etapa se da en menor medida.
2a etapa 30-36.
Cambia la forma de escribir poesía, ahora al autor
ya no
sólo le impacta el cuidado de las formas, sino que
además le
interesa el hombre en la sociedad, el hombre como individuo
concreto.
Se vuelve a hablar de temas románticos y de amor
como dos
poemas de Pedro Salinas:
la voz a ti debida
razón de amor
largo lamento.
El cambio viene dado, por la influencia de las vanguardias
francesas en estos autores, que hace que el autor saque de dentro
de sí mismo todos los sentimientos pasiones
etcétera...
3a etapa 1938-39.
En esta etapa, se produce la separación de los
poetas, unos
están muerto (Lorca), otros exilados y algunos permanecen
en
España.
Casi todos los autores apoyan a la República y
escriben a
favor de ella, aunque al menos un autor del 27, no se
pone a favor de ella, lo que determina que a pesar de que forma
equipo, cada uno tiene su personalidad propia.
(Federico García Lorca, La casa de Bernarda
Alba)
Personajes y situación:
Martirio: es una de las hijas de Bernarda Alba, cada una de
las hijas de Bernarda, representa en la obra un carácter y
son
símbolos, evasión, sometimiento, disconformidad,
locura...
Adela: es otra de las hijas de Bernarda Alba, ella
representa la lucha, es la única persona de la casa que no
acepta
su vida y lucha por cambiar.
Situación: las dos hermanas discuten, por un hombre:
Pepe
el Romano, las dos están enamoradas de él (al menos
Adela sí) y
Adela le descubre la verdad: ella mantiene relaciones con el
chico y no piensa dejarle, aunque se case con su hermana
mayor.
Relación resto obra: La casa de Bernarda Alba es un
drama
rural, representa la sociedad de la época donde las
mujeres
debían permanecer en casa y no tenían ninguna
categoría, eran
ciudadanos de segunda clase... y lo representa, a través
de una
situación concreta la casa de Bernarda.
Bernarda es un ser tirano que tiene sometida a toda la
familia, las hijas viven encerradas en la casa y cada una de
ellas intenta llevar la situación de la mejor manera
posible.
Ejemplo: la madre de Bernarda, consigue la evasión a
través
de la locura.
La obra empieza y termina igual, un infierno, 1o
del padre y después de Adela.
Adela representa la rebeldía, su muerte tiene dos
interpretaciones: su aptitud no ha servido para nada, todo en
casa sigue igual o, con su muerte. Las hermanas
seguirán
su camino.
Las mujeres de la casa tienen dos versiones una existencial
(no pueden continuar viviendo sin libertad) y otra social
(necesitan del resto de las cosas de la sociedad: amores,
libertad, etcétera...).
La obra, se estructura desde fuera hacia adentro, llegan
del entierro y a partir de ahí, aparecen siempre dentro de
la
casa y cada vez en habitaciones, más adentradas... que les
lleva
hasta el patio que es la zona más alejada de la casa de,
la
realidad.
Técnicas teatrales. El texto es
dramático y esa
fuerza narrativa, viene dada por diversas causas.
Palabras clave como ¡le quiero! "no aguanto el horror
de
estos techos"... que además se representan con
exclamaciones,
interjecciones y acotaciones que dan una visión más
clara de lo
que está sucediendo.
Utiliza símbolos y contrastes como ver a su hermana
como
una mujer porque quieren al mismo hombre,
etcétera.
Obra de Lorca: autor dramático de teatro.
Como poeta: Cante Jondo, Poeta New York...
Modernismo simbólico: obra de la mariposa.
Drama rural: Yerma, Bodas de sangre, La casa de Bernarda
Alba.
Teatro drama urbano: Doña Rosita soltera, el
maleficio
flores, y La zapatera prodigiosa.
Teatro experimental: aunque pasen 5 años y
El
público.
Literatura
Para sus primeras obras le podemos encuadrar en la novela
existencialista, que se da en España sobre los años
40.
Su obra principal de esta época es "La familia de
Pascual
Duarte, es un existencialismo distinto al que se da en Europa,
este se caracteriza por tratar temas metafísicos (Dios ama
el
mundo...), en esta obra sale la dura realidad de la vida, el
tremendismo es una de sus notas características.
Otras obras existencialistas importantes de este
período
son "Nada" de Carmen Laforet (sobre una ciudad poblada de seres
deformes), "La sombra del ciprés es alargada" de Miguel
Delibes.
Como en esta época no se podían tratar temas
políticos
debido a la censura (estamos justo en la posguerra) es una salida
al existencialismo, las novelas no pueden decir nada o ser un
simple carácter de los vencedores, donde se les idealiza y
a los
malos, vencidos se les ennegrece.
Su segundo tipo de obras será la novela social, en
la que
sobresaltó "La colmena", una de las más ambiciones
novelísticas
de Cela. Como él mismo dice no es más que
tratar de
contar la vida misma, sin exageraciones ni adornándolo de
belleza, es la pura realidad. Nos trata de la vida de
unas gentes en Madrid.
Es la obra más inteligente de Cela, ha llegado a
tener
tantas publicaciones y editado en tantos idiomas como el
Quijote.
Otras obras importantes de la novela social son "La noria"
no es Cela el autor, esta trata sobre Barcelona y no llegó
a
conseguir la riqueza de "La colmena".
Delibes tenemos "El camino" y "Mi idolatrado hijo
Sisí",
una sobre la campo y otra sobre la burguesía.
((Texto ilegible)). La nómina que
formaba la
Generación del 27 es: Gerardo Diego, Luis
Cernuda,
Dámaso Alonso, Pedro Salinas, Jorge Guillén,
Vicente Aleixandre,
García Lorca, Rafael Alberti.
Las características principales son la
búsqueda de la
belleza, importa más la forma que el tema contado, en
algunos
autores da el Surrealismo, un arte deshumanizado, se da el
hermetismo, hacen sus obras para unos pocos, buscan la
atomización del arte, no quieren decir nada y no buscan
cambiar
nada (contrario por ejemplo el famoso mayo del 68
francés).
No son una generación gericida, no rompen con lo
anterior,
algunos dicen "dejad que los viejos se acerquen a mí",
pero luego
en otras declaraciones se contradicen.
Gran influencia sobre ello de Juan Ramón
Jiménez, Alberti
dice "Juan Ramón Jiménez hace de la poesía
pero nosotros
religión", también influenciados por Ramón
Gómez de la Serna,
poeta que sobresale en los vanguardismos, también
Rubén Darío
influencia en ellos.
No se fijan en los autores de la Generación del
98, dice que son muy políticos, luego al final
que no
supieron ver su Antonio Machado lo gran poeta que era, lo vieron
muy tarde.
Gran veneración por Góngora, lo reclaman como
poeta
maldito, hay que recordar que todos celebran el 3
centenario de su muerte, de este cogen las metáforas, que
será la
riqueza literaria por excelencia de este grupo.
Gusto por los poetas medievales, Garcilaso, Gonzalo de
Berceo, Arcipreste de Hita.
Pedro Salinas se puede definir como el poeta del amor, y a
Jorge Guillén por sus cantos al mundo, todo está
bien
hecho.
Tenían reuniones entre ellos, tertulias hay que
destacar o
que la importancia de la residencia de la universidad de
estudiantes de Madrid, había pintores Dalí,
directores de cine
Luis Buñuel.
Hay que señalar su gran unidad, aún
después de la diáspora
del 39, por la Guerra Civil siguen manteniendo contactos
entre ellos, solo Luis Cernuda se separa un poco del grupo, los
poetas que se quedan son Gerardo Diego (favorable al
régimen
franquista), Dámaso Alonso, Vicente Aleixandre (estaba
prohibido
citar su nombre), gran importancia de estos al quedarse porque
influyeron en las nuevas generaciones.
Literatura
En general podemos marcar tres etapas:
Antes de 1927.Donde destaca la influencia de la
poesía pura de Juan Ramón
Jiménez.
De 1927 a 1936.En la que inicia un
proceso de rehumanización. Después de la
guerra su
temática estará basada en las circunstancias al
igual que sus
rasgos.
Influencia en los 20 de Góngora, pero no el
popular sino el culterano.Predilección por
Bécquer.
Gusto por esa poesía un tanto barroca (recordando como
Juan Ramón
Jiménez confunde prosa y poesía).
Nota: la Generación del 27, a pesar de
existir
lazos entre ellos..., no tiene las características del
grupo de
la Generación -98, (líder, acontecimiento
generacional). Generación -27
conmemoración del
3o centenario de la muerte de Góngora.
Rasgos literarios por autores
Pedro Salinas. Tiene 3
periodos:
Poesía pura.Con obras como: "Prosapios", "Seguro
azar"
Poesía amorosa, pero poesía
antirromántica.En la poesía
no hay dolor (considerado por él última forma del
amor).
Canta a una persona en concreto. Cree que el mundo se
mueve por amor. Obras como "La voz a ti
debida".
Temas por la preocupación de lo social...
"seguramente".
Jorge Guillén. Toda su obra hasta los
años
50 la va a recoger en "Cántico" (que ha ido
creciendo en
diferentes ediciones). Canta a la vida, tiene
ilusión por
vivir, esta ilusión anula la tristeza de la
muerte.
Gerardo Diego. Sus dos temas son el religioso
(característico en él) y el taurino (tratado
también por
otros). Ejemplo de obra: "ángeles de
Compostela".
García Lorca. Muere en Granada en
1936
(fusilado). Es una de las figuras más
características del
movimiento. Funda la compañía de teatro "La
barraca", con
la que hace una gira por Hispanoamérica en plan triunfal
con
temas como "Bodas de sangre" y "Mariana Pineda".
Obras como: "Romancero gitano" (eleva a categoría de
mito a
esta raza). "Poema del cante hondo" por él se vale de este
cante
para expresar sus sensaciones, pena, importancia.
Un "Poeta en New York", visión surrealista de esta
ciudad.
"Poema de Sánchez Mejías", torero muerto en la
plaza.
Rafael Alberti. En sus principios pintor.
Influenciado por la política (realizó un viaje a la
URSS y fundó
la revista Octubre) se declaró (igual que todos, excepto
Dámaso
Alonso) partidario de la República. Tomando parte
en la
contienda fratricida.
Se exilió y pasó por países
hispanoamericanos,
Italia... Obras como "Entre el clavel y la espada" "Roma
peligro de caminantes".
Dámaso Alonso. Su principal
característica es la
publicación en 1945 de "Hijos de la
lírica" con la que
inicia la recuperación de la lírica
española. En algunas obras
tiene carácter de tremendismo.
Vicente Aleixandre. Fue premio Nobel de literatura
en 1977. Lo que supuso el reconocimiento
internacional de la Generación del 27.
Luis Cernuda. Hijo de militar. Persona muy
íntima, homosexual (tal vez influenciado por la
educación
recibida) cantaba a la belleza, con sentimiento trágico de
no
poder expresar sus deseos...
En general los rasgos literarios de la Generación
del
27 son de algún modo puestos por las
circunstancias, la
Guerra Civil y el exilio (todos menos Dámaso Alonso,
Vicente
Aleixandre, Gerardo Diego, estos impedidos por la censura)
marcaron los temas a tratar (nuevo público...) y su estado
mental, que al ser el de emigrado forzoso no es optimista (penas,
sentimientos melancólicos...)
Leandro es el actor principal, su interés es el amor
de
Silvia. Todo lo que haga, lo hará en ese
sentido.
Crispín.
Es su criado se mueve por los intereses de su señor,
pero
porque esto le beneficia a él, le guía de una forma
un tanto
egoísta. La situación está al final
de la obra, cuando
todo el mundo le pasa cuentas.
El contenido del texto, es que al ser cada uno de los
personajes (hotelero, el señor Pantalán...) que ya
no puedan
obtener beneficios, exigen su cuenta. Ya no hay
interés
para seguir con esta situación. Esto corrobora el
significado global de la obra: "todo el mundo se mueve por
intereses".
Destaca el diálogo, sobre todo en la 2a
parte.
Las interrogaciones y exclamaciones, dan más
énfasis a la
situación, más angustia.
El texto pertenece a "Los intereses creados" obra que
Jacinto Benavente no incluye en ninguna de sus categorías
de
interiores (burgueses, ciudadanos, cosmopolitas, provincianos o
rurales).
Si bien sigue haciendo esa crítica, que hace
sonreír, pero
no llega a dañar (recordar cómo en una de sus
primeras obras
"Nido ajeno", en la que critica la situación de la mujer
burguesa, no sale muy bien parado. A partir de ahí
decide
no criticar severamente). Critica a la burguesía
(Leandro) pero también al resto del mundo. Es el
autor
que tiene todo el monopolio de la escena anterior a
1936. Si bien muchos de sus temas eran actuales
(en su época), lo que podía darle fama en esos
años, pero pasados
"X", nada. Esta obra tiene una segunda parte, en
la que Leandro, hastiado se separa de Silvia.
Literatura
Interpretación.
Antonio Machado está viviendo un sueño en el
cual todo son
maravillas, pero cuando se despierta se da cuenta de la cruel
realidad y de que no ha sido nada más que un
sueño.
Está formado por cuatro partes.
parte: desde el primer verso hasta el cuarto Machado
observa las maravillas de su sueño
parte: desde el quinto verso hasta el octavo Machado
despierta de su sueño.
parte: desde el verso número nueve hasta el
doce.
En los cuales Machado se acuerda de sus
sueños
Su
sueño
desaparece.
Es un lenguaje culto.
Destacan varias reticencias como:
...¡El limonar florido
el prado verde, el sol, el agua, el iris!...
¡el agua en sus cabellos!...
Este texto pertenece a la obra de Antonio Machado
Soledades, galerías y otros poemas.
En la obra de Machado destaca una tristeza y una
melancolía. Estas vienen provocadas por
la falta de amor
el paso del tiempo
Machado se pregunta por la existencia de
Dios
La vida de Machado está llena de angustia y solo
mediante
el sueño puede encontrar esa felicidad que no encuentra en
la
vida real. En el sueño ve un poco de luz y de
esperanza
utiliza personificaciones y metáforas.
Soledades, galerías y otros poemas, la hizo en
1903, pero en un principio solo se llamaba Soledades,
fue más tarde cuando la llamó soledades,
galerías y otros poemas,
quitó los poemas modernistas y puso otros de más
sencillez.
Está formada por seis partes y por 96
poemas
Soledades
Del camino
Apuntes
Canciones
Galerías
Es un movimiento literario que no mete en nada ni en contra
de la tradición literaria.
Es un grupo unido por una gran amistad se reunían en
la
Residencia de Estudiantes de Madrid. Celebraron el
centenario de la muerte de Góngora. Va a pasar por
tres
etapas
aproximadamente en sus escritos
buscan la perfección formal
hasta la Guerra Civil dejan la
perfección formal y se dedican más a lo que ocurre
en estos
momentos a lo social y se preocupan por la política de su
tiempo
después de la Guerra Civil, es el
exilio.
Tienen la pena de haber perdido la guerra.
Los temas que aparecen en esta etapa son:
adaptación a la nueva geografía
nostalgia de la tierra natal
Rafael Alberti tiene obras que hace en el exilio
como:
"Entre el clavel y la espada"
"Roma peligro de caminantes"
Mientras Pedro Salinas escribe al amor, ya que piensa que
es lo esencial en la vida, y tiene obras como "La voz a ti
debida" "Razón de amar".
Cada uno tiene sus propias características que en
ellos hay
rasgos comunes que les unen. Trabajaron en las mismas
revistas. No todos fueron a la universidad, pero se
caracterizan por tener todos una gran cultura, la mayoría
de
ellos fueron profesores, de instituto.
Literatura
Los poetas de la Generación del 27 son una
serie
de autores diferentes pero con numerosos puntos en común
la
Generación del 27 estaba formada por: Lorca,
Alberti,
Pedro Salinas, Gerardo Diego. Vicente Aleixandre, Vicente
Prados, Jorge Guillén, Dámaso Alonso.
Manuel Altolaguirre
y más lejanos José María Hinojosa y Fernando
Villalón.
Todos eran grandes amigos y se caracterizaban por sus ideas
progresistas y liberales (ideas que se plasman en sus obras) se
pueden distinguir 2 etapas, hasta 1931 en que
están en contacto con los movimientos de vanguardia sobre
todo
con el Ultraísmo y el Encacionismo, en esta primera
época su
presencia directa es mínima.
La segunda época desde 1931 hasta la muerte
de
Lorca en 1936, en esta época la presencia directa
de los
poetas es mucho mayor, comienzan a escribir sobre temas
políticos, la gran mayoría de ellos son partidarios
de la
República, a la que apoyan escribiendo en numerosas
publicaciones.
En esta época los autores de la Generación
del 27
expresan sus ideas, sus preocupaciones, sus sentimientos
etcétera
de una manera directa.
La Guerra Civil destruyó esta gran generación
de poetas
unos son encarcelados como Gerardo Diego, otros, la gran
mayoría
se exilian y trabajan en universidades extranjeras y
después de
algún tiempo sin escribir, vuelven a hacerlo, los temas
preferidos de esta época son 2: hablan sobre las
personas y pasajes de los lugares donde van y hablan sobre los
amigos perdidos durante la guerra en especial de Federico
García
Lorca.
El texto que se nos presenta pertenece a la última
escena
de la obra de Valle-Inclán, Luces de bohemia, en el que
después
de enterrar a Max Estrella, salen hablando juntos el
marqués de
Bradomin y Rubén Darío sobre la maestría de
Shakespeare.
Luces de bohemia es una de las obras más importantes de
Valle-Inclán, tiene gran variedad de personajes,
(más de
50) y la acción transcurre en poco más de
24
horas, durante los primeros años de la década de
los 20
(1920).
Nos presenta el Madrid típico de estas primeras
décadas del
siglo XX, con sus problemas sociales y
políticos.
El protagonista principal es Max Estrella, un hombre que cree
ser el mejor poeta de España y que malvive escribiendo
pequeños
artículos por los que incluso no cobra.
Max Estrella recorre acompañado de una especie de
farolillo
los lugares típicos de Madrid donde se topa con todo tipo
de
personajes, estudiantes, escritores, prostitutas,
etcétera.
Nos muestra que la corrupción no es una cosa actual ya
que
aparece como Max Estrella recurre a un viejo amigo que ha llegado
a ser ministro para quejarse del trato que había recibido
tras
haber sido detenido (injustamente según él), y el
ministro acabó
dándole una pensión (después le dice a un
empleado del ministerio
que hay que justificar esa pensión de alguna
manera).
En cuanto al texto que aquí aparece, en él
interviene Rubén
Darío que era amigo de Valle-Inclán y el
marqués de Bradomin que
es un personaje de otra obra de Valle-Inclán, en la que
narra la
vida erótica de este don Juan feo, católico y
sentimental.
Literatura
La novela social: temas, personales y ambientes
Introducción.
Tras la novela existencial, característica de los
años
posteriores a la guerra, todas las manifestaciones posteriores se
pueden encuadrar en la llamada novela social, la cual puede tener
un sentido reducido o limitado (trata de una clase social) o un
sentido amplio (referida a la sociedad en conjunto). Este
período de la novela social se abre en 1951 con
La
colmena de Camilo José Cela y finaliza sobre 1962
con
Tiempo de silencio de Martín Santos. Figuras
destacadas
en este período son los componentes de la llamada
generación del
55.
Características de una novela para ser considerada
social.
Se refiere a un grupo o sector o grupos o a la totalidad de
la sociedad.
Denuncia las injusticias sociales.
Presenta a personajes que son representativos de la
sociedad.
Se basa en varios movimientos, como son el realismo
crítico, el nuevo realismo y el romanticismo
revolucionario y en
figuras como Blasco Ibáñez, representante del
naturalismo y los
anticonformistas rusos.
Manifiesta la utilización de caracteres socialistas,
realistas.
Hace una crítica de la sociedad y un
testimonio.
La utilización de personajes representativos, su
carácter
testimonial y la base de denuncia de estas obras son su
base.
Temas y ambientes.
Los temas que podemos encontrar en toda novela social
son:
La abulia manifiesta el conformismo, pasividad y una vida
sin sentido ni metas de las clases altas, en la mayoría de
las
veces de la aristocracia.Dentro de este tema destaca "Juegos
de manos" de Goytisolo y "Tormenta de verano".
Es en el campo donde se producen las mayores
injusticias sociales y por esto se convierte en un tema muy
importante dentro de la novela social los personajes serán
los
campesinos.
Dentro del trabajo, el obrero y
empleado, tema que muchas veces se desarrolla en el campo,
apareciendo el campesino y el propietario de la tierra para el
cual trabaja. Las condiciones de trabajo del obrero son
pésimas y esta es la denuncia.
Se desarrolla en las ciudades pero no trata el
tema de la vivienda en general, sino que, como es normal, se
centra en los barrios bajos, en las chabolas. La
mayoría
de estas son desalojadas. Como ejemplo de barrio de los
murcianos de Barcelona.
Estos no son sólo los vencidos en la
guerra
sino aquellos hombres que son víctimas de injusticias, las
cuales
los llevan a cometer asesinatos y monstruosidades.
Libros de viajes, desde la Edad Media en
auge.
Destaca "Viaje a La Alcarria" de Cela.
Estilo.
La novela social, está dirigida a la inmensa
mayoría, la
cual a través de ella será consciente de las
injusticias
cometidas. Por tanto, su lenguaje debe ser asequible para
la inmensa mayoría, y por otra parte, habiendo visto los
temas
principales en que se basa, refleja la manera de hablar de estas
clases sociales, que es un lenguaje coloquial y vulgar.
Análisis de "Canción de jinete" de
García Lorca.
Introducción.
El poema "Canción de jinete" pertenece a la primera
fase de
la producción literaria de Lorca que dará paso
más tarde a la
poesía surrealista de su libro "Poeta en Nueva
York".
En su primera etapa sus obras más significativas son
"El
Romancero gitano" y "Poemas del cante jondo".
Tema.
Lorca manifiesta su temor a la muerte, que se ve claramente
cuando dice que aunque sepa los caminos para llegar a
Córdoba, la
muerte se encontrará con él antes de que
llegue.
Estructura.
Podemos dividir el poema en 4 partes: los dos
primeros versos y los 2 últimos "Córdoba
lejana y sola"
son iguales. La parte central del poema, que comprende
desde el verso 3 al verso 10, presenta los
cuatro siguientes versos (11-1) son tres exclamaciones
iniciadas por un sentido ay. Por último, los dos
versos
restantes.
En la estructura externa, los versos no forman ninguna
estrofa conocida. Hay un gran predominio de los versos
octosílabos y endecasílabos, a excepción de
los dos primeros y
últimos versos que tienen tres y cinco sílabas.
El poema
está formado por 16 versos y estos riman en
asonante
oa los pares.
Análisis.
En el primer verso, nos aparece la palabra
"Córdoba", que
se repite cinco veces en todo el poema, lo que nos da idea de su
importancia dentro del mismo. El verso dos está
formado
por sus adjetivos, que nos explican cómo es
"Córdoba", que es
"lejana", para Lorca, puesto que no puede llegar hasta ella y
"sola".
Los versos tres y cuatro son una enumeración en la
que
habla de la jaca, que es negra, color que es
característico de la
muerte. También se refiere a las aceitunas que son
típicamente andaluzas.
El verso cinco refleja el hondo sentir de Lorca, la
realidad que el ve, que siente, que aunque sepa el camino,
"nunca" llegará, con un nunca muy fuerte y la muerte, como
dice
más tarde, le mira desde lo alto. La luna roja es
cambiada por la luna grande.
Los versos 11, 12 y 13 son tres exclamaciones con
anáfora "ay". En estos habla del largo camino que
le
espera y que la muerte ya está cerca.
Conclusión.
García Lorca nos muestra su miedo a la muerte, que
pronto
llegará a su vida y que se muestra como algo insalvable
para el
hombre. En el poema se refiere a Córdoba, donde
nos
muestra el gran amor que Lorca sentía por los pueblos
andaluces,
su tierra.
Literatura
A partir de la publicación de La colmena
1951 y
hasta Tiempo de silencio 1960 la corriente dominante en
la variación de posguerra es la novela social.
La sociedad, como en la etapa experimental anterior, es el
tema fundamental pero ahora abordado con actitud de protesta,
rebelión social, anhelando reformas sociales.
Las obras más representativas de esta etapa son La
colmena
de Camilo José Cela, La noria de Luis Rosales y El camino
y Mi
idolatrado hijo Sisí de Delibes.
Surge una nueva generación de novelistas, la
Generación del
55, entre los que figuran los anteriormente mencionados
más otros muchos como Aldecoa, Goytisolo, Alfonso Grosso,
Caballero Bonald, Ana María Matute... Sus
características
comunes son:
actitud de protesta ante el mundo y anhelos de reforma
social
Bajo la influencia de Sartre hacen un arte comprometido con
la inmensa sociedad siempre con la esperanza de transformarla
para el bien de todos.
La sociedad debía de ser el marco donde se encuadra
la
acción y pasa a ser el tema fundamental destacando
diversos temas
relacionados con esta como son:
La dura vida de campo: en obras como La zanja, El fulgor y
la sangre, Con el viento solano.
El mundo del trabajo: como en La mina o La central
eléctrica.
El mundo urbano: como en La colmena o La noria, sonsacando
los barrios bajos con su miseria e injusticias como en La resaca
o La piqueta.
El modo de vida de los burgueses: destacando sus
despreocupaciones ante el mundo como en La isla, Juegos de manos,
Tormenta de verano la Guerra Civil y sus repercusiones, sobre
todo en niños y adolescentes como Primera memoria de Ana
María
Matute.
Se ha reprochado a la novela social pobreza técnica
debido
a que dan primordial importancia al contenido que a la forma,
pero tras su apariencia sencilla tanto en construcción,
como en
el lenguaje se esconde un riguroso esfuerzo de
elaboración:
obras que concentran la acción en un tiempo muy
reducido,
incluso menos de un día como El Jarama o el Duelo en el
paraíso.
novelas de personaje colectivo por las que circulan un
elevado número de personajes como La colmena o La
noria.
Aparece también en algunas ocasiones un personaje
representativo de toda una clase social, lo que enlaza con el
((línea ilegible)).
No se profundiza en el alma de los personajes, el autor se
limita a narrar totalmente de forma objetiva lo que ve a su
alrededor como una cámara de vídeo, plasmando a la
perfección el
habla típica de cada ambiente social, dando primordial
importancia al diálogo en detrimento de las descripciones
cuya
función queda reducida a la introducción de
ambientes y
estancias.
El texto presente nos ofrece una "cancioncilla" de todo un
libro titulado Romancero gitano, que supuso una cima dentro de la
poesía de Lorca.
Canta a los gitanos, clase marginada y reprimida,
sintiéndose solidario con ellos y reflejando en estos sus
propios
sentimientos, como claramente se muestran en el poema, reflejo de
su propia contradicción entre las ansias de vida
refrenadas por
la imposibilidad fruto de la muerte.
Aparece en este poema, ese sentimiento
característico de
frustración reflejado en el jinete, y se puede distinguir
un hilo
argumentativo. Un jinete a lomos de su jaca atraviesa las
tierras andaluzas dándose cuenta de que la muerte le
espera "a la
vuelta de la esquina".
Estructuralmente se puede distinguir un breve estribillo,
influencia de la lírica popular tan presente en este
poema,
formado por los dos primeros versos utilizados como
introducción,
que luego serán utilizados idénticamente como
conclusión.
Este recurso utilizado, puede indicar que todo comienza y termina
del mismo modo, en este caso que se ((ilegible)) los gitanos
está marcada desde su nacimiento a la frustración y
la
desesperanza no pudiendo hacer nada para evitarla.
A continuación una primera parte que se extiende
desde el
verso 3 al 8, utilizando un paralelismo en su
construcción, influencia también de la
lírica popular, que aunque
comienza totalmente igual cambia a continuación el
significado
reflejando esa contradicción entre las grandes ansias de
vivir
"una grande" refrenadas por la muerte bañada en sangre
"luna
roja": dos metáforas puras que contrastan al mismo tiempo
con el
lenguaje popular pero perfectamente armonizado con el
culto.
Rasgos característicos del paisaje andaluz:
aceitunas, el
llano, las jacas, las torres, la soledad.
Una segunda parte que introduce la muerte mediante una
personificación versos 9-10 la muerte le acecha
"lo mira
desde las torres de Córdoba". Le siguen unas
exclamaciones, signos de dolor, utilizando el recurso de la
aliteración tomando de nuevo ambos del lenguaje popular,
el
camino se hace largo ante la llegada de la muerte para concluir
con el estribillo con el que había comenzado.
Dentro de la ingente obra de Lorca, el Romancero gitano es
el que mejor expresa la síntesis de sus continuas
contradicciones, llegando a un estilo perfecto que tras su
apariencia sencilla encierra una rigurosa
elaboración.
Literatura
"Canción de jinete", de García Lorca.
Este poema, "Canción de jinete", pertenece al autor
sevillano Federico García Lorca que dentro de la
denominada, y
discutida, Generación del 27 guarda un lugar de
gran
importancia.
Su poesía comienza siendo rica en elementos
influenciados
por la tradición andaluza; los cantes, métricas de
cancioncillas,
soleá... "el cante jondo" es un buen ejemplo de esta
influencia.
El tema del destino trágico de los personajes
será el más
importante de toda su producción artística, tema
que parece el de
su propia vida y tema a su vez de las "Canciones de jinete"
(existe otra), que se enmarcan en su primera etapa tras la que
viene la etapa del "Romancero gitano" y la etapa surrealista de
"Poeta en New York".
Centrándonos en el comentario y análisis de
este poema,
empezaremos por citar el tema que desarrolla.
Será un tema central para toda su obra, como ya
dijimos, el
del "destino trágico".
El jinete, que cabalga sobre su jaca negra hacia
Córdoba a
la que no llegará con vida, reconoce, se da cuenta de su
"destino
trágico" en esta vida.
El poema, o canción que muestra rasgos de
influencias de
las canciones andaluzas tradicionales en su estructura arranca
con dos versos cortos que servirán de enmarque para el
cuerpo
central, ya que se culmina con otros idénticos.
Dentro de este cuerpo central que abarca desde el verso
3 "jaca negra..." al verso 14 "... llegar a
Córdoba"; no cabría hacer ninguna
separación, aunque comienza el
jinete describiéndonos la situación en que la
muerte lo va a
asaltar, y luego culmine con una serie de exclamaciones de temor
y desesperación.
Yo creo que hay unidad, temática en esta parte
central.
Los 16 versos que la componen son irregulares en
cuanto a la métrica ya que hay versos desde 3
sílabas
"Córdoba", de 5 " lejana y sola " siendo el resto
octosílabos. Así, en cuanto a la estructura
métrica
coincide con la anterior señalada del contenido: el cuerpo
central formado todo él por versos octosílabos, con
rima asonante
en /-o-a/ en los versos pares: sola verso 2,
alforja verso 4. Pasando ya al comentario
estilístico y del contenido, empezaremos recalcando su
semejanza
a una canción. Comienza por un estribillo con el
que
también culmina.
Estos dos versos dan sensación de estatismo.
Córdoba permanece invariable, lejana, sola y no alcanzable
por el
jinete. Es un punto al que no podía llegar y lo
presenta
como lo recuerda en un principio.
En los versos 3-4 aparece una serie de
léxico
relacionado con la tierra andaluza de Federico: jaca, alforja,
aceitunas y la Córdoba del 1er verso. Nos
presenta a un jinete que tras su trabajo en el campo, y subido en
su jaca "negra" intenta llegar a su destino: Córdoba.
La
jaca lo lleva al que es su destino inicial, pero parece ser ella,
ya con su color "negro" de mala suerte la que intuye a esperar un
final trágico. La jaca negra lo lleva a su
destino; el
destino es negro.
La escena se enmarca en la noche "luna negra", cuando
atacan los asaltadores de caminos ápices de la
Andalucía de
García Lorca. En los versos 5-6, aparece
ya la
reflexión del jinete acerca de su destino.
El ya conoce que su paso por los caminos que conoce le
conduce a la muerte a una muerte trágica, inesperada, como
exclama en el posterior verso 13-14- "ay que la muerte
me espera...". El destino trágico de esa muerte
que no
merece pero que él siente le llegará de un momento
a otro será
típico de la poesía de Federico. El marco
geográfico en
el que Lorca encuadra esta acción no puede ser más
tremendo,
triste desolador: llano, viento, él y su jaca "negra",
luna.
Todo infunde temor, la noche con viento en un llano,
despoblado. Es una situación horrible. La
luna
aparece ahora "roja", como ya que la anterior, luna redonda y
blanca visiona la sangre que él va a derramar y se
impregna de
ella. Será como un símbolo que anticipe la
muerte.
La muerte aparece personificada ya en el verso 9 "la
muerte me está mirando desde las torres de
Córdoba". Como
si fuera una persona, la muerte mira, busca a su
destinatario.
Culmina Federico García Lorca su canción con
3
exclamaciones de temor con estructura semejante:
¡Ay...!; ¡Ay...!; ¡Ay...! y con
el estribillo
inicial.
Entre las exclamaciones 1a y 3a en las
que expresan el temor a la muerte del jinete contrasta la
2a "ay mi jaca valerosa". La jaca es valiente
pues ella no es capaz de intuir que otro destino se les
cruzará
en el camino a Córdoba. Ella no intuye, no siente
la
muerte que los acecha en el ambiente, como lo hace su
amo.
El estilo de Lorca es aquí a base de versos
octosílabos que
dan gran expresividad, un lenguaje relacionado con la muerte;
lejana, sola, negra, luna, llano, viento, roja, muerte.
Gran emotividad, penetración en el sentir del
personaje.
La novela social: temas, personajes y ambientes.
La situación de la novela española tras la
guerra es
peculiar. Autores del exilio no se pueden leer, los de la
generación anterior tratarán temas deshumanizados,
nada más en
desacuerdo con lo que esta nueva generación desea.
Ven en
Baroja a un modelo y se empezará a desarrollar una novela
desarraigada, novela social pero que empezará siendo
existencial
donde el tema del destino humano, existencialismo, crítica
a la
sociedad este es lo central. Marcan la pauta del comienzo
de una nueva novela 3 publicaciones: "La familia de
Pascual Duarte" 1942, de Cela; "Nada"; 1945,
Carmen Laforet y "La sombra del ciprés es alargada",
1947 de Delibes.
Se inicia una novela de personaje angustiado, enfrentado a
problemas existenciales, de lucha con la vida, soledad.
Se trata de la novela de los años 40-50,
existencialista
en la que no se puede hablar de plena crítica social ya
que de
ser crítica social la censura la prohibiría en
dicha etapa.
Pero es a partir de 1951 cuando se inicia una
verdadera etapa de novela social. El personaje de la
sociedad tratado en su conjunto o tratando a personajes
individuales dentro de esta sociedad. Comencemos
por:
Temas la realidad social será lo que se plasme.
El
autor será un difusor por medio de su palabra de la
situación
social, intentará comunicarse con el personaje marginado,
la
sociedad corrupta está para llevarlo al papel y
presentarlo al
público. La realidad de la vida en el campo (en
"La
zanja" de Grosso). La vida en la ciudad ("La colmena"
Cela); los problemas del hombre en el trabajo ("La mina"),
etcétera. Se tratará de denunciar la
injusticia social,
situaciones de trabajadores, de sociedades,
etcétera.
Personajes y ambientes. Los personajes serán
cotidianos, serán el hombre social de esa etapa de los
años
50. Una persona con problemas, explotada, en la
que el mártir de la angustia y el dolor se nota.
Los ambientes en los que centran las acciones son los
campos, ciudades, lugar de trabajo... Los autores hacen
con ello un gran realismo crítico.
Denuncian la sociedad, tema que en la novela ya de los
60 decaerá.
Literatura
La novela social, temas, personajes y ambientes.
En la novela social hay que señalar dos fechas
claves:
1951 con "La colmena" de Camilo José Cela y
1962 con "Tiempo de silencio" de Martín
Santos.
Dentro del realismo podemos señalar las siguientes
clases,
realismo puro es llamado también objetivista. Sus
cultivadores se presentan como puros, espectadores, no toman
partido ante la realidad que reflejan. Realismo
crítico
en el practicado por quienes no aceptan la realidad que les
rodea. Disconformidad y rebeldía son sus
características
más importes, y por último el realismo socialista
que fue la
doctrina oficial en la URSS. El realismo socialista es un
elemento fundamental de la literatura.
En la temática los postulados tienden a desplazar el
interés de lo individual a lo colectivo, de los problemas
personales a los sociales.
Vamos a señalar los campos temáticos
más importantes y sus
principales títulos:
En la dura vida del campo destacamos a Ignacio Aldecoa con
"El fulgor y la sangre" que es la historia de cinco mujeres,
esposas de guardias civiles, que esperan en el cuartel,
angustiosas, ante la noticia de que uno de ellos, no se sabe
cuál, ha muerto. "Con el viento solano" trata sobre la
huida
patética por tierras castellanas del gitano que lo
había
matado.
Caballero Bonald tiene su importante obra "Los días
de
septiembre" que es una de las novelas más importantes
tanto por
su significado como por la riqueza de su léxico.
Trata
sobre la vida en los viñedos andaluces. El
conjunto entre
obreros y señores constituye un característico
personaje
colectivo.
Jesús Fernández Santos con "Los bravos" que
trata la
historia de un mísero pueblo leonés y
también "La hoguera" es de
ambiente rural Alfonso Grosso con "La zanja" denuncia las
desigualdades vistas durante un día en un campo
andaluz.
En el mundo del trabajo destacamos a Salinas con "La mina" que es
un testimonio durísimo sobre las condiciones en que se
desarrolla
la vida de los mineros y Pacheco con "La central" que trata sobre
la construcción de un pantano con las confrontaciones
entre el
atraso rural y los problemas del progreso. En las novelas
de tema urbano destacamos la "La colmena" de Camilo José
Cela que
trata sobre la vida de unos personajes en un cafetín de
"Madrid"
"La piqueta" de Antonio Ferrer que denuncia la sociedad, trata
esta novela sobre el chabolismo. Goytisolo con "La
resaca" denuncia también la sociedad, trata esta novela
sobre la
vida que se desarrolla en un barrio de chabolas. Vamos a
destacar ahora las novelas de la burguesía.
Goytisolo
nuevamente con "Juegos de manos" que es una visión
despiadada de
la juventud burguesa y "Duelo en el paraíso" que es una
escalofriante novela sobre unos niños que influidos por
circunstancias bélicas juegan a la guerra.
Destacamos
también en novelas de la burguesía a García
Hortelano con "Nuevas
amistades y "Tormenta de verano" ambas novelas tratan sobre la
burguesía. Carmen Martín Gaite con "Entre
visillos" que
denuncia la condición femenina en una ciudad
provinciana.
Pero una de las novelas más importante dentro de este
grupo de
burguesía es "Tiempo de silencio" de Martín
Santos.
((línea ilegible)) principal es Pedro.
De él
solo conocemos su presente, ignoramos su pasado.
Siente envidia ante los ricos pero en realidad quisiera a
ellos "frustración... desarraigo son los temas principales
de
Tiempo de silencio. En cuanto a los demás
personajes
podemos destacar a Matías, que es un ejemplo de existencia
con su
pensión que es también ejemplo de autenticidad, el
"Cartucho", el
"Muecas" en conjunto todo ello es una humanidad degradable.
"Tiempo de silencio" sitúa la miseria en un marco social
concreto: el Madrid de los años del hambre.
El fracaso de Pedro no sólo se debe a cuestiones
sociales,
sino también a la presión del ambiente sobre
él. Podemos
señalar también las distintas clases sociales: la
clase alta que
tiene su centro en la casa de Matías, la clase media cuya
mejor
representante es la patrona y la pensión y la clase baja
que se
desarrolla en el subproletariado de las chabolas. La
crítica que hace Martín Santos no es solo social
sino también
nacional. Su crítica alcanza a todas las partes
del país
y el resultado de todo ello es un país monstruoso un
país que no
es Europa. Después de haber hablado de las novelas
más
representativas de cada uno de los campos temáticos, vamos
a
señalar algunas características en lo que respecta
a su
estructura: la estructura del relato es sencilla, se prefiere la
narración lineal. Sencillez y concisión es
lo que podemos
observar en las descripciones. Hay una gran cantidad de
novelas que sitúan la acción en un corto espacio de
tiempo.
La novela social tiene una preferencia por el personaje
colectivo, aunque junto a éste también aparece el
personaje
representativo. Hay que destacar la importancia del
diálogo en la novela social y el lenguaje adopta un estilo
de
crónica, desnuda y directa.
Localización
Este poema es un análisis de "Canción de
jinete" de García
Lorca.
Métrica
Es un poema en el que predomina los versos de ocho
sílabas
(octosílabos) a excepción de los dos primeros y los
dos últimos
que se repiten, que son de tres y cinco sílabas.
Tema
Córdoba. El deseo de llegar a Córdoba
pero sabe que
es imposible, ya que la muerte le acecha.
Estructura
En cuanto a la estructura dos partes diferenciadas.
La 1 -los dos primeros y últimos versos y la
2
-los doce restantes versos, es decir, el contenido del
poema.
En lo que respecta al comentario podemos hacer un eje
semicrítico de las palabras que connotan la idea de
muerte:
negra, es un color oscuro y aquí en el contexto nos da esa
idea,
el adverbio nunca, la imposibilidad de llegar a Córdoba ya
que la
muerte le sorprenderá en el camino, roja, el calificativo
roja
por sí solo no connota la idea de muerte pero aquí
en el contexto
hace referencia a la sangre, el color de la sangre. Con
las excepciones "luna grande" y "luna roja" hace referencia a la
noche, a la luna llena. La luna primero grande y
después
se convierte en roja. "muerte" connota esta idea, "la muerte me
está mirando desde las torres", nos quiere transmitir que
está en
lo alto y en cualquier momento la pueda sorprender. En
las siguientes expresiones ¡Ay que camino tan largo!
nos
quiere transmitir que el camino se hace interminable y nunca
llegará. ¡Ay mi jaca valerosa! que aunque la
jaca sea
fuerte, y valerosa no le va a servir de mucho ya que nunca
llegará.
¡Ay que la muerte me espera, antes de llegar a
Córdoba! con
estas dos expresiones claramente nos indica la imposibilidad de
llegar ya que la muerte le espera. En cuanto al lenguaje
lo más significativo son las anáforas ay, ay, ay
queriendo
indicar con ello la imposibilidad de llegar a
Córdoba.
Literatura
La primera novela social en esta época es "La
colmena" de
Camilo José Cela.
En estos años aparecerá un grupo de
escritores que se
hicieron llamar la Generación del 55, algunos de
ellos
eran: Aldecoa, Goytisolo, Ana María Matute.
Estos escritores en sus obras reflejaban los problemas de
España, e intentaban ayudar a los más
reprimidos. Por
ello realizaron diversos manifiestos. En ellos
había un
claro análisis crítico de la realidad de lo
cotidiano.
Las características más importantes de la marcha
social
serían:
Tratar sobre un grupo de gente determinado, aquellos que
están reprimidos que son marginados.
Tiene influencias del: nuevo realismo, nuevo romanticismo y
realismo crítico.
Tratan como tema principal la realidad, lo
cotidiano.
Los temas más importantes serían:
Algunas obras con este tema serían: Mi
idolatrado hijo Sisí, Cinco horas con Mario, ambas de
Miguel
Delibes, La isla de Goytisolo.
Aquí se trata sobre el duro trabajo de
los
campesinos. Algunas obras serían: La zanja de
Grosso,
Réquiem por la muerte de un campesino español, de
Ramón J.
Sender.
Obras con este tema serían: Central
eléctrica
de Pacheco, La mina de Salinas.
Las principales serían: La
resaca de
Goytisolo, Una chabola en Bilbao de Vigil.
Aquí aparecen todas las obras
parasociales y
algunas obras de Cela.
La obra más
representativa es:
Con las manos vacías de Ferrer.
En este tema se encuentran
obras muy
significativas: La colmena de Camilo José Cela, Tiempo de
silencio de Santos.
En lo referente a la técnica tan sólo cabe
destacar que
casi no utilizan descripción, pero sí menos
diálogos y que tratan
estos temas con objetividad.
Título: "Canción de jinete"
Autor: Federico García Lorca.
Tema: el autor en este poema nos dice que nunca
llegará a
Córdoba, a pesar de que sabe los caminos, porque antes se
va a
morir.
Estructura: este poema se divide en cuatro partes:
Los dos primeros versos son un estribillo, en los que cita
a la ciudad de Córdoba, ciudad a la cual se
dirige.
La segunda parte iría desde el verso 3
hasta el
verso 10. Aquí nos dice que a pesar de
saber los
caminos él nunca llegará a Córdoba ya que la
muerte no se lo
permitirá.
La tercera parte va desde el verso 11 hasta el
verso 14. Aparecen aquí una serie de
lamentaciones. Con ello intenta dar más
énfasis al poema.
La cuarta parte son los dos últimos versos, en los que se
vuelve
a repetir el estribillo.
Análisis: en este poema aparece claramente reflejada
la
muerte, en palabras como negra, síntoma de luto, aceitunas
(tanto
el negro como el verde son muestras de muerte en Federico
García
Lorca) y aparece la misma palabra muerte.
Recursos literarios.
Aparecen muchos epitelios: jaca negra, luna grande, luna
roja. Hay, es decir, supresión de conjunciones lo
que da
un más rápido al poema: jaca negra, luna grande,
por el llano,
por el viento, jaca negra, luna roja... Aparecen signos
de admiración desde el verso 11 hasta el
14. Con ello intenta dar mayor énfasis y
le
sirve a este autor además para mostrar sus
lamentaciones.
¡Ay qué camino tan largo!
Aparecen muchos adjetivos: negra, grande, roja, valerosa...
con lo que este poema tiene un gran valor descriptivo.
Se da en este poema los ayes típicos en algunas
obras de
Baroja. ¡Ay qué camino tan largo!
¡Ay mi jaca
valerosa! ¡Ay que la muerte me espera...! Se
repiten estructuras: en el verso 3 (jaca negra, luna
grande) y en el verso 8 (jaca negra, luna roja).
También se repite el estribillo al principio y al final
del
poema, algo que resulta totalmente normal porque este poema es
una canción (Córdoba, lejana y sola).
No hay encabalgamientos abruptos, sino que estos son
suaves. Conclusión: es esta una canción de
Federico
García Lorca. En ella nos cuenta que nunca
llegará a
Córdoba porque la muerte le acecha. Para reflejar
la
muerte utiliza adjetivos que son síntoma de luto: negro,
verde,
rojo... Excepto el estribillo todos los demás
versos son
de 8 sílabas por lo que se crea un sistema
marcado.
Literatura
De la angustia existencial se pasa a las inquietudes
sociales. El término de social puede utilizarse de
manera
amplia, la sociedad como tema o para denunciar las injusticias
sociales.
Suelen mencionarse como novelas precursores de este
realismo social las obras de Delibes "Mi idolatrado hijo
Sisí" y
"El camino".
Sobejano declara 1954 año inaugural del
realismo
social, en esta época se dan a conocer autores como:
Fernández
Santos, Ferlosio, Caballero Bonald, Ana María Matute,
Goytisolo,
que serán conocidos con el nombre de Generación del
Medio
Siglo. Su objetivo es un cambio de la sociedad así
se
solidarizan con los marginados y los oprimidos, su rechazo por
los sistemas tratando de buscar otros nuevos. En este
realismo se puede hablar de un objetivismo reflejado en textos
escuetos con la desaparición del autor que hace que sea
muy
difícil de señalar las fronteras entre este
objetivismo y el
realismo crítico. Ferlosio y Santos se inclinan
hacia el
objetivismo mientras que otros autores se inclinan hacia el
realismo crítico con un eco del realismo social.
También
hay influencias de autores franceses, italianos. Merece
especial interés el realismo lírico de Ana
María Matute.
Temas
El tema de la abulia. Desarrolla la abulia de las
diferentes clases sociales la desorientación de la
juventud, la
actitud pasiva ante la vida. Delibes "Mi idolatrado hijo
Sisí".
El tema del campo. Suelen tener un carácter
testimonial. Narra las miserias de la gente. "Con el
viento solano", "Dos días de septiembre". El tema
del
obrero y el empresario. Muchos de estos temas
podrían
incluirse en el tema del campo. La mala situación
de los
oficinistas y de los empleados que están sometidos a los
empresarios.
Recursos. Poema muy versos 3 y
8. Jaca negra. El camino como
símbolo de
la muerte.
Utiliza admiraciones para dar más énfasis
sobre esta
idea. Anáfora versos 11, 12, 13 todos
ellos
comienzan con "ay" y además en estos tres versos hay una
repetición de la estructura, motivos.
Repetición o
paralelismo en dos versos 2 y 16 "lejano" y
"sola".
En general el poeta expresa su visión trágica
hacia la
muerte, con cierto temor y la preocupación por el destino
del
hombre temas muy frecuentes y desarrollados por los poetas de la
Generación del 27 a la que pertenecía
Lorca. El
poema da aspecto de oscuridad, para ello el autor repite palabras
y versos para recalcar esta idea. Además Lorca
utiliza
palabras con muchas connotaciones por lo que algunas veces no
podemos conocer su significado verdadero.
La mayoría de estos autores al ver que su objetivo
(cambiar
la sociedad no había sido conseguido evolucionan hacia
otras
formas de renovación y experimentación con un
cambio del
lenguaje, de técnicas...
Este poema pertenece al libro "Canciones" de García
Lorca. García Lorca es uno de los más
importantes
representantes de la Generación del 27.
Siente una gran preocupación por la muerte, problema
que va
a preocupar a muchos otros poetas de su generación.
Lorca
siente una gran compasión por los seres marginados, los
gitanos
los negros o los que muchas veces hace alusión en sus
poemas esto
se justifica por su rebeldía, su inconformismo.
Tema: "visión trágica del hombre ante la
muerte".
Resumen: el poeta evoca a Córdoba y siente el temor
de la
muerte. El poeta siente tristeza por no poder llegar a
Córdoba debido a la cercanía de su muerte.
El poema podría dividirse en dos
partes:
desde el verso 1 al 8. El poeta hace
una evocación a Córdoba.
desde el verso 9 al 16.
Siente el temor ante la cercanía de su muerte, ve
que se le
acerca. En la primera parte hay un predominio de los
adjetivos frente a los sustantivos, grande, negra, sola... nos
dicen cómo es Córdoba.
Nos hace una descripción de Córdoba tanto en
esta parte
como en la segunda hay adjetivos que tienen un aspecto negativo
negro, largo en general este poema da impresión de
oscuridad.
Los versos no tienen una medida uniforme. La rima
asonante ( ) pero no todos los versos, no es una rima que sigue
unos determinados esquemas.
En una de las versiones se trata de las ((no se
entiende)) fueron vencidos por la sociedad, los que
están en
la cárcel... "Los atracados" es una novela de este
tema.
Los viajes que son una vuelta hacia lo pasado, lo medieval
"Viaje a La Alcarria" de Cela.
El chabolismo. Narra la misión de aquellas
personas
que viven en chabolas carentes de agua y de electricidad.
Quieren conseguir leyes para que esto desaparezca pero son
ignorados. Pacheco "Central eléctrica".
Salinas
"La mina".
Características.
Las características que toda obra tiene que tener
para ser
considerada son:
Que trate sobre temas de la sociedad.
Tienen un personaje colectivo.
Va dirigida a un sector o a varios sectores de la
sociedad. Siguen patrones realistas.
De la burguesía se pasa al proletariado.
carácter testimonial.
personaje representativo.
Se crea así un novela artística.
El individuo es incluido dentro del marco
social.
Generalmente se le reprocha a la novela social un estilo
pobre. Esto es un tanto exagerado ya que se aplicaron
nuevas técnicas lo que ocurre es que dan más
importancia al
contenido que a la forma, ya que lo que quieren es dominar la
sociedad en la que viven y menosprecian la forma. Supone
un gran esfuerzo la formación de personajes colectivos, el
autor
no está en la obra. También utilizan
descripciones de una
manera minuciosa hay una narración lineal de la obra.
Adquieren especial interés los diálogos y el
lenguaje utilizado
en un lenguaje sencillo junto a este realismo aparece una
línea
existencial en la que hay cierta religiosidad y con una
técnica
experimental.
Literatura
La novela de posguerra va a tomar un nuevo rumbo en cuanto
a temática se refiere. Ya no tendrán cabida
los de tema
"deshumanizado" ni aquellos que ensalzan lo bueno de la vida.
Será Baroja el gran autor que servirá de
inspiración a los
novelistas de la llamada "Generación del 36".
Tras unos primeros años de novela existencial en los que
se
publican obras como "La familia de Pascual Duarte" de Cela
1943 o "Nada" de Carmen Laforet 1948 se sigue
otra de novela social. Por novela social se puede
entender aquella donde se abarca está encuadrando el resto
de la
obra o aquella que presenta la sociedad como tema mismo.
La primera de estas características ya había
aparecido en la
novela existencial pero la otra aparecerá como novedad en
la
novela social. Se da por iniciada esta etapa con la
publicación de "La colmena" de Cela, una profunda
crítica del
Madrid de la época con una perfecta descripción de
personajes y
ambientes. Más tarde aparecerán gran
número de escritores
bajo el título de "Generación del 55" o
del Medio
Siglo. Entre ellos Ana María Matute, Goytisolo,
Carmen
Martín Gaite, etcétera. Puede decirse que
en todos se
traduce un mismo talante de oposición a las normas
establecidas y
un aspecto de composición y ternura hacia los más
pobres.
En ellos tuvo mucha influencia la obra de Jean-Paul Sartre
el cual creó las bases de la denominada "novela
comprometida"
mediante la que se expresaban los problemas de la sociedad.
Este tipo de obras habían venido a sustituir a la
prensa y a
otros medios que se encontraban sometidos por la censura.
La temática se identifica con la de aquellos problemas que
aquejan a la mayoría tales como la dura vida en el campo,
las
relaciones laborales y el mundo del trabajo y dentro de las de
tema urbano las que se refieren a ese mundo fronterizo que es el
suburbio con sus miserias y penalidades.
Otro grupo de autores han tratado temas tales como los de
dura crítica hacia la burguesía, sobre todo a su
juventud,
abúlica y desocupada. La "Generación del
55" ha
hecho especial hincapié, quizás por su edad en los
desastres que
una guerra puede causar a los niños y
adolescentes.
Tradicionalmente se ha acusado a la novela social de
pobreza técnica. Ello es por parte exagerado.
Lo
que ocurre es que el tema tiene toda la preferencia y a él
se
subordinan las técnicas elegidas.
Característica es la aparición de un
"personaje colectivo"
y a su alrededor un gran número de personajes secundarios
así
como uno "representativo" de cada grupo social lo que es muestra
de una profunda elaboración.
Es de destacar la variedad de ambientes y la riqueza de
registros empleados. Es impresionante el afán de
los
autores de recoger todo tipo de hablas populares, castizas,
etcétera. De aquí la aparición de la
técnica del diálogo
con una estructura rápida y nerviosa. La
posición del
autor es la de "desaparición". Se limita a recoger
una
serie de imágenes como en una cinta cinematográfica
y una serie
de tonos populares en una especie de magnetófono.
La
preferencia de éste por tratar de expresar la sencillez
contribuye, efectivamente, a cierto empobrecimiento de las
obras. En conclusión, la novela social supuso una
total
renovación en cuanto a técnicas se refiere y
cambió las
orientaciones; será la base de toda la producción
novelística que
se ha cultivado desde entonces.
Federico García Lorca es, dentro de la
"Generación del
27", un poeta destacado por su inconformismo y
rebeldía
ante la realidad. Manifestó un gusto especial por
aquellas fórmulas que puedan recordarnos la
antigüedad tales como
los cantares, las cancioncillas populares...
En la "Canción de jinete" sin duda el tema principal
es el
temor a la muerte del protagonista que no traduce sino el propio
temor del autor. Siente miedo el jinete a no poder llegar
a su ciudad, a no disponer de fuerzas para su anhelado
propósito. La estructura del poema se hace en
torno a
16 versos donde hay un claro predominio del verso
octosílabo excepto los dos primeros y los dos
últimos que son más
cortos y se repiten.
El poema comienza con una breve invocación de la
ciudad:
decir su nombre y se sigue en el verso 2 de unos
adjetivos que nos dan muestra ya del carácter desesperado,
"lejana y sola". En el siguiente verso la luna nos indica
que nos encontramos en un momento, la noche, que acrecienta el
dramatismo y el dolor. Las "aceitunas" del verso 4
revelan el gusto del autor por referirse a cosas
características
de su tierra: Andalucía. Continuando con el
análisis, se
ve en los dos siguientes versos la manifestación
más clara del
patetismo del jinete. Y de nuevo, más tarde, la
repetición de "jaca negra y luna roja". Esta
última ha
cambiado ahora de adjetivo, quizás el rojo se refiera a
una noche
de calor, aunque sin duda contribuye a la variedad
cromática del
poema. En el verso 9 y en el 10 un
nuevo recuerdo hacia la muerte que parece inevitable. A
partir de aquí el poema constituirá, casi hasta el
final, la
última muestra de la desesperación mediante una
serie de
oraciones exclamativas que presentan el mismo comienzo.
En los dos últimos versos de repite la estructura del
inicio
siguiendo el citado modelo popular.
Muestra, por tanto, de la actitud pesimista del autor son
las referencias constantes a temas como la muerte, la soledad, el
aislamiento, que ya se habían encontrado en multitud de
poetas
anteriores. Estas características marcarán
profundamente
su existencia que terminará dramáticamente.
Es sin duda
García Lorca un poeta característico e inolvidable
cuyo amor por
su tierra y lo popular marcó de forma peculiar su
obra.
Literatura
La novela social. Es dicha novela de los
años
posteriores a 1936. Y trata, dicha forma de
novela, de romper con todo lo anterior; va a querer mostrar una
nueva forma de novela, realista.
Va a dar comienzo, la novela social, con una obra muy
significativa en dicho género: "La familia de Pascual
Duarte" de
Camilo José Cela, en dicha obra, se refleja una vida
realmente
dura y difícil, en la que parece casi imposible que
después de
tanta acción sobre acción y crueldad sobre crueldad
la obra siga
siendo creíble; pero sólo se puede explicar,
observando el género
creador que es Camilo José Cela.
Otras dos obras importantes que inician la novela social
son: por una parte, la "Nada" de Carmen Laforet, y por otra "La
sombra del ciprés es alargada" de Miguel Delibes.
Los temas que esta novela social trata son principalmente;
la frustración, la desesperanza, el no acuerdo con un
mundo que
es realmente crudo para los
((Texto ilegible)).
Al unir, además, su individualidad al mundo social,
el
autor suele, así, hablar de problemas internos en la
sociedad o
en grupos de campesinos, de obreros que se sienten mal
pagados...
Pero común a todos es el afán por un mayor
cuidado de la
forma y de lo que van a expresar (contenido, que de la propia
belleza en sí, ya que una novela de crítica, que
expresa la
realidad debe simplemente ser eso expresión, y su belleza,
que lo
diga en el fondo mucho.
En esta forma de novelas, los autores no se paran ante
nada, expresan tanto lo inhumano y horrible, como lo
irónico o
vulgar, pero siempre tratando de analizar una sociedad decadente,
que forma a las personas de una forma determinada y les hace
volcarse en ella, sin recibir muchas veces más que
desesperanza
((Texto ilegible)).
La Canción de jinete: es una obra de Federico
García Lorca,
el cual perteneciente al grupo, pronto destacará por su
gran
habilidad de crear poesía y en realizar grandes obras de
arte. Va a viajar a Nueva York, lo que va a marcar
notablemente su, ya que contará en su poesía aquel
mundo de...
("La aurora en Meneyora"... de "Poeta en Nueva York"). Va
a morir Lorca un gran sentimiento de compasión para con
los
dolidos, los marginados, lo que le va a acercar al pueblo, donde
murió fusilado (asesinado).
El tema: de este poema del cancionero lorquiano, es una
exaltación de dolor ante la muerte; el protagonista sabe
que se
va a morir y no puede hacer nada porque no se produzca tal
acontecimiento, ahora por tanto con las ansias de vivir que
proclama el jinete; ya que exclama. Parece con gran
desesperanza"... "ay que la muerte, me espera antes de llegar a
Córdoba...", como si dicho personaje tuviese unas ansias
enormes
por vivir y ver Córdoba, pero estas ansias chocan con la
imposibilidad de realización, con la muerte, se trata por
tanto
del destino trágico de la vida.
((Texto ilegible)).
Literatura
La novela social surge en España en 1954
como
consecuencia de las situaciones tanto políticas como
sociales que
se sucedían en nuestro país, lo que inclina a los
novelistas a
preocuparse por la sociedad escribiendo y dando soluciones a la
misma. Los autores presentan muchos rasgos comunes como
son el ya imperante realismo y su continua preocupación
por los
humildes y desprotegidos.
En cuanto al realismo se pueden observar dos tendencias el
realismo puro (objetivismo) y el realismo crítico.
Dentro
del objetivismo se van a adoptar nuevas tendencias para resaltar
la realidad como son temas con rasgos oníricos cuyo
precursor fue
Faulkner y también mitológico tomando como punto de
origen por
ejemplo La odisea de Joyce.
Dentro de la novela social destacan dos novelas principales
como son La colmena y Tiempo de silencio.
La colmena, obra del genial Cela, nos cuenta las secuencias
de los hechos que se sucedían en los barrios bajos
madrileños
adoptando posturas cómicas para resaltar
crónicamente la
sociedad.
El tema por tanto de esta obra es un tema urbano, donde en
cada capítulo Cela nos cuenta, como si fuera una especie
de
cuento hechos y secuencias de uno y varios personajes durante dos
días de 1942 a 1943. Cela no pone
títulos a esta
novela en cada capítulo, simplemente se limita a dejar
espacios
en blanco entre ellos, por lo que La colmena se puede considerar
incluso como una sucesión de cuentos.
Otra novela social muy importante es Tiempo de silencio de
Martín Santos en la que se puede aparecer la similitud con
la
mitología de La odisea de Joyce. Esta novela tiene
un
tema de tipo urbano. Pero al mismo tiempo destacan
también otros temas como son el tema de la Guerra Civil,
del
campo, etcétera. Otras obras también
importantes y
pertenecientes a este movimiento literario son: en lo que al tema
urbano se refiere destacan "La resaca" de Goytisolo donde narra
la vida en las chabolas, tema también narrado en "La
piqueta" de
Ferrer. En lo que al tema de la vida en el campo se
refiere destacan "Los bravos" de Fernández Santos, Fulgor
y
sangre de Aldecoa. Otro tema importante es cuando los
novelistas destacan la dura vida del trabajo en la que destacan
obras como "La central eléctrica" de Pacheco y "La mina"
de
Salinas.
En lo que a temas burgueses se refiere "Juego de manos" de
Goytisolo, "Nuevas amistades" de Hortelano, temas concernientes a
la Guerra Civil son "Duelo en el paraíso" de Goytisolo y
"Primera
memoria" de la novelista Matute que cuenta el maravilloso amor
vivido por dos adolescentes en tiempos de guerra civil.
Por lo general y en lo que a lenguaje se refiere cabe
reseñar que es de fácil comprensión y las
obras tienen
numerosidad de diálogos.
El poema que nos ocupa "Canción de jinete" pertenece
al
poeta español de la Generación del 27
Federico García
Lorca. En este poema García Lorca nos cuenta el
angustioso presentimiento de muerte de un jinete, transmitido con
enormes gestos de dolor y desesperación que le
impedirán llegar a
su destino, Córdoba.
El poema es un romance en el que el ritmo tiene como
característica el verso libre y la rima es asonante en los
dos
primeros y últimos versos y en los restantes versos los
pares
riman en asonancia o - a y los impares quedan
sueltos.
Temáticamente se pueden ver dos apartados: un primer
apartado que está formado por los dos primeros y los dos
últimos
versos en los que el poeta transmite mediante versos antes
objetivo se pretende alcanzar Córdoba, pero destaca la
imposibilidad reforzada por los adjetivos "lejana y
sola".
El apartado B está formado por el resto del romance
en el
que el jinete transmite su angustioso presentimiento de muerte
con rasgos de dolor y desesperación.
Así por lo tanto el tema o icen central del poema es
el
angustioso presentimiento de muerte.
Este presentimiento de muerte se ve reforzado por los
adjetivos calificativos que lo connotan como son: "lejana, sola,
negra, roja...". La acción del poema transcurre
durante
la noche, lo que refuerza a la muerte siempre acompañado
de la
luz de la luna llena, aspecto connotado por los adjetivos
calificativos "grande y rojo", que le impedirán al jinete
escapar
de la muerte ya que desde las alturas se prevé la muerte,
connotado por los términos "luna grande, luna roja y
torres de
Córdoba. Aunque la poderosidad de su jaca sea
enorme,
aspecto connotado en "jaca negra y jaca valerosa" nada
impedirá
su muerte que está próxima ya que cada vez aunque
esté más cerca
de Córdoba el camino se le hace más largo.
El jinete ve
su muerte próxima los verbos en presente indican la
continuidad
de la acción, acción en la que el dolor y la
desesperación son
sus acompañantes, aspecto que queda especialmente
reforzado en
los tres últimos versos exclamativos entre admiraciones
que
transmiten con gran vigorosidad la idea de dolor del jinete,
dolor que le conducirá finalmente a la muerte antes de
llegar a
Córdoba.
Literatura
El teatro de Lauro Olmo.
Lauro Olmo se encuentra como un autor de teatro social.
El teatro social se desarrolla tras el teatro cómico,
como el
de Nieva, siendo este teatro social un teatro preocupado por los
problemas sociales, llegando a tener en sus comienzos incluso
rasgos existencialistas.
Este teatro social es un teatro que se dirige al
pueblo. Existían dos tendencias en el teatro de
esta
época un teatro que triunfa dirigido a la burguesía
y otra, el
teatro social en el que destacan como autores principales Sastre
y Olmo. El teatro social es un teatro que trata los temas
sociales de la época, llega incluso a una especie de
crítica
sobre las desigualdades que existen en la sociedad. Por
este carácter social en el que se pretende dirigir al
pueblo, es
decir un carácter popular, el lenguaje que utiliza es un
lenguaje
sencillo, directo, con el que se pretende llegar al espectador,
es decir al pueblo. Lauro Olmo como autor perteneciente a
este tipo de teatro social muestra en sus obras estos rasgos
comunes al teatro social.
La obra más destaca de Lauro Olmo es "La camisa",
tratando
en esta obra Olmo, el tema de la emigración. La
emigración era en este momento un problema en
España, sirviéndole
a Olmo como base para el desarrollo de su obra "La camisa".
En esta obra se trata el problema de la emigración
mediante
el caso de un obrero que ve a su mujer emigrar, irse de
España,
para trabajar en Alemania. Sufren estos personajes el
problema de la emigración a causa también de otro
gran problema
social de la España de esta época, que Olmo
también trata, el
paro.
En estas obras de teatro social se refleja la angustia, la
miseria, el dolor... que siempre traen consigo los diferentes
problemas que existen en la sociedad, como es este problema del
paro, o los problemas económicos debido a las diferencias
entre
las clases sociales.
Además de esta importante obra Lauro Olmo cuenta
dentro de
su creación literaria con otras obras de tema social como
son
"English Spoken" o también "La pechuga de la
sardina".
En definitiva Olmo es un autor preocupado por la sociedad
de su época y por llegar con su teatro al espectador que
en el
caso del teatro social es el pueblo. Tratando sus obras
la angustia, el dolor... que se producen en la sociedad.
En este poema de ángel González titulado
Soneto podemos
señalar refiriéndonos a la métrica que es un
soneto, ya que esta
formada por 2 tercetos y dos cuartetos. La rima
de estos versos es una rima consonante abba, abba, cde,
cde; siendo los versos de 12
sílabas.
El tema principal de este soneto de ángel
González es la
fe, la esperanza en la vida. Este tema aparece a lo largo
de todo el poema, incluso apareciendo las palabras claves del
tema como son "fe" y "esperanza".
Podríamos señalar dos ejes semánticos
en este poema; en un
eje encontraríamos palabras que connotarían la idea
de fe, de
esperanza, mientras que el otro eje semántico
aparecerían
palabras opuestas a esta idea de fe, de esperanza.
Las palabras que connotarían esta idea de fe en la
vida, de
la esperanza, serían: vida, fuego, pasión, amor,
fe, esperanza,
primavera, avanza. La fe aparece además resaltada
en los
dos últimos versos mediante dos adjetivos calificativos
como son
"segura" y "fuerte".
Apreciamos además la oposición entre palabras
que connotan
la idea de fe y esperanza con las que reflejan o connotan el otro
eje semántico del poema, la idea de los impedimentos que
encontramos en la vida los cuales debemos superar mediante la fe
y la esperanza*.
En este 2o eje semántico podríamos
señalar
palabras como y expresiones: sin salida, herida, juego, pierdo,
partían, perdida, vencido, nunca, muerte, jamás,
llanto.
Esta oposición aparece claramente en los dos
últimos
versos: pero... amor.......... llanto...
En el poema, en este caso soneto se refleja la idea, tema
principal de fe (esperanza) que nunca se debe perder frente a los
problemas, los cuales deben ser superados por
esta.
Literatura
La poesía de Miguel Hernández.
Miguel Hernández es almeriense. Su infancia
fue
ciertamente penosa, ya que su padre no quería permitirle
ir a la
escuela. El cura de su pueblo le convenció para
que
ingresara en la sección de pobres del Colegio del Ave
María, ya
con catorce años. Antes de este corto periplo
académico
había estado cuidando cabras. En la escuela se
despertó
su interés por la literatura, estudiando a los
clásicos del Siglo
de Oro. Cuando tuvo que abandonarla, adquirió
cultura
acudiendo a la biblioteca municipal. De vital importancia
resultó para su formación la profunda amistad, que
contrajo con
Ramón Sijé, a quien dedicaría una
elegía conmovedora en su
fallecimiento, que le afectó hondamente. Juntos,
sacaron
la revista "Gallo crisis", de vocación católica, en
la que
publicó Miguel Hernández sus primeros escritos,
fruto de la
lectura de los clásicos.
Harto de la sujeción que suponía vivir con su
padre, marchó
a Madrid, en busca de fama y experiencia. Pronto
ganó el
respeto y el afecto de los literatos, que le llamaban el "poeta
cabrero". Allí conoció a Lorca, de quien
recibiría una
honda influencia y con el que mantenía una buena
amistad.
Poco después volvió a Almería, donde
entró de chupatintas en una
oficina. En esta estancia en Almería
conoció a la que
sería su mujer. Después de un
período en esa ciudad
regresó a Madrid donde le emplearon para hacer fichas,
como
colaborador de Cossio, que estaba realizando una enciclopedia de
toros.
El último período de su vida fue penoso,
debido a las
desgracias personales que le marcaron. Su primer hijo
muere. Como consecuencia del compromiso social que
contrajo, fue encarcelado. A partir de ese momento; su
deambular por las cárceles españolas -primero
Madrid y luego
Almería, por petición propia para estar cerca de su
esposa- fue
ininterrumpido. Las malas noticias se suceden, ya que la
situación económica de su mujer y su segundo hijo
son
penosas. Fruto de estos pensamientos que le atormentan es
el famoso poema "Nanas de la cebolla", dedicado a su hijo, que
pasa verdadera hambre. El final de su vida llega como
consecuencia de las enfermedades contraídas en las celdas
de las
cárceles: fallece de tuberculosis en la prisión de
Almería.
Su poesía se puede dividir en cuatro etapas, que
vienen a
ser las siguientes:
1a etapa: corresponde, lógicamente a su
inicios
como poeta. El libro que marca esta etapa es "Perito en
lunas". En él se nota la reciente influencia de
los
poetas del Siglo de Oro, especialmente Góngora y
Quevedo.
En cuanto a los temas, abundan los ambientes populares.
2a etapa: en esta fase, Hernández es ya un
poeta
maduro, y cuenta con la influencia de los del 27,
especialmente Lorca, de quien adquirió los temas
populares, así
como la búsqueda del amor y el gusto por lo
tradicional.
La forma se hace más sencilla que en su primer libro.
Es,
quizá su etapa más brillante y de mayor
calidad.
3a etapa: es esta, el libro que destaca es "Viento
del pueblo". Es un período de compromiso social,
que
coincide con el inicio de la guerra. Hernández
piensa que
poeta tiene una misión social, consistente en dar apoyo
moral a
los combatientes. Esto no significa, por supuesto, que
sus escritos sean meros panfletos, sino que la forma se hace
mucho más sencilla y fácil de entender, para llegar
con mayor
facilidad a mayor número de personas.
4a etapa: abarca los escritos que realizó
durante
su estancia en la cárcel. No son poemas que dejen
traslucir una desesperación que no sería demasiado
extraña en su
situación, sino una resignación que deja un
resquicio para la
esperanza. De esta etapa es el poema "Nanas de cebolla",
dedicado a su hijo. Los libros más importantes son
"Cancionero" y
"Romancero de ausencias".
La pérdida de Miguel Hernández supone la
pérdida del que
estaba llamado a continuar la labor de la Generación del
27, una vez que ésta quedó destruida por
la guerra.
Sin embargo, también él fue víctima de
ella, y pereció el que
estaba llamado a ser una de las mayores figuras de la
poesía
española de todos los tiempos.
Miguel de Unamuno novelista.
Unamuno es, sin duda, uno de los grandes prosistas de la
primera mitad de nuestro siglo. Fuera de la
Generación
del 98, compartió con los miembros de aquella
algunas
preocupaciones, como el interés por España.
Sin embargo,
su prosa se aleja del realismo novecentista, e inicia un
período
de renovación de la novela. Don Miguel huye de la
narración de hechos, para profundizar en la
psicología del
personaje. En sus obras, a excepción de algunas de
juventud, no importan los acontecimientos, es decir, casi carecen
de hilo argumental, que se reduce a la mínima
expresión a lo
imprescindible para que la narración sea congruente
cualquier
pretexto es bueno para introducir sus debates
psicológicos, sus
preocupaciones internas. Las dos grandes preocupaciones
de Unamuno son el drama existencial y la duda en
religión.
El drama existencial le viene por influencia de su amigo, el
danés Sören Kierkegaard.
Los personajes de sus novelas son un autorretrato suyo y
todas, absolutamente todas muestran sus preocupaciones, empleando
el enfrentamiento de opuestos para explicarlas.
Las novelas de Unamuno fueron muy mal recibidas por la
crítica, que no las consideraba como tales. A esta
acusación, don Miguel respondió con humor,
subtitulando a su obra
"Niebla" como "nivola". "si no son novelas, algo tienen que ser:
serán nivolas", decía Unamuno.
Hoy en día, sus obras son objeto de estudio por la
innovación que supusieron en su tiempo, pero no por el
mero
placer de leer un libro entretenido. Quizá por
eso, el
más llevadero es "San Manuel bueno, mártir", de sus
teorías e
inquietudes.
En suma: la personalidad excéntrica de Unamuno se
traslada
y se plasma en sus novelas, que también se salen de lo
corriente.
Literatura
La poesía de Miguel Hernández.
Como breve introducción a este autor decir que
nació en
1910 en Orihuela. Hijo de familia humilde, de
pequeño fue pastor de cabras pero su interés por
aprender y
cultivarse hizo que leyera numerosos libros.
Posteriormente marcha a Madrid donde contrae matrimonio y
con la llegada de la guerra interrumpe su afición por la
escritura y se alista en el ejército. Uno de sus
hijos
muere. Su vida tampoco fue muy larga pues muere a los
32 años de tuberculosis en una cárcel de
Alicante en
1943.
Al tratar ya su poesía, es importante decir que fue
un
hombre que supo conjugar la fuerza de la inspiración con
el arte
más riguroso y las técnicas más sabias.
La primera obra de Miguel Hernández con la que su talento
fue
reconocido es "Perito de lunas", obra que se caracteriza por su
disciplina poética. Pero su obra cumbre es la que
recibe
el nombre de "El rayo que no cesa", en ella expone una triple
temática: la vida, el amor y la muerte,
entrelazándolos con una
extraordinaria maestría.
Entre otras de sus grandes obras destacar "Elegía a
Ramón
Sijé", un bello canto a la amistad. Estas tres
obras
antes mencionadas pertenecen a la época de antes de la
guerra
pues una vez llegada la misma, Miguel Hernández escribe
obras
como "El sudor", "Las manos", más comprometidas y
condicionadas
por el hecho bélico que se vivía.
La última obra que este autor escribió fue
"Cancionero y
romancero de individualidades", la escribió estando ya en
la
cárcel y antes de morir, en ella trata el tema de su mujer
y de
su hijo, es sin duda una novela conmovedora (desde mi punto de
vista).
Miguel Hernández, podríamos decir que
sirvió de puente
entre la Generación del 27 y la del
36.
De igual modo abrió las puertas a la poesía de
posguerra.
Comentario del texto poético.
Este poema de Juan Ramón Jiménez, "Palabras
de primavera",
posee una cierta influencia de Modernismo y del
Simbolismo.
Dentro del comentario empezaré por su estructura
externa:
se trata de versos con ocho sílabas (de arte menor) con
rima
consonante en todos sus versos quedando sueltos el verso segundo
de cada grupo de cuatro versos. Formado por cuatro
estrofas de cuatro versos cada una, además de un
estribillo de
dos versos que se repite a lo largo de todo el poema.
El tema es una alabanza a la primavera, un canto a esta
época del año dentro de la estructura interna en mi
opinión posee
una cierta unidad, sin la necesidad de señalar partes, es
todo en
conjunto una balada de primavera, como su propio título
dice, no
se podría dividir en partes.
Las figuras: sinestesia "¡Qué tranquilidad
violeta!..." que
al mismo tiempo constituye una exclamación
retórica.
Encabalgamiento: el último pensamiento comienza un
verso
acabándolo en el siguiente.
En estos mismos versos la existencia también de una
personificación, atribuyendo al sol facultades
humanas.
Hipérbole: "y el corazón se le pierde" se
trata de decir
algo de una manera exaltada.
Hipérbaton: "se está la orilla dorando" se
invierte el
orden normal de la frase.
Epíteto: "en la madreselva verde".
El vocabulario utilizado es en general un vocabulario
sencillo y enteramente comprensible, con palabras propias a la
primavera: dulce brisa, verde, olorosa... Señalar
también la
abundancia de adjetivación: violeta, dulce, olorosa, leve,
verde...
Literatura
La novela de Unamuno.
Este escritor, habitante de Salamanca por varios
años,
tiene en sus novelas infinidad de temas, y comenzaré por
éstos,
para luego explicar en profundidad la influencia de los mismos en
su novela. Autor con una pléyade de libros,
utiliza la
literatura como medio de expresar sus ideas y sus
sentimientos.
Hombre que ha pasado por 3 crisis en su vida,
España, fe - razón, y la muerte de su hijo, tiene a
este como una
de sus máximas razones de escritura. Una muerte
-no la de
su hijo, (la muerte en sí)- con la que lucha
corazón y alma
enfrentados ante la imposibilidad de frenar esa muerte que nos
amenaza constantemente. La filosofía
existencialista es
otro de sus temas; el "más allá", "el posible
futuro" que él
niega porque no puede ser.
La lucha por sobrevivir, intento por vencer a esa muerte, y
como solución solamente halla la procreación humana
y
literaria. Las obras y descendencia que abandona al morir
siempre harán que parte de ti siga viviendo. El
tema de
España; una España que se destruye a sí
misma, es la España que
ven los del 98, ya que este autor (podríamos
situarlo)
en dicha generación o mejor considerarlo, grupo.
Y por último, el sufrimiento de los inocentes;
(todo) esto
por supuesto sugerido principalmente por el fallecimiento de su
hijo. Dividiríamos la novela unamuniana en dos
partes
claramente diferenciadas: novela realista. Novela
renovadora.
En esta primera Unamuno siempre pretenderá que
parezca real
aquello que se está narrando, nos lo encontraremos como
narrador
en algunas ocasiones, pero de una forma que el lector no percibe
que la historia está siendo marcada por alguien.
No
olvidar que Miguel Unamuno aparece siempre en el interior de sus
obras, ya sea como personaje, a veces enmascarado con otro, o
como narrador.
Así, en esta novela realista el escritor
utilizará rasgos
muy concretos que den veracidad a la obra: rigurosidad en el
tiempo, datos tomados de fuentes bibliográficas o de la
realidad
exterior...
En la segunda, nuestro autor no pretenderá que el
lector
crea aquello que lee; son sentimientos subjetividades de una
persona. Cuenta una historia inventada, y así, ya
no
cuidará los datos rigurosos, ni el tiempo. Ahora
juega
con él, da saltos. El lector ha de saber que eso
no es
real, pero que, sin embargo transmite algo muy importante para el
autor. Aquí encerraríamos a "San Manuel
bueno,
mártir". Sus novelas son combates
dialécticos donde se
enfrentan diversas posiciones de la vida.
En cuanto al léxico, es seco, duro, sin
retoricismos, huye
de todo lo barroco, le interesa la idea, no hay que adornar
aquello sobre lo que se escribe.
Algunos lo calificaron de escritor con mal gusto al
novelar. Estuvo siempre en contra de autores como
Galdós,
al que denominaba: "Benito el garbancero". Su estilo y
lenguaje puede causar, y de hecho la mejor parte de sus obras son
muy duras de leer.
Para finalizar citaré alguna de sus novelas: "Amor y
pedagogía".
"Abel Sánchez" un hecho bíblico a la
realidad.
"Niebla" habla de la angustia vital. Su personaje,
Augusto Pérez debía llamarse "Angustio
Pérez", su lucha ante la
vida.
"San Manuel, bueno, mártir".
En sus novelas siempre tratará con mayor profundidad
aquellos temas que más significan para él y cuanto
más le duelan
más importancia les dará.
La poesía de Miguel Hernández.
Autor de poesía "puente" entre la preguerra y la
posguerra, tiene una gran cantidad de hondos poemas que nunca,
dejan al lector indiferente.
Su obra poética se divide en varias etapas,
comenzando en
193 ese hombre de campo, con una dura infancia y pocos
estudios, publica su primer libro "Perito en lunas", del cual
hemos de hablar como "ciclo de Perito en lunas" ya que recoge
algunos otros poemas. En esta etapa, Miguel
Hernández
tiene gran influencia de la Generación del 27, y
Góngora
y se ve que aún no está en su madurez.
Rasgos principales
de este período son:
la tierra: una España, una tierra española de
labradores a
la que canta.Es uno de los aspectos que más
influirá en su
vida.
La juventud: el sexo erótico, el sexto
animal...
Las alusiones a la religión: cálices,
coronas,
sagrarios...
Utiliza un lenguaje lleno de metáforas que nos
recordarían
a Quevedo o a Góngora en muchas ocasiones,
metáforas... y además
sus palabras son desgarradoras, nunca se deja
indiferente.
El 2o período o etapa, es la que pertenece
a la
publicación del libro: "El rayo que no cesa", obra, en la
que
está presente, ya no sólo su mejor madurez sino la
figura de
Federico García Lorca hombre que inspirará los
poemas que Miguel
escribe a partir de ahora, (nos encontramos en el año
39-40). Serán poemas brillantes, llenos
de
imágenes, de metáforas, cuyos temas serán
los del autor al que en
cierto modo "imita" la muerte, el amor, el deseo, que se enfrenta
a la realidad..., nos encontramos así con presencia de la
(*).
El amor. Un amor visto como una gran fuerza
cósmica
que une el universo. También nos hablará
como Lorca, del
doble ciclo del hombre. La unión de este con la
hora.
La vida es un simple "minuto" entre el nacer del polvo y el
volver a él. Sin embargo nunca llegará a
hablarnos del
amor realizado entre hombre y mujer, este, es una lucha, una
continua batalla. Llegamos así ya a la etapa de
"Viento
del pueblo". Humanismo integral. El hombre
comprometido con la sociedad; existe gran confianza en el
individuo por solucionar la situación en la que se
encuentra.
El pueblo y su lucha.
Y por último y ya en la cárcel
escribirá su obra:
"Cancionero de ausencias": cancioncillas y coplas en las que
está
presente su recuerdo.
(*) vegetal, metales..., su tristeza ante la
situación
después de la guerra (pues estamos en la posguerra), su
nostalgia
ante su tierra, familia, amigos muertos... y además su
hijo
fallecido.
Son poemas generalmente cortos, con versos también
de
pequeño tamaño y a modo de cancioncillas.
Así,
encontraremos en ocasiones estribillos, palabras que se repiten,
juegos de palabras... de esta parte de su obra uno de los poemas
más conocidos es el de "los versos de la cebolla".
Por lo tanto, es el recuerdo y tristeza ante todo aquello
que él ama. Como autor perteneciente
también a la etapa
posterior al conflicto bélico entre "las dos
Españas", tiene
características, y ya en su última etapa, de esa
poesía social de
la posguerra:
preocupación por el país e intento de
crítica en sus
poemas.
lenguaje, en ocasiones seco (aunque creo que no corresponde
al autor expuesto).
atención desmesurada al contenido y poco cuidado de
la
forma, llegando a ser, en ocasiones casi panfletario (en mi
opinión no puedo afirmar esta última, pues ninguno
de los poemas
que yo he leído puedo calificarlo como).
Literatura
La poesía de Miguel Hernández.
La poesía de Miguel Hernández está
dividida en tres
etapas. En el año 39 publica "Perito en
lunas" y
luego "El silbo vulnerado" en donde aparece la descripción
de su
tierra, Alicante aparecen imágenes de sus paisajes.
También el mundo eclesiástico: lo ornamental, la
iglesia.
Aparece también el mundo juvenil, sexo, erotismo,
sexo
animal.
Utiliza muchas metáforas hipérbaton.
Los elementos
más usuales están sometidos a una gran
elaboración
metafórica.
Luego escribe "El rayo que no cesa", se parece en la
temática a García Lorca, pero no en la forma.
Aparecen
tres grandes temas: amor, vida y muerte, un amor que se clava
incesante en el corazón, con presagios de muerte.
Casi
nunca hay una culminación feliz de ese amor. Es un
amor
que lo concibe como algo pasional, como algo cósmico.
Tanto el amor como la vida están amenazados.
En toda la obra hay presente un poderoso vitalismo
trágico.
Posteriormente publicará "Viento del pueblo".
Es un
libro donde defiende los valores del pueblo, hay presente un gran
humanismo. Cree que el pueblo puede transformar sus
circunstancias negativas en positivas. Hay una conciencia
permanente del pueblo.
En ningún momento cae en lo panfletario, en la
exaltación. Se trata de una poesía de
compromiso; como él
decía "el pueblo espera que yo trabaje", es un poeta
comprometido
con esta realidad.
También observamos una idea de solidaridad "el
pueblo es
como una plaza de toros. Emplea un lenguaje más
claro y
más directo. Emplea versos más breves y
tradicionales. Utiliza composiciones propias de una
poesía tradicional, arengas, cantos épicos.
Publica luego "Cancionero de romances y ausencias", donde
habla del amor de la madre al hijo, de su situación como
prisionero y de las consecuencias de la guerra.
Dentro de este libro se encuentra su famoso poema "Nanas de
la cebolla" escrito cuando se entera que su mujer alimenta a su
hijo con cebolla.
Es una poesía tradicional. Está
influida como los
poetas de la Generación del 27 tanto por
Rubén Darío y
Juan Ramón Jiménez en su modernismo, como por los
movimientos
vanguardistas: preocupación por lo humano.
Miguel de Unamuno, novelista.
Miguel de Unamuno es un novelista pesimista y muy en la
línea del vitalismo de Kierkegaard.
Es un hombre anheloso de serse y serlo todo. Esta
teoría la extiende al resto de los hombres pero ante esto
surge
la posibilidad de la nada, del nonadismo y de ahí surge la
angustia.
No es un novelista sintomático ya que en sus novelas
esparce y escribe su filosofía de la vida,
etcétera.
También es un hombre de un gran amor a Cristo y
sufre
alguna que otra crisis espiritual. Todos estos temas
aparecen en su novela, además de otros. Sus
novelas más
importantes son:
Escribe en 1897 "Paz en la guerra", novela
histórica e intrahistórica que parte de que uno de
los
principales males de la sociedad es la incomunicabilidad pero hay
algo que engloba todas las relaciones humanas, que es la
lengua. Trata el libro de la vida afectiva de una serie
de individuos. Utiliza detalles de la vida cotidiana de
éstos. En el año 1902 escribe
"Amor y pedagogía"
que es una crítica de la pedagogía
positivista.
Este libro trata de un hombre, don Avito Carrascal que
utiliza los métodos propios de la pedagogía para
convertir a su
hijo en genio pero fracasa y lo termina convirtiendo en monstruo,
al final este hijo se suicida. La realidad de este
superficial está constituida por imágenes
individuos, olores
incongruentes. Es una crítica, como ya he dicho de
esta
pedagogía.
En 1914 escribe "Niebla" que trata de un hombre
llamado Augusto Pérez que vive en un mundo cerrado y se
casa para
encontrar una nueva dimensión a su existencia.
Es un hombre que más o menos es consciente de la
relación
del yo con el mundo.
A partir de aquí los personajes de las obras de
Miguel de
Unamuno van a ser "agonistas", es decir, a personajes
anhelosos
de serse que se debaten contra la muerte, como por ejemplo
"La
tía Tula", donde habla del sentimiento de
maternidad.
En cuanto al estilo de toda su novela: parquedad
descriptiva, (ya que casi siempre sola describe el alma).
Densidad de ideas e intensidad emocional, utilización de
paradojas y antítesis.
En 1930 publica "San Manuel, bueno,
mártir".
El argumento es el de una mujer, ángela Carballino que
relata
a todos la vida de un cura. San Manuel ya que se siente
obligada a contar a todos lo que hizo. ángela sería
como una
evangelista, san Manuel sería como los reyes de la Grecia
preclásica, cuya misión es garantizar a todos la
vida en el más
allá.
En cuanto a la estructura, se halla compuesta de tres
partes: 1-8: caracterización del cura,
8-15
cuerpo central, 15-21 epílogo.
Empieza con la caracterización del personaje, y la
intriga
va poco a poco en aumento.
El nombre de los personajes es simbólico.
ángela: misionera
Lázaro: resucitado, etcétera.
Hay una gran carga simbólica en el paisaje y es
frecuente
el uso de paradojas, antítesis y metáforas.
Huye en todo momento del retoricismo, esto es propio de las
novecentistas y se observa lo cuidado de su estilo.
Hay una evidente proyección de los sentimientos en
los
paisajes, objetos. Por tanto el paisaje no aparece
recogido con objetividad, sino con elementos subjetivos.
También, la importancia de la historia o intrahistoria,
propia
también es propia de los novecentistas. Esta es
observable en la Villaverde de Lucerna del fondo del lago, ya que
es la conciencia de la intrahistoria. En cuanto en los
símbolos Villaverde de Lucerna se identifica como
metonimia, unas
veces con el lugar, otras con el pueblo y también con la
intrahistoria.
La montaña representa la fe y el lago la duda y esta
oposición, en donde usa la metáfora se personifica
en san Manuel,
cuya obligación es mantener al pueblo en la fe.
Blasilla
el Bobo, en este caso, representaría la conciencia del
pueblo.
Otro símbolo es la nieve. La nieve es
transitoria
como la vida. Ahora bien, los copos que caen sobre la
montaña, forman una toga, y los que caen sobre el lago. El
misterio de la nieve es el misterio de la fe.
Refiriéndome a la primera pregunta, Miguel
Hernández emplea
como símbolo el toro que representa la muerte.
También
son símbolos el cuchillo, los metales.
Literatura
Miguel Hernández fue un poeta cuya poesía
vino marcada por la
tragedia de la realidad española de los años 20
y
30. Siendo un poeta de carácter sensible y
luchador. Miguel Hernández descubriría en
su poesía todo
aquello que su mirada iba captando. Y no solo
captaría el
panorama social del momento, sino que también se
haría eco de las
inquietudes de las personas, personas tratadas a nivel
individual, y no solo colectivo.
Su vida fue corta y si se ha de hacer síntesis de lo
que
debía sufrir este escritor, habría que decir que,
además, fue
penosa.
Se dedicaba al pastoreo desde niño, y fue cuidando
cabras
cuando debía escribir su primer poema, cuando tan
sólo contaba
dieciséis años. Tal vez la sencillez y
ternura de muchos
de sus versos sean, en cierto modo un pequeño reflejo de
aquélla,
su tranquila y bucólica vida de entonces.
Su afán por aprender y abrirse camino en el "mundo
de las
letras", le llevaría a estudiar a la ciudad donde,
además, se
casaría. También tuvo un hijo, y
será el recuerdo del
mismo el que hará que sus últimos años no le
sean imposibles de
sobrellevar.
Cuando estalla la Guerra Civil española, se alista
voluntario en el ejército republicano, yendo a parar a las
cárceles franquistas, poco tiempo después
será allí,
precisamente, donde conozca e intime con Antonio Buero Vallejo
nuestro genial dramaturgo, el cual realizaría uno de los
escasos
relatos de Miguel Hernández que se conservan hoy
día.
Morirá en la cárcel, a la edad de 32
años, estando
ya muy enfermo.
Su poesía tuvo un tono cálido e intimista
durante toda su
vida, aunque se reflejará de forma diferente en las
distintas
etapas poéticas de su vida.
Desde el punto de vista de la temática predominante
en su
poesía, se distinguen en Miguel Hernández tres
etapas:
Es la que coincide con los años más juveniles
del
poeta. En esta etapa se incluyen sus primeras creaciones
literarias, que se caracterizarán por la obtención
de temas
relacionados con el existencialismo. Su poesía
adquiere
tonos intimistas y el poeta parece proponerse hontanar en el alma
de la persona para descubrir esas preocupaciones y sentimientos
que le embargan.
Es esta etapa, tal vez, la más significativa de su
creación
poética, por dos motivos fundamentales:
La importancia que para el poeta tenía el tratar
el
tema social en sus poemas.Ello lo hará volcando en esos
poemas
todo su afán de superación y su sensibilidad
luchadora.
Esta fase de su vida viene claramente determinada por el
momento histórico de agitación social que le toca
vivir al poeta
español Miguel Hernández, que, además,
tomaría partido
activamente de dicha situación de agitación social,
se solidarizó
con la postura reivindicativa de la lucha obrera y haría
una
serie de creaciones poéticas, que, sin perder su lucidez,
serían
poesías con un claro trasfondo social.
De esta etapa de su vida destacan las obras "Viento del
pueblo" (porque, según Miguel Hernández, los poetas
debían ser
eso "viento del pueblo") y las "Nanas de la cebolla".
Esta última obra la escribió estando ya en
prisión, y su
constante punto de referencia será su querido hijo, un
bebé mal
alimentado que pasaría su niñez en medio de la
guerra.
La tercera y más corta etapa de la trayectoria
poética de
Miguel Hernández parece ser la que se caracteriza por ser
una
especie de síntesis de las otras dos, es decir, el autor
retorna
al intimismo inicial de sus primeros poemas sin renunciar a parte
del carácter social y comprometido de los poemas
pertenecientes a
su segunda etapa.
Hay quien afirma que su obra las "Nanas de la cebolla"
pertenecen a esta tercera etapa, y no a la segunda, como se ha
señalado antes. No obstante, esta
afirmación no está
comúnmente aceptada como válida.
En resumen, fue Miguel Hernández un poeta
cálido y genial
que supo hacer poesía intimista y comprometida sin perder,
en
ningún momento, su característico sentido del gusto
ni su
tendencia hacia una poesía especial por medio de un
lenguaje
claro y sensible, como él mismo.
Miguel de Unamuno ha sido uno de los novelistas
españoles
más controvertidos de nuestro siglo, por cuanto ha tenido
de
contradictorio y reflexivo, hasta llegar a lo obsesivo.
Su vida fue la de un estudioso inquieto y despierto que
reflexionaba constantemente sobre los interrogantes de la vida...
y también, sobre los de la muerte.
Cursó varias carreras (entre ellas, la de Derecho),
y parte
de esos estudios los realizó en Salamanca, de cuya
universidad
llegaría a ser rector. Ya no saldrá de esta
ciudad,
excepto para exilarse en el corto mandato de los conservadores en
España, antes de la buena inmediatamente antes.
Su vida transcurrió, aparentemente, muy
tranquila.
Nada excepcional le sucedió (excluyendo el suceso de su
exilio
político) ni fue hombre de grandes viajes (por
España) ni
peripecias. Sin embargo, un tormento íntimo le
impedía
encontrar la paz, y es que Unamuno se encontraba en guerra
consigo mismo constantemente. Toda su vida se
debatió
entre dos posturas:
La que le decía que el disfrute de la vida
hace que
el hombre deba ignorar algunas verdades (por muy esenciales o
vitales que dichas verdades puedan resucitar).
La que le hacía ver que la verdad
debía de ser
antepuesta ante todo aun a riesgo de que peligrara la propia
felicidad.
Esta lucha entre ambas ideas será la pieza clave que
regirá
una de sus obras maestras: "San Manuel bueno mártir",
donde se
cuentan las zozobras de un cura de aldea que, sin tener fe, ha de
transmitir religiosidad piadosa a sus feligreses, para hacer que
ellos se consuelen por haber tenido que nacer para morir, piensa
que es mejor que el resto de los aldeanos crean que existe otra
vida celestial, tras la vida terrenal, aunque él mismo
piense que
esto no es cierto.
La "especialidad" descriptiva de Unamuno serán,
precisamente, esas zozobras que perturban el alma de los
mortales, llenándoles de contradicción y
confusión, como a él
mismo. Un buen ejemplo de esta idea es otra gran novela
suya "Niebla". En ella, el personaje literario creado se
rebela contra su autor haciéndole ver que no quiere
"morir" a sus
manos, no quiere que el autor siga haciendo de él lo que
le
plazca. Parece que esta idea fuera análoga a la de
la
rebelión humana contra un Dios que hace del nombre lo que
prefiere, "matarlo", incluso. A esta novela la denominaba
"nivola", para ironizar sobre la crítica que de él
hicieron
ciertos críticos literarios que, al abrir algunas de sus
obras,
exclamaron: "¿¡Pero qué es esto!?!
¡esto no es una
novela!". Su lenguaje no será complicado -no
caerá en
estridencias lingüísticas-, pero tampoco
excesivamente sencilla
se puede decir que logrará un equilibrio entre ambas
posturas,
pero, eso sí, siendo claro siempre en el mensaje que
pretendía
lanzar al lector. Quizá la mayor
complicación, a la hora
de leer a este gran escritor, sea la interpretación de los
numerosos símbolos utilizados.
Literatura
Miguel de Unamuno novelista.
Miguel de Unamuno es un autor que pertenece a la novela
renovadora frente a otro tipo de novela llamada novela
tradicional. Esta última se basa en un naturalismo
pero
sin violencia, se centra mucho en el análisis
psicológico de los
personajes. En cambio la novela renovadora se fija
más en
la realidad, buscando la técnica. A ella pertenece
Miguel
de Unamuno. Es un filósofo y concibe la lucha
entre razón
y la fe. Esto le lleva a pensar y a concebir la vida como
lucha, luego tomará la religión como un consuelo,
como se refleja
en su novela San Manuel bueno, mártir.
En la vida de Miguel de Unamuno en cuanto a literatura se
refiere pasa por dos etapas:
Novela realista: en la que Unamuno se preocupa por los
personajes, se centra en su psicología.
Otro tipo de novela en la que los personajes no aparecen
como tales sino que éstos se encarnarán en ideas
abstractas.
Proyecta sus propios sentimientos.
Unamuno no nos presenta un conflicto entre los personajes
sino que quiere que descubramos la trama o lo que va pasando.
Por ello la técnica de su novela resultará
importante:
La ausencia de paisajes en su novela es una nota
característica al igual que la ausencia de espacio y de
tiempo. Todas sus novelas salvo San Manuel bueno,
mártir
carecen de espacio y tiempo.
En San Manuel bueno, mártir, ángela
Carballino (una de las
protagonistas de la novela) se encarga de situarnos en el lugar y
en el tiempo correctos. ángela es a la vez narradora y
protagonista, esto en literatura se llama narración
homodiegética.
Otra de las características en sus novelas es el
diálogo, y
más que el diálogo lo que verdaderamente
dará más interés a la
novela es el monodiálogo (diálogo -
interior).
Otro de sus rasgos será la capacidad de insinuarnos
lo que
acontece en la novela. Por ejemplo. En San Manuel
bueno, mártir no se nos dice directamente que san Manuel
tiene un
profundo secreto, sino que por medio de conversaciones y de
monodiálogos nosotros vamos insinuando que algo pasa en la
mente
de san Manuel.
No describe a los personajes de una manera
psicológica,
somos nosotros los lectores los que calificamos a los personajes
por su manera de actuar.
Por estos rasgos Unamuno aparece como un hombre
filosófico,
sus novelas tendrán una profundidad temática.
Se
combinarán diversos temas, entre ellos el problema de la
eternidad, el más allá, la religión.
Generalmente sus novelas son abiertas, invitan a que el
lector elabore una conclusión, así pues cada lector
tendrá una
solución muy distinta. Por ello es una novela
abierta.
Es filosófico y como recurso para demostrar la
intensidad
de la novela utilizará exclamaciones e interrogaciones
retóricas,
sin contestación alguna ya que lo que Unamuno intenta es
que
nosotros demos una solución. El estilo será
intenso por
lo que realizó Unamuno la eliminación de lo que no
era
esencial.
Unamuno es dudador de sí mismo e incluso en San
Manuel
puede haber una posible identificación entre Unamuno y
Manuel.
La poesía de Miguel Hernández.
Miguel Hernández nació en Orihuela, de
familia modesta y
los hermanos Sijé le emprendieron en sus primeras
lecturas.
Por ello éstos tienen gran importancia en la vida de
Miguel
Hernández, fue el autor de la Elegía a Ramón
Sijé.
Se dio a conocer como poeta en Madrid gracias a Pablo
Neruda y a Vicente Aleixandre.
En su poesía se distinguen claramente una serie de
etapas:
En primer lugar hace una poesía gongorina,
barroquismos,
neologismos, todo lo que al Modernismo se refiere.
Sonoridad en las palabras, elige las palabras y su poesía
es de
honda profundidad temática.
Otra clase de poesía será la que trate de
temas tan hondos
como la muerte, la vida, el amor.
La vida la toma como experiencia desgraciada, el amor como
un desengaño. La muerte en sus poesías la
simboliza con
el cuchillo incluso también puede aparecer el toro.
A
veces dicho símbolo significa también el destino,
es la honda
preocupación temática.
La tercera parte de su poesía coincide con la
época en la
que se alista en el ejército para levantar el ánimo
a los
soldados que combaten. Es impresionante el poema
Canción
del esposo soldado donde tiene la seguridad de que su hijo
nacerá
cuando la paz reine. Miguel Hernández recitaba
estos
poemas en momento de guerra y ello levantaba los ánimos de
los
soldados que deseaban volver a casa.
Por último Miguel Hernández escribe
poesía cuando se
encuentra en la cárcel. Escribe las "Nanas de la
cebolla"
a raíz de una carta escrita por su mujer en la que
decía que su
hijo sólo comía pan y cebolla.
Miguel Hernández supo conjugar la sensibilidad con
la
razón. Selecciona un vocabulario referente a la
flora y
su poesía es de gran interés, sobre todo por los
temas que
trata.
Literatura
La poesía de Miguel Hernández.
Miguel Hernández nace en 1910 en Orihuela,
su vida
transcurrió un poco salvajemente ya que se crió en
un ambiente de
escaso nivel intelectual. A su formación le
ayudó siempre
Ramón Sijé. Gracias a este Miguel
Hernández consigue su
fama en Madrid con su libro "Perito en lunas", este ambiente en
que se crió Miguel Hernández influirá
notablemente en su poesía
ya que al ser un hombre de escasa preparación intelectual,
no
utiliza elementos artificiosos en su poesía.
Su poesía se puede dividir en dos fases para
explicar sus
características:
En cuanto a su creación:
La poesía de Miguel Hernández tendrá
influencias clásicas y
al decir clásicas me refiero a la propia de su
época; el
Barroco.
Es una poesía que no tiene influencias
vanguardistas,
aunque si tendrá influencia de los del
27.
Su poesía, es una poesía sin ningún
tipo de ornamentación,
prevalecen los elementos nucleares sobre los complementarios.
Es decir en su poesía dominan los simples.
Esto es muy fácil de explicar, es debido a que, al
ser
Miguel Hernández un hombre de preparación
elemental, en su poesía
no puede utilizar más de lo que él sabe.
Además de la
simplicidad de su poesía, otra característica de
ésta, es que su
poesía es una poesía del corazón, contiene
elementos simples pero
con una gran fuerza expresiva.
En cuanto a su publicación:
Miguel Hernández siempre tuvo problemas para la
publicación
de sus libros. Sólo vio publicados tres.
Se habla de ciclos, ciclo: "Perito en lunas" ciclo "El rayo
que no cesa", al hablar de ciclos se refiere a que no existe
únicamente ese libro, sino que hay más
material.
Su poesía se divide en 4 etapas
según sus
libros:
La primera etapa, es la etapa del "ciclo de "Perito en
lunas". Esta etapa es de fuerte influencia barroca,
utiliza la estrofa barroca por excelencia; la octava real, es la
etapa más artificiosa que tiene en lo que a su lenguaje se
refiere utiliza piruetas verbales, introduce elementos vegetales,
metáforas está pero siempre dentro de la sencillez
que le
caracteriza.
La siguiente etapa es la del ciclo "El rayo que no
cesa". Aquí toda su obra está escrita (su
estructura) en
sonetos, ya que es la estrofa más sencilla para expresar
temas
vitales, cotidianos. El soneto consta de dos cuartetos y
dos tercetos, generalmente en su poesía (y también
en todos los
sonetos) los dos primeros cuartetos exponen, el primer terceto
anula y en el último terceto se sitúa el desenlace,
es la estrofa
más importante del soneto.
En esta etapa también hace la "Elegía a
Ramón Sijé" su gran
amigo, esta es una excepción en este ciclo, ya que no es
un
soneto.
Este ciclo se caracteriza por la utilización de
elementos
nucleares sobre los complementarios fuerza expresiva, ya no hay
influencia barroca como la anterior, ni pruebas verbales.
El tercer ciclo es "Viento del pueblo" en este libro,
Miguel Hernández se centra, en la labor humanizadora del
poeta,
es una poesía enraizada más en influencias
filosóficas,
preocupada por los problemas del pueblo, etcétera.
Finalmente el último libro es "Romancero de
ausencias" aquí
Miguel Hernández se centra por una parte en lo popular y
por otra
parte, es su época del exilio, lo pasa en la
cárcel. Y
escribe sobre lo que ha dejado atrás, el recuerdo de su
familia y
de sus amigos.
Miguel de Unamuno novelista.
La novela de Unamuno, seguirá siempre la
línea de su
pensamiento.
El gran drama de Unamuno es la contradicción en su
pensamiento entre razón y fe, él se confiesa
creyente pero no
cree en nada después de la muerte, este drama existencial
está
reflejado en toda su novela y posteriormente en el teatro.
Luego la novela de Unamuno no tiene otro fin más que
expresar
sus ideales, y aunque él nunca se confesó seguidor
de ninguna
corriente, su novela sigue los cauces de la corriente de su
tiempo (siglo XX) el Expresionismo.
El Expresionismo es una corriente que se basa en las
realidades interiores, con lo que se opone al
Impresionismo.
Lo que importa no es mostrarnos un personaje sino una,
luego esta novela tendrá diferencias en cuanto de la
novela
realista anterior, las principales diferencias son:
La novela realista era narrada en tercera persona, ahora se
pasa a narrar en primer persona.
En la novela realista era característico al hablar
de un
personaje, mostrarnos su entorno, en la novela expresionista sin
embargo vamos descubriendo al personaje a medida que lo vamos
leyendo, no sabemos cómo es hasta el final. Domina en
la
novela expresionista, el subjetivismo.
En la novela realista había gran variedad de
personajes, en
la expresionista, sin embargo, la acción se reduce a no
más de
3 personajes, como es el caso del más claro
ejemplo de
la novela de Unamuno "San Manuel bueno mártir". La
novela de
Unamuno tiene todas estas
características.
"San Manuel bueno mártir", es una novela clara tanto
de
rasgo expresionista como del drama existencial de Unamuno.
Es una novela narrada por un personaje que ha vivido la
historia, luego es una novela narrada en primera persona por
consiguiente domina el subjetivismo.
La novela nos expresa todo el pensamiento de Unamuno,
consta de tres personajes principales; san Manuel, Lázaro
y
ángela Carballino. San Manuel está
totalmente inspirado
en la persona de Unamuno ya que su problema entre razón y
fe al
igual que le pasa a Unamuno. Lázaro poco a poco se
irá
contagiando del pensamiento de san Manuel, y los dos se
encuentran con el problema de no creer en que hay después
de la
muerte.
El libro se divide en partes, en las primeras 5
secuencias ángela se limita a contarnos su
situación, (se educó
en un colegio de monjas) como era san Manuel en el pueblo,
etcétera. En las siguientes secuencias hasta la
5 san Manuel (cura del pueblo) nos descubre su problema,
Lázaro llega a América, y no cree, al principio no
quiere creer
pero luego será el seguidor de don Manuel. 15-22
muere
san Manuel y confía su labor en el pueblo a Lázaro,
aunque no
crea (como san Manuel) ha de convencer al pueblo de que
después
existe algo.
22-24 labor de Lázaro, heredero del
pensamiento de
san Manuel.
Y después ángela nos vela por qué ha
contado la historia,
el libro es una confesión, finalmente Unamuno introduce su
"yo"
utilizando el viejo truco de los manuscritos encontrados.
El tema principal es el drama entre razón y fe,
aunque
también hay un tema secundario como es el contraste que
hay entre
tradición y la modernización que fue Lázaro
al venir de
América.
En el libro hay símbolos, como son:
lago, que significa ayuda, pero cuando el agua está
estancada significa duda, muerte.
montaña el pico de la materia la fe del pueblo pero
la
montaña reflejada en el lago duda.
Blasilio nos representa la fe ciega del pueblo.En cuanto
al lenguaje, es bastante simple, a pesar de que ángela
diga que
tuvo estudios.
Literatura
comente el siguiente texto poético
El texto es un poema perteneciente al libro poético
"Baladas de primavera" del autor Juan Ramón
Jiménez.
Juan Ramón Jiménez es un poeta español
que en un primer
momento, dada su precocidad perteneció a la
generación de
1914 y más tarde tomó parte en las filas
modernistas.
Los poetas modernistas tratan principalmente dos temas: uno
la exterioridad sensible, otro la intimidad del poeta.
Tema: sensación que le produce el atardecer ante un
río.
Argumento: en un atardecer y ante un río se
encuentra el
autor protegido por el paisaje teniendo sus últimos
pensamientos.
Estructura externa e interna: el poema está formado
por
estrofas de cuatro versos, cinco estrofas y dos de dos versos que
se repiten, son el "estribillo". Los modernistas utilizan
tanto las estrofas ya consagradas como nuevas y totales
invenciones o en otros casos, variaciones sobre las ya
conocidas.
Las estrofas riman el primer verso con el tercero y el
cuarto y el segundo queda suelto. La rima es
consonante. Se debe a una de las variaciones que utilizan
los escritores modernistas. El "estribillo", se repite
dos veces y es un pareado. Los versos son de arte mayor,
ocho sílabas.
El autor está utilizando la descripción de un
paisaje para
expresar sus sentimientos más íntimos.
Durante todo el
fragmento domina este tono, delicado, leve característico
de los
modernistas. Nos parece ese color, ahora, brillante,
luego matizado y esa musicalidad lánguida.
El poema está lleno de exclamaciones, pero no con un
sentido exaltado o violento sino con una serenidad que domina a
lo largo de todo el poema. Esta sensación de
serenidad
nos viene dada por adjetivos del tipo "dulce", "olorosa",
"leve"... Uso frecuente de la partícula
interrogativa
¡qué! Utiliza en muchas ocasiones las formas
no personales
del verbo.
El color, antes mencionado "verde", "violeta"... La
naturaleza "rodea" todo el poema, así el "sol", el
"río", "la
madreselva".
Este sentimiento de tranquilidad que siente el escritor
sabe expresarlo con tal perfección que el lector se siente
invadido por él. Para hacernos sentir la
sensación que él
pretende utiliza una serie de recursos literarios como son: las
exclamaciones, la aliteración, los
epítetos.
Miguel de Unamuno novelista.
Unamuno pertenece a la Generación del
98.
En la trama de la novela "La verdad sobre el caso Savolta
el personaje de Vázquez Ríos juega el papel de
policía que
investiga el caso y Pajarito de Soto es un intermediario que "sin
comerlo ni beberlo" se ve involucrado en los hechos, esto es lo
que se pensará al principio.
Vázquez Ríos, hombre nacido en Málaga
se introduce en el
cuerpo de policía. Trabaja primeramente en
Valladolid y
después, debido a un ascenso es trasladado a Zaragoza y
posteriormente a Barcelona, donde tuvo la oportunidad de trabajar
e investigar todos los sucesos que configuran el hecho conocido
con el nombre de "La verdad sobre el caso Savolta". El
principal "sospechoso" será Pajarito de Soto que ya era
personaje
conocido debido a su aparición en un periódico de
obreros.
Este fragmento constituye un documento judicial, sellado
por el tribunal y firmado y jurado por el declarante. En
él, el ex-comisario Alejandro Vázquez Ríos
cuenta el trascurso de
su vida profesional hasta que llega a ocuparse de los hechos del
"caso Savolta", y cómo obtiene sus primeras noticias sobre
"el
Soto".
Literatura
Comentario de texto poético.
Este comentario pertenece a Juan Ramón
Jiménez y a una de
sus primeras etapas, correspondería a la etapa sensitiva y
dentro
de ésta a aquella que tiene claras connotaciones
modernistas.
Para llegar a esta conclusión me he fijado en el
poema,
viendo claramente las características principales de esta
época.
Su tono es sosegado, sin ninguna preocupación
trascendental. Los escenarios que utiliza son claramente
modernistas en senderos junto a un melancólico
río. Un
hombre a caballo y no un hombre cualquiera sino el poeta.
Destaca ante todo la belleza formal la adjetivación
desmesurada, multitud de adjetivos calificativos, ejemplo:
tranquilidad, inclusión en este caso, hasta denota
nuevamente
este adjetivo con otro denominando a la tranquilidad de
maleta. Nuevamente aparecen adjetivos dulce, olorosa,
(refresca), leve, tranquilidad, doliente, embalsamado, dorando,
este adjetivo es muy típico de esta época los
colores oro, el sol
la luminosidad, junto con otros colores como el violeta.
Métrica en octosílabos, podría
tratarse de una estrofa
popular, ya que vemos que existe un estribillo que se repite, al
comienzo y una rima es a, b, a,b, y al final.
También vemos otros dos versos que se reiteran entre
estrofas y que riman entre sí.
Es un poema muy sensorial transmite numerosas sensaciones,
gracias sobre todo a lo magnífica
adjetivación.
Hay también varias alusiones al mundo vegetal, algo
muy
modernista, alude a los olores selva y a su embalsamador y
cómo
no el escenario más modernista, con la parte del
día que más ha
sido utilizada por todos los autores inscritos a esta tendencia
el o como aquí la denomina, utilizando una
personificación "el
último pensamiento del sol".
Pero no solo encontramos esta personificación, sino
que
muchas más, como ("tranquilidad violeta") cuando nos dice
que
deja "soñando a la orilla".
El poema tiene un leve ritmo ya que, esta lentitud que
producen estos versos sin concluir se nos asemeja a un tenue
trote, de ese caballo que porta al poeta.
En lo que se refiere a la métrica que corresponde a
las
estrofas intermedias, rimas. El primer verso con el
tercero y con el cuarto quedando libre el segundo lo que hace que
la estructura de la poesía no sea tan
arquitectónica ya que rompe
la unión entre las rimas y le da un tono más
abierto resultando
la composición de audición agradable y equilibrada
en su
interior.
Miguel de Unamuno novelista.
Nace en Bilbao pero su vida transcurre en gran parte en
Salamanca, a la que dedicará grandes poemas.
En lo que se refiere a su novela no se puede decir que sea
extensa, ya que, está formada por pocas novelas como, "La
tía
Tula" "Niebla", "San Manuel bueno y mártir" y
más...
Su vida está marcada por varios problemas que
serán temas
claros de su poesía, esta su poesía pasa por varias
etapas
El autor es europeísta, también optimista y
su poesía no es
de una gran preocupación psicológica ideal.
El autor se agarra a la religión como tabla de
salvación
para su problema existencial y sobre todo de la existencia de
otro mundo y de su mortalidad, es decir cómo ser
inmortal.
El problema es el de la personalidad Unamuno fue una
persona con verdaderas preocupaciones trascendentales así
obsesionado. Tiene varias obras que podemos encontrar en
estas etapas como San Manuel que correspondería a un
momento en
el que nos coloca a la religión como un camino falso,
lleno de
hipocresía y mentiras y diciéndonos que la
religión buena es
aquella que cada uno se crea en sí mismo.
En este libro también encontramos otros problemas
como el
de la inmortalidad y ser un hombre activo para no
perecer.
También el tema del suicidio, él es decir, la
tentación a
saber si hay algo después de la muerte. En este
libro se
identifica a san Manuel con Unamuno.
Esta obra despierta grandes preguntas, lamentablemente
retóricas, que nos dejan en un estado de ansiedad.
Otra
novela de Unamuno es Niebla, en esta se presenta claramente el
problema de la personalidad en Unamuno. El autor es
personaje a la vez y los personajes le hablan y le suplican que
no les haga desaparecer, en algunos casos, lo que comparemos con
Dios y la realización por él de nuestros
destinos.
Es un hombre marcado por grandes dudas existencialistas y
que dejará un gran legado, es decir, ha dejado un gran
legado
para su estudio.
Literatura
La novela de Unamuno.
En primer lugar, hablando de su pensamiento: Miguel de
Unamuno fue un hombre que sufrió toda su vida un drama,
una
angustia.
La agonía entre razón y fe. La lucha
entre su razón
y la fe. Unamuno desde niño recibió una
educación
católica, por parte de su madre.
Toda su familia era católica. Pero en la
2a época de su vida sufrió 3
crisis
Crisis sociopolítica. La crisis del
98 en
España, tema que siempre le afectó y le
importó.
Crisis por la muerte de su hijo Raimundo Genaro, con lo
cual formuló una pregunta a los teólogos: "si
ustedes dicen que
el pecado original mata al hombre ¿por qué mueren
los inocentes?,
pregunta que nadie le supo contestar.
A raíz de la muerte de su hijo, y otras causas, se
produjo
en él una crisis religiosa. Unamuno no
creía en la vida
después de la muerte. Su razón no estaba de
acuerdo con
su fe, y él no quería perder la fe, por lo que se
desencadenó así
la tormenta, el drama de su vida.
Su problema del existencialismo, muy relacionado con el
tema de la razón y de la fe.
Trata el tema de la vida, los temas vitales de la
España de
su tierra.
Le preocupa España, le duele España,
Castilla.
Características de la novela de Unamuno.
Es casi un ensayo filosófico, novelas aburridas en
las que
trata los temas que le preocupan, el existencialismo, la
angustia, el enfrentamiento.
Su novela no tiene retoricismos, metáforas, figuras
literarias, lo único que le importa es la finalidad de su
novela. Siempre hay una finalidad en todas sus novelas,
quiere transmitir su pensamiento.
La novela de Unamuno se puede considerar una novela
expresionista.
Ya sabemos que la principal característica del
Expresionismo, es que quiere transmitir una vivencia subjetiva
por medio de un símbolo, signo externo.
El Expresionismo dio sus mayores frutos en el arte, en la
pintura. Se puede poner de ejemplo el cuadro de Edvard
Munch, "El grito". Es una pintura de un personaje, con
una expresión de terror en la cara, gritando, y ese grito
es un
símbolo que trasmite la vivencia subjetiva de la
angustia.
Otros novelistas expresionistas pueden ser: Baroja, muy
importante, y también incluso Ortega y Gasset.
El Expresionismo surgió en contraposición con
el realismo,
aunque con algunas características similares, pero vamos a
centrarnos en la novela unamuniana.
Unamuno no se centra en paisajes, no describe paisajes, se
centra en las conciencias, en los dramas de las conciencias,
totalmente subjetivos.
Lo que Unamuno sí hace es tratar el fondo de la
forma, es
decir, la esencia subjetiva de estos dramas psicológicos
de
personas, sobre un fondo paisajístico que representa el
paisaje
anímico, el estado del alma.
También hay cierto autobiografismo en su novela.
Si
él trata de comunicar conceptos de su pensamiento, es
lógico
suponer que se representa con estos personajes.
Sus novelas más importantes:
"Niebla o nivola". Una obra totalmente
existencialista, un ensayo filosófico "Abel
Sánchez".
Recrea el tema bíblico con Caín y Abel y resalta el
personaje de
Abel.
"La tía Tula". El tema aquí es
original.
Trata sobre una muchacha casada que renuncia a su noviazgo y a
unos futuros hijos por cuidar a unos sobrinos
huérfanos.
"San Manuel bueno mártir". Es su obra
más perfecta
y más importante.
La única pega de esta novela es la insistencia de su
ego,
es uno de los personajes más egolátricos de este
siglo, junto con
Juan Ramón Jiménez, dijo de sí mismo: soy la
cabeza pensante de
España. (en el 98). Los era cierto, pero
resultan insoportables las personas egolátricas.
Estropeó
su mejor obra por esta manía, algo que ya veremos al
final.
En este libro hay unas características.
No hay un narrador omnisciente que habla en 3a
persona, como ocurre con las novelas realistas, hay un narrador
en primera persona, que es ángela Carballinos, y al final,
"la
metedura de pata" de Unamuno. ángela cuenta la
historia:
Como un relato, narra.
Al hilo del recuerdo, por lo que hay elipsis, saltos
narrativos.
ángela está angustiada al mantener en secreto
esta historia tanto
tiempo, a que pretende contarla, porque presenta para ella una
enfermedad. Es un acto de psicoanálisis, para
curarse, y
además, así puede aclarar los casos para juzgar el
acto de
beatificación de don Manuel.
El libro no tiene capítulos, sino
secuencias.
1-8: presentación de los personajes. Una
amplia
información sobre don Manuel y una presentación de
ángela
Carballinos y otros personajes.
9 y 10: se descubre el drama existencial de don Manuel.
No cree en la resurrección, el mismo drama de Unamuno,
autobiografismo.
En la novela expresionista se conoce a los personajes a lo
largo de la historia, esto es sólo una pequeña
introducción.
Es en la novela realista donde se empieza con una larga
descripción de todos los detalles de cada
personaje.
11-2: lucha Lázaro - san Manuel.
Lázaro representa la historia, el progreso, la
cultura, la
técnica san Manuel representa la intrahistoria, la
naturaleza, la
ignorancia, la sencillez. San Manuel prefiere que su
pueblo no se culturice, que sigan ignorantes, porque los cultos
del pueblo, él y Lázaro, no creen, dudan, es el
resultado de la
cultura.
Al final "gana" san Manuel y Lázaro se
convierte.
En la secuencia 20 muere san Manuel y
Lázaro le
sigue, Lázaro realiza su labor. Es la
recreación del
pasaje del Antiguo Testamento en que Moisés (san Manuel)
encarga
a José (Lázaro) que siga su labor y lleve a su
pueblo a la tierra
prometida.
21-22: Lázaro toma el relevo y el pueblo sigue
estando en
la felicidad de la ignorancia. Unamuno quiere
comunicarnos así que al final de su vida opta por la fe,
para ser
feliz, ya no le da más vueltas al tema.
23-24: ángela explica las razones de que cuenta esta
historia.
25: Unamuno se mete para contar la fórmula tan
sobada de
los papeles encontrados, para resaltar que este es su pensamiento
al final de su vida, pero es un error, los lectores no somos tan
tontos como para no darnos cuenta de ello.
san Manuel
Lázaro 2o Unamuno
san Manuel - Jesús,
Lázaro - el resucitado,
ángela - ángel mensajero
Simona (madre de Lázaro y ángela) -
Simón Pedro,
fisencilla Blasillo el bobo - pueblo ignorante.
lago montaña - duda (san Manuel)
reflejada en el lago duda
árbol fe (el pueblo)
fe fuerte olvido
nieve frialdad pureza
En esta obra se encuentra todo el drama unamuniano.
La poesía de Miguel Hernández.
Miguel Hernández en cuanto a su
creación.
Tiene influencias barrocas, gongorinas. Es un
autodidacta, dejó de estudiar a los 14
años, y no volvió
a ninguna clase de colegio o instituto, leyó mucho, y
sobre todo
a los barrocos.
También tiene influencias de 27, los
autores del
27, sino amigos y maestros que a su vez homenajean al
barroquismo de Góngora, el Culteranismo, y el Conceptismo
de
Quevedo.
Los del 27 vieron en Miguel Hernández un
diamante
sin pulir, era bueno, mejor que muchos de ellos.
Una característica muy importante en su obra, los
elementos
nucleares verbos y sustantivos. Miguel Hernández
tenía un
gran talento para encontrar la palabra justa, clave, para darle
el máximo significado.
La esencia de sus poemas.
Realmente, la poesía de Miguel Hernández
tenía mucha garra,
pero se agarraba más al corazón que a la cabeza,
una poesía
profunda, como la de Lorca, pasional (Lorca era intimista pero no
con esa pasión).
En cuanto a su publicación.
Miguel Hernández tuvo una vida muy agitada, siempre
huyendo, a salto de mata, y además siendo pobre no
tenía dinero
suficiente para publicar sus obras.
En vida vio publicadas 3 obras, pero más
del doble
quedó en carpetitas, poemas que no publicó por
miedo a no ser
bueno, por falta de dinero o por falta de tiempo o
tranquilidad. Etapas de su obra.
Su primer libro publicado "Perito en lunas". Un
libro barroco y gongorino. Este libro lo escribió
a su
vuelta de su primer viaje a Madrid. Su amigo Ramón
Sijé
le consiguió trabajo de ayudante de un abogado (en donde
nació,
Orihuela, Alicante) y allí publicó este libro, con
la ayuda
económica proveniente de las mismas personas que le
costearon su
viaje a Madrid, en busca de un rumbo en su vida literaria (el
sacerdote Luis Almarche, el padre de Ramón Sijé,
etcétera...).
También encontró el amor, noviazgo con una
modistilla,
Josefina Manresa.
Más tarde vuelve a Madrid, triunfante con su libro,
y
vuelve con sus amigos del 27, que le reciben con los
brazos abiertos y le encuentra un trabajo como redactor de una
enciclopedia de toros.
Está escrito con con octavas reales.
Poco después muere Ramón Sijé, y le
dedica una elegía, famosa dentro de su obra.
Josefina
quiere que vuelva a Orihuela y se casen, pero Miguel no quiere
volver, y menos aún al morir uno de los mejores amigos de
su
vida.
Su siguiente obra fue el libro "El rayo que no cesa", que
publicó ya en Madrid, un libro de sonetos, en el cual
posteriormente ha sido añadida la Elegía a
Ramón Sijé, como un
pegote, ya que su obra, de las carpetas sin publicar, ha sido
añadida a estas obras y se han formado otras, "a
pegotazos".
En esta obra hay pasión intimista es una obra
culminante,
aquí aparece su garra, muchos elementos nucleares, poca
adjetivación.
Miguel Hernández también se unió al
empezar la guerra,
junto con Alberti, a los comprometidos republicanos con la
pluma. Una de sus obras comprometidas "Viento del
pueblo". Compromiso del pueblo. Un libro que
él
no vio publicado en vida fue el Romancero de ausencias, que
él
escribió en la cárcel.
A pesar de las advertencias de Alberti, Miguel
Hernández
decidió irse a ver a su mujer, y después a
Portugal.
Antes había sido arrestado y había estado en
la cárcel un
mes, y por la intersección de Pablo Neruda y otros...
salió de la
cárcel, pero ya estaba fichado como peligroso.
Salió
principalmente porque Franco dijo: ¡No!, ¡otro
Lorca
no!. Así que Miguel decidió irse a ver a
Josefina.
Mientras él escribía Viento del pueblo tuvo una
"escapada" a
Orihuela, y se casó con ella, dejándola embarazada,
pero el bebé
murió y fue un duro golpe para ellos.
Ahora volvió a dejarla embarazada, y esta vez el
niño
consiguió vivir.
Miguel Hernández se fue a Portugal, y allí la
policía lo
detuvo y fue encarcelado en España como le advirtió
Rafael
Alberti. Miguel Hernández pasó por muchas
cárceles
españolas porque no debía ser muy
dócil.
Al final de su vida, enfermo de tuberculosis y sin
atención
médica, fue trasladado a la cárcel de Alicante para
poder ver a
su mujer y a su hijo. A su niño le dedicó
el hermoso
poema de las "Nanas de la cebolla" cuando su mujer le dijo que
ella sólo comía pan y cebolla, así que el
pobre niño mamaba de la
cebolla.
Este es un poema pesimista de Miguel Hernández.
Habla del tema tan importante de las tres heridas: vida, muerte y
amor.
Trata con pesimismo el tema del presente y del futuro de su
hijo, y evoca la felicidad de la ignorancia. Un poema
lleno de ternura y tristeza. Son 12
seguidillas.
Literatura
Este fragmento de la obra "Luces de bohemia" de
Ramón María
del Valle-Inclán, nos narra uno de los encuentros con
otros personajes del libro, en este caso los modernistas,
en el paseo por el Madrid suburbial de Max y don Latino.
Ya en este fragmento se observa claramente el tema de la
obra completa. Lo que Valle-Inclán realiza es un
dura
crítica sobre la situación precaria en la que se
encuentran las
clases más bajas y abandonadas por la sociedad.
Esta
situación de la sociedad se debe a una serie de razones
por lo
que hay que hablar de la guerra de 1898. En esta
guerra España pasa de ser una de las grandes potencias a
perder
todas sus colonias lo que provoca una crisis profunda los
intelectuales jóvenes de la época reflejan en sus
obras esta
crisis y además sienten la obligación de dar
soluciones.
Así, aparece la Generación del 98 a la que
pertenece
Valle-Inclán. Para que se forme la
generación tiene que
darse tres aspectos.
Que haya un acontecimiento importante como en este caso es
la guerra.
Que haya un autor que actúe como maestro y portavoz
de
todos ellos como es el caso de Unamuno.
Que no haya gran diferencia de edades entre ellos.
Otros grandes escritores que pertenecen a la
Generación del
98 son Antonio y Manuel Machado, Lorca,
Unamuno...
La Generación del 98 tiene como
característica
principal la intención de apertura de España hacia
otras culturas
europeas pero a su vez preservarla de la
tradición.
Como vemos en el texto, Valle-Inclán tiene
influencias
modernistas. Además no se entiende el 98
sin el
movimiento literario paralelo que es el Modernismo. El
Modernismo tiene una visión más escapista de la
situación que la
Generación del 98. Se preocupan de la
forma de
sus obras aunque nunca abandonando su contenido.
Características del Modernismo son el cosmopolitismo que
coincide
con la Generación del 98, influencia francesa con
el uso
de dos corrientes como son el Simbolismo y Parnasianismo.
Se inspiran con autores franceses como Rimbaud, Baudelaire y
Verlaine. También tienen influencia italiana y
surge un
movimiento, el Prerrafaelismo.
En conclusión podemos decir que tanto
noventayochistas como
modernistas se preocupan sobre la situación de
España y centran
su pensamiento en ella.
La obra está escrita en un contexto histórico
de gran
inseguridad. En esta época preside el gobierno
Eduardo
Dato. Es una época también de gran
inestabilidad
económica. Todo ello se verá reflejado en
la obra con una
serie de contradicciones.
En el mismo título de la obra ya vemos esta
contradicción,
una gran dicotomía pues Bohemia se refiere a la ciudad
donde se
fabrica el brillante y lujoso cristal pero a su vez la bohemia de
los suburbios aparece. Vemos en el texto la
aparición de
una serie de personajes. El problema de este libro con
los personajes es que Valle-Inclán se refería a
personajes reales
de la época conocidos por todos que no necesitaban
explicación
ninguna pero que a nosotros se nos escapan los detalles.
El personaje principal es Max Estrella que tiene un gran
paralelismo con el personaje real Alejandro Sawa tanto Max como
Sawa son ciegos. Aquí vemos también la gran
audacia de
Valle-Inclán al poner a su personaje personal ciego y es
en
realidad el que "ve" todo el problema de la situación.
Ambos tienen una esposa francesa que a veces no habla bien el
español y comete incorrecciones en la obra ("eso
sería
bien").
Max Estrella junto a don Latino, su alter-ego pues va
siempre junto a él para que Max se lleve la
importancia.
Así vemos la frase que pronuncia en el fragmento
("aquí solo
hablan los genios"). Ambos dan un paseo por el Madrid
nocturno. Aquí habría que referirse a Dante
pues
Valle-Inclán, al igual que en "La divina comedia Dante da
un
paseo con Virgilio por el infierno y el purgatorio, lleva a sus
personajes por un similar de viaje dantesco donde también
concluyen en la decadencia de Max que podría representar
la
decadencia de España.
Dorio de Gadex es un personaje real de la realidad.
Los modernistas durante toda la obra, al igual que en este
fragmento aparecen como un coro repitiendo las palabras de
Max.
Valle-Inclán en su obra hace referencia a Goya en
sus
cuadros de la última época en los que deforma la
situación para
resaltar la realidad. Así, Valle-Inclán
produce el
esperpento que también es una deformación de la
realidad.
Es como si se observase uno en un espejo cóncavo.
La obra podría tener tres finales diferentes.
El
argumental que concluye en el final de la obra, el del personaje
principal que concluiría con la muerte de Max Estrella, y
el
último que concluiría en el único
capítulo donde Valle-Inclán no
aplica su esperpento que es su diálogo con el
preso.
Vemos cómo en el texto, refleja en Max Estrella, la
inmovilidad de los estamentos poderosos para mejorar la
situación
de las clases bajas al poner en boca de Max: "la Academia me
ignora" "¡Y soy el primer poeta de España!
¡Y
ayuno!"
Por último hay que decir que los personajes en el
texto se
expresan y se conocen por su léxico y forma de hablar.
Así, en este fragmento vemos que todos hablan en
función de
poetas y literatos.
También vemos con la frase "yo me siento pueblo" de
Max que
Valle-Inclán relaciona a Max con el pueblo.
Para concluir, hay que decir que una de las grandes
novedades que Valle-Inclán ofrece a la literatura es su
uso de
las acotaciones, en sus acotaciones, además de cumplir su
función
habitual de apoyo, adquieren más importancia. Son
un
plano independiente del resto. A veces son muy complejas
que son prácticamente imposibles de
representar.
Literatura
El texto que se va a comentar es un fragmento de la novela
"Pascual Duarte" obra perteneciente a Camilo José
Cela.
La obra se corresponde con la posguerra de la Guerra Civil
española. Así pues es característico
el malestar social
que se plasma en la novela. El protagonista, a su vez,
entra o forma parte del grupo de marginados sociales que suelen
llenar las novelas de esta época.
El protagonista de nuestra obra es Pascual Duarte, quien
escribe una especie de memorias desde la celda donde se encuentra
preso. En estas memorias da un repaso a lo que ha sido su
vida, valorando los hechos (digamos que es la única vez
que se
detiene a reflexionar sobre algo, ya que normalmente solía
actuar
por los impulsos). El fragmento recoge el momento en que
decide llamar al cura de la cárcel para confesarse.
Así
pues podría considerarse la intención de confesarse
como el tema
principal del texto.
En cuanto a la estructura el texto podría dividirse
en dos
apartados fundamentales. El primero abarcaría las
ocho
primeras líneas en las que Pascual hace una
descripción física y
psíquica del capellán. El segundo
abarcaría el resto del
texto donde comienza el diálogo con el cura.
En la descripción que hace del párroco es
fácil percibir el
sentimiento de simpatía que éste le inspiraba a
Pascual.
Así utiliza diminutivos con una doble función: por
un lado
señalan la menudencia e insignificancia del individuo; por
otro
muestran ese afecto hacia el personaje ("curita").
Asimismo utiliza en su descripción una serie de adjetivos
calificativos con un sentido positivo de su persona ("bondadoso,
caritativo...").
Se observa, además una gradación en la
presentación del
personaje. La primera vez que lo nombra utiliza la
palabra "curita viejo", seguidamente hace uso de una
aposición en
la que explica el nombre del cura, "padre Santiago
Lurueña", y ya
por último hace alusión a la función que
realiza de un modo
categórico, "es el capellán".
En la utilización de adjetivos es destacable que
suele
utilizarlos de dos en dos: "viejo y barbilampiño",
"bondadoso y
acongojado", "caritativo y raído".
En la enumeración de personajes que hace en el
segundo
párrafo existe nuevamente otra gradación que va de
mayor a menor:
"un centenar de asesinos", "media docena de guardias", "dos pares
de monjas". Esta gradación afecta tanto a la
cantidad
numérica como a la consideración de los
sustantivos.
Al comenzar el segundo apartado es apreciable una
diferenciación del matiz, ya que abandona la
narración
descriptiva para acoger el diálogo, aunque intercala dos
veces la
narración.
La actitud que adopta Pascual ante el capellán es
una
actitud de reverencia y respeto. Esto se observa en la
última oración del primer apartado ("cuando
entró lo recibí de
pie") así, el cura entraría dentro del reducido
número de
personas ante los que el protagonista siente respeto a la vez que
afecto (así el rector de la cárcel o su segunda
esposa,
Esperanza). Como consecuencia domina en Pascual el
sentimiento de timidez, al considerarse ante personas más
sensibles que él. El mundo en que se desenvuelve
Pascual
está lleno de violencia. Por consiguiente este es
el
único lenguaje que conoce y que además necesita
para sobrevivir.
Este ambiente rara vez le muestra afecto, cariño y
comprensión, y
cuando alguien lo hace Pascual se muestra sorprendido,
tímido, a
la vez que agradecido.
El lenguaje que utiliza es un lenguaje coloquial,
correspondiendo a la categoría social del individuo.
Una
muestra de ello es la utilización del pronombre personal
("yo lo
llamo" "yo estoy también contento" "él se
acercó..."). En
el diálogo, Pascual responde de una forma
automática, respuestas
breves y normalmente repitiendo aquello que antes dice el
cura:
"Me dicen que me llamas.
Sí, señor; yo lo llamo".
Esto nuevamente refleja la dificultad que supone para
Pascual expresarse. En contraposición el
capellán utiliza
un lenguaje más elevado, lleno de metáforas y
simbolismos, ante
el que el protagonista se siente inferior. En
consecuencia ya hemos dicho que se limitará a repetir y
afirmar
lo que dice el cura.
Las dos veces que vuelve a introducir la narración
junto al
diálogo, alude a detalles referente al afecto. La
primera
cuando el sacerdote lo besó ("me besó en la
frente"); la segunda
cuando le sostenía la mano mientras le hablaba, en actitud
paternalista ("me tenía la mano cogida con
cariño...").
En cuanto al uso de oraciones estas suelen ser oraciones simples,
generalmente coordinadas copulativas, enlazadas por medio del
nexo "y" ("... hasta mí y me besó...") así
existe un escaso uso
de la subordinación, que aparecerá exclusivamente
en las
intervenciones del sacerdote ("... al hijo pródigo que
vuelve").
Literatura
Este texto de Federico García Lorca pertenece a su
obra "La
casa de Bernarda Alba". ésta sigue la forma
tradicional
de división en tres actos, los cuales se corresponden
sucesivamente con planteamiento, nudo y desenlace.
Observamos en el texto cómo se hace referencia a
realidades
extraescénicas como: "él me lleva a los juncos de
la orilla",
precisando así el ámbito de las acciones.
De esta forma
Lorca consigue dar mayor verosimilitud al diálogo.
El texto, al igual que toda la obra, se presenta como una
confrontación de personajes, en la que cada personaje
consigue
fortalecer a su "contrario". De esta manera Adela, en la
que se identifica la libertad y la verdad, queda fortalecida por
Martirio, y viceversa.
Adela es uno de los dos personajes que no se someten a la
represión que Bernarda es decir su madre, les quiere
imponer;
esto lo podemos apreciar cuando Adela dice: "ya no aguanto el
horror de estos techos...", aquí la palabra "techos" tiene
connotaciones negativas, es algo que les impide salir y lograr
esa libertad deseada. Frente a esta represión, "la
casita" que anhela Adela es símbolo de libertad, al igual
que
cuando afirma: "él me lleva los juncos de la orilla", es
decir él
le da esa libertad representada en la orilla, por donde el agua
del río corre libremente. Por tanto, aquí
el agua,
símbolo de la vida, al ser del río, tiene
connotaciones
positivas, de libertad.
Frente a la sinceridad de Adela nos encontramos a Martirio,
cuya principal idea es la de que Adela no exprese sus
sentimientos, es decir no diga la verdad, esto se ve en
expresiones tales como: "¡Calla!", "no levantes esa voz que
me
irrita". Aunque ella también desea la libertad, el
miedo
a su madre hace que no se atreva a decirlo.
En Adela veremos sin embargo cómo sus sentimientos
son tan
poderosos que pueden con todo: "a un caballo encabritado soy
capaz de poner de rodillas con la fuerza de mi dedo
meñique".
Frente al "caballo encabritado", símbolo de los
impulsos
contenidos, tenemos a una Adela que desafía a su madre y a
cualquier persona o cosa que se le oponga: "la que tenga que
ahogarse que se ahogue".
Sin embargo, como se puede apreciar no es ninguno de los
personajes presentes en escena el verdadero protagonista, sino
que el verdadero catalizador de las acciones, es Pepe el Romano:
"Pepe el Romano es mío, "seré lo que él
quiera que sea".
En muchas de estas expresiones advertimos la sumisión
femenina en
un mundo eminentemente masculino.
Afirmamos al principio que Lorca busca la verosimilitud a
la hora de precisar las acciones, de ahí que utilice un
lenguaje
fácilmente identificable por el lector, es decir un
lenguaje que
se aproxima en gran medida al coloquial, de ahí que
utilice
principalmente la yuxtaposición y coordinación,
eludiendo la
subordinación compleja.
De igual forma utiliza exclamaciones tajantes como:
"¡Calla!", "¡No será!", frases hechas: "cuando
le venga en gana",
"ya no me importa" e hipérboles: "eso no pasará
mientras yo tenga
una gota de sangre en el cuerpo". Lorca sin embargo elude
la utilización de vulgarismos propios de las obras
burguesas.
Aunque García Lorca intenta un acercamiento popular,
no hay
duda de que es un autor culto, ya que el mensaje que transmite es
completo, sin dubitaciones ni contenidos sin importancia como en
el lenguaje coloquial. Además muchos de sus
recursos
estilísticos así lo demuestran, como el simbolismo
antes
mencionado. Sin embargo, la combinación de estos
dos
planos, está perfectamente lograda, esto es lo que se
denomina
realismo poético.
El gusto de Lorca por lo popular es algo constante en toda
su obra, no sólo por participar en el grupo del
27, sino
por tendencia personal. Así mientras todos los
autores
del 27 pasan por una etapa llamada neopopularismo, donde
expresan su gusto por lo popular, que les llega como influencia
de Antonio Machado y de la Generación del 98;
este gusto
en Lorca va a ser siempre constante. Se acercará a
la
vida cotidiana del pueblo como aquí ocurre al hablar del
adulterio: "y me pondré la corona de espinas que tienen
las que
son queridas de algún hombre casado".
Por último, decir que el autor sigue el orden
cronológico
tradicional: presente, pasado y futuro.
Y que Adela al decir lo que piensa será castigada
con la
muerte, algo que nos hace pensar hasta qué punto es la
sociedad y
sus injusticias la culpable de su muerte. Las leyes
sociales impuestas cumplen en la obra el papel del "fatum":
destino irrenunciable. La libertad individual entra en
conflicto con la colectiva, éste es uno de los temas
predilectos
de Lorca y lo expresa en ésta su obra: "La casa de
Bernarda
Alba".
Literatura
Ramón J. Sender, "Réquiem por un
campesino".
Tres años de enfrentamientos entre pueblos de una
misma
nación pero de distinta ideología, fueron causa
suficiente para
la aparición de numerosos libros que trataban ese
conflicto
social acaecido en España de 1936 a
1939.
Ante tanto dolor, muerte, sangre, pérdidas de amigos y
familiares, ¿cómo quedarse en silencio y no plasmar
esa situación
en una obra?
Ramón J. Sender no guardó silencio y
escribió esta obra
que, junto con "El Quijote" de Cervantes, ha sido una de las
obras más publicadas a lo largo de toda la historia de la
literatura española. Apareció en un
principio con el
nombre de mosén Millán, pero el autor pensaba que
sería más
apropiado el nombre de "Réquiem por un campesino
español", ya que
la obra podría ser reflejo de miles de españoles
que corrieron la
misma suerte que Paco el del Molino (protagonista de la obra,
junto con mosén Millán).
Para situar la obra dentro de la producción
literaria de
Sender tendríamos que dividir ésta en tres
períodos:
Obras que aparecen hasta 1936; las que se
encuadran en el período que va desde ese año hasta
1956
y la última, que se extiende desde este último
año hasta su
muerte. La aparición de "Réquiem..." tiene
lugar en este
último período.
Sin duda alguna, una de las características
más destacadas
de la obra es su estructura. No se encuentra separada en
episodios, como era lo normal hasta poco tiempo antes, sino
mediante secuencias, con respeto a su estructura interna Sender
se nos presenta como un verdadero innovador: dividirá la
obra en
8 secuencias que hacen referencia al pasado y 9
que se referirán al presente. Las del pasado
harán que
mosén Millán nos presente los hechos acaecidos en
un pueblo (del
cual no nos da el nombre). Estas secuencias del pasado
tienen un desarrollo del pacto en cuanto al tiempo, un tanto
irregular. Pero antes de introducirnos en archivar las
secuencias del pasado y del presente, es conveniente presentar,
en breves líneas, el argumento de la obra:
Narra la represión que en un pequeño pueblo
tuvo la Guerra
Civil española. El relato es narrado por
mosén Millán,
cura de dicho pueblo (aunque en determinados momentos de la obra
aparece la voz de este (del pueblo), mediante un romance recitado
por el monaguillo e incluso la voz del propio Sender, comienza
recordando su relación con Paco el del Molino, desde su
infancia;
su bautizo y su boda, para terminal relatándonos su muerte
también, muerte de la que el propio mosén
Millán se sentirá
culpable. Una vez que conocemos, a grandes rasgos, el
argumento de la obra podemos situar el fragmento que estamos
comentando: por el romance (parte del mismo) podemos comprobar
que Paco ya ha muerto. Se sitúa, por tanto al
final de la
obra, cuando ya todo ha sucedido y el peso del recuerdo carga
sobre mosén Millán.
La narración de los recuerdos (escenas del pasado)
es más
prolija al principio de la obra. Mosén
Millán se recrea
en los recuerdos del bautizo de Paco, de su relación con
él, de
la visita a las cuevas, de su boda. Pero
prácticamente a
partir del regreso del viaje de novios de Paco el relato no es
tan detallista, son recuerdos que atormentan al cura.
Con las ideas de la República, que llegan al pueblo
el día
de la boda de Paco, los habitantes ven una salida al problema del
arrendamiento de las tierras del monte, que están en manos
del
Duque que apenas va a visitar dichas tierras. Con estas
ideas llegadas, Teno ve la posibilidad de acabar con esa
situación y mejorar las condiciones de las gentes que
viven en
las cuevas. Así vemos como Paco se convierte en la
esperanza del pueblo.
Por otro lado Mosén Millán se
presentará como un personaje
insurrecto, que no duda en acabar con las injusticias y que
acepta esta situación (carácter que choca
totalmente con las
ideas de Paco). Paco tras las matanzas que tienen lugar
en el pueblo, escapa a las afueras y se esconde.
Mosén
Millán se enterará de dónde está
escondido y lo dirá a los
soldados que tienen ocupado el pueblo. Esto
significará
un peso definitivo para la conciencia de mosén
Millán, que se
verá como culpable de la muerte de Paco.
Todas estas situaciones son recordadas en la
sacristía de
la iglesia y, como ya he dicho anteriormente, se van alternando
con las secuencias del presente. En ellas
aparecerán tres
personajes (que también son nombrados en el relato del
pasado) y
que, al igual que mosén Millán se sienten culpables
ante la
muerte de Paco, y, por este motivo quieren hacer (pagar) una misa
de réquiem por él.
Es importante destacar también en la obra las
distintas
narraciones que aparecen: mosén Millan en las secuencias
del
pasado, Sender que se nos presenta como un narrador omnisciente,
ya que sabe todo lo que sucede a sus personajes, e incluso (en
las secuencias del pasado) sabe cosas que el propio mosén
Millán
desconocía (por ejemplo cuando Paco y el otro monaguillo
juegan
en la iglesia, o dónde tenía Paco escondida la
pistola... o al
final cuando añade, cuando mosén Millán le
pregunta a Paco que si
se arrepiente dirá que "Paco no entendía por
qué mosén Millán le
preguntaba aquello). Hay que destacar también el
personaje del monaguillo. éste va relatando
mediante un
romance toda la historia. Con esto Sender quizás
pretende
no hacer monótono el relato y conocer también
qué opina el pueblo
de todos los sucesos que tuvieron lugar en unos días
(porque en
el pueblo el levantamiento no duró tres años, como
sí ocurrió la
Guerra Civil española).
Otro de los aspectos destacados de la obra es su
lenguaje. Sender ha utilizado unas formas muy sencillas,
claras, que hacen el texto accesible a todo el
público.
No existen cultismos ni expresiones complicadas que hagan el rato
de difícil comprensión; todo lo contrario.
El estilo es
llano, directo, y por este motivo, Sender no se detiene en
descripciones que desvíen el interés del
lector.
Con respecto a las descripciones que aparecen en la obra,
me parece que éstas se reducen, si mal no recuerdo, a dos
la
descripción de la sacristía y la descripción
de la cara de la que
será su mujer.
Por lo demás, quizás también
predominen en algunos momentos
los adjetivos, pero en el texto que comentamos no es el caso.
Tampoco debemos pensar que en el resto existe un predominio
de ellos, pero entre las pocas técnicas que utiliza,
éstas y los
compañeros, son las más moderadas (en
términos muy
generales).
En definitiva, la obra se presenta como una verdadera
innovadora en cuanto a su estructura interna, por la
división que
posee en distintas secuencias al igual que por su claridad (y
sencillez temática).
Opino que Ramón J. Sender ha sabido crear una
extraordinaria obra narrativa y que ha sabido reflejar en su
relato, aunque en un tiempo de varios días, todo el
sufrimiento,
la muerte y el dolor que padeció España durante la
Guerra
Civil. Igualmente es admirable su manejo del lenguaje,
porque aunque este es sencillo y llano (como ya he dicho
anteriormente) no cae en la vulgaridad ni es un lenguaje poco
cuidado, sino que ha sabido crear una obra trabajada y cuidada
con un léxico que llegue a todo aquel que lea su
obra.
Literatura
El tema de "La familia de Pascual Duarte" es esencialmente
rural. Ya en la Ilustración, y en el siglo
XVIII
y en el realismo del siglo XIX se ve un claro mayor
interés de la sociedad oprimida. Esto se vierte en
distintos tipos de pensamientos. La burguesía
opina que
todo está bien tal y como está, luego hay otra
concepción en la
que se critica a la sociedad pero no muy duramente y luego la de
la crítica con gran dureza. Camilo José
Cela hace una
dura crítica a la sociedad de su tiempo, y su obra "La
familia de
Pascual Duarte" sale a la luz en una época en la que la
burguesía
ganadora opina que el mundo está muy bien
construido.
Su obra ataca de lleno a esta concepción, por lo que
Camilo
José Cela tuvo muchos problemas con la censura.
Esta
crítica a la sociedad se puede ver claramente en toda su
obra. Tal obra está escrita de forma de novela
picaresca,
como "El Lazarillo de Tormes", ambas son autobiográficas,
es el
mismo personaje el que se expresa con sus palabras: "ayer me
confesé", "fui yo quien...". Esto da una gran
verificabilidad a la obra, y esto es lo que desea Camilo
José
Cela que esta crítica llegue en su totalidad al lector, a
la
sociedad; además para garantizar esto todavía
más Cela dice que
el texto ha sido modificado, ya que si no, no se podría
comprender cómo un hombre de baja cultura, pudiera
escribir de
una forma tan culta.
Hay una gran cantidad de detalles, que también se
daban en
"El Lazarillo de Tormes", y que dan una mayor verificabilidad,
así sea: "un curita viejo y barbilampiño", "un
centenar de
asesinos, media docena de guardias y dos pares de
monjas".
La consecuencia espacio, desengaño también se
da en las dos
obras, en la picaresca y en la de Cela.
A pesar de todo esto "La familia de Pascual Duarte no es
una novela picaresca, ya que mientras que el Lazarillo es amoral,
Pascual Duarte es inmoral; es decir, el Lazarillo conoce el
código moral pero no lo toma como suyo, sino que
interpreta el
mal y el bien a su manera, y Pascual Duarte conociendo el
código
moral, lo toma como suyo pero va en contra de él, por lo
que
acepta la condena al ser acusado, aquí se observa esto
cuando el
desea confesarse:
"¿Es para confesarte?
Sí, señor.
Hijo ¡me das una alegría!
Yo estoy también contento, padre."
Destaca el diálogo en este texto; anteriormente,
durante la
tradición se caracterizaban más los textos por la
narración -
descripción del autor, pero a medida que fue avanzando el
tiempo
fue ganando cada vez más un papel más importante el
diálogo, el
diálogo lo más cercano posible al de la realidad de
todos los
días, al coloquial, así aparece el cura con sus
temas peculiares
de la religión: "- y es dichoso de ver retornar a la oveja
descarriada", "la fe es como la luz que guía nuestras
almas a
través de las tinieblas de la vida", aquí aparece
una doble
antítesis entre "fe y vida" y "luz y tinieblas" el
diálogo está
muy cercano al coloquial, al que se expresa oralmente, pero claro
está, no es igual ya que en el oral los gestos son
fundamentales
y el escrito se carga de más precisión respecto a
las ideas que
expresa.
Se ve la necesidad de amor que tiene Pascual Duarte "me
besó en la frente. Hacía muchos años
que nadie me
besaba", "me tenía la mano cogida con cariño", esto
contribuye a
la crítica a la sociedad burguesa, ya que la
situación que tiene
Pascual Duarte, es la que le ha impuesto la dureza de la
sociedad. Camilo José Cela intenta acercar el
lenguaje de
la obra, al normal utilizado por su personaje, también
coloca a
éste en un lugar real que pueda ser totalmente verificable
por el
lector. Así Camilo José Cela no escribe
ningún cultismo,
ni ningún vulgarismo, aunque se ve la mano de un autor
culto,
todo está muy bien ordenado, expresado etcétera,
esto adquiere su
gran valor verificable, como ya hemos dicho anteriormente, al
decir Camilo José Cela que él ha retocado el
escrito de Pascual
Duarte.
Literatura
El pertenece a la obra de Camilo José Cela titulada
"La
familia de Pascual Duarte", este fragmento pertenece a uno de los
intervalos reflexivos que hace el protagonista. En estos
intervalos el autor nos adelanta acontecimientos que van a
ocurrir en un futuro, de esta forma crea un ambiente de
expectación hacia la obra por parte del receptor.
Esta novela fue la primera que escribió Cela, antes
había
publicado algunas poesías, pero sin importancia, fue
publicada en
1942, en plena postguerra, pero la obra se sitúa
en los
años anteriores a la Guerra Civil, y narra la vida de un
campesino, Pascual Duarte, al cual las circunstancias
ambientales: familia, sociedad, etcétera lo van a llevar a
realizar acciones violentas, irracionales, incluso llegará
a
matar a su propia madre.
En este fragmento Pascual Duarte, está en la
cárcel, pronto
morirá, será ejecutado mediante el garrote vil, por
lo que llama
a un cura, para confesarse.
Obra está dividida en documentos y memorias, estas
memorias
son las de Pascual Duarte ya que durante su estancia en la
cárcel
va a ir contando todos los acontecimientos y circunstancias que
lo han llevado a la cárcel, los documentos son cartas de
testigos
entre ellas una de un cura y dos de un guardia testigo de la
muerte de Pascual, también aparece una nota de
transcriptor: Cela
utiliza la técnica del manuscrito encontrado ya utilizado
antes
por otros escritores, también al darnos varios documentos
nos
ayuda a sacar una conclusión, ya que nos da diferentes
visiones
sobre el tema, de esta forma no sólo contamos con las
memorias,
del personaje puesto que sólo nos cuenta lo que le
interesa sino
también con los documentos. La obra, se divide en
tres
partes, en la primera nos introduce en su familia, su padre, su
madre, su hermana, un hermano pequeño, Mario el cual es
deficiente y su novia Lola.
De estos personajes va a ser su madre la que más le
va a
influir ya que va a ser una persona fría y no va a mostrar
ternura en ningún momento, esta parte acaba con un
intermedio
reflexivo. En la segunda parte, Pascual tiene un hijo,
pero este se muere, por lo que nuestro personaje entrará
en una
depresión muy grande, y se marchará de su casa,
cuando regresa,
su mujer se ha quedado embarazada del amante de la hermana,
más
tarde al morir su mujer Pascual se encuentra con el Estirao que
ese era el nombre, y lo mata, estará en la cárcel
durante un
tiempo. La tercera parte comprende desde que sale de la
cárcel hasta el final, es decir, hasta que asesina a su
madre,
aunque el desenlace final, es decir la muerte de Pascual la
conocemos a través de los testigos. Cada una de
estas
partes está dividida por intervalos reflexivos, este
concretamente pertenece al segundo intervalo.
El texto nos narra la experiencia que tiene Pascual Duarte
ante un sacerdote, poco antes de morir. él voluntariamente
lo ha
llamado para confesarse. Podemos ver aquí a un
Pascual
conformista, se conforma ante los acontecimientos, que van a
ocurrir está dispuesto a morir, "sí, padre, -y es
dichoso de ver
retornar a la oveja descarriada". "sí, padre. Se
puede
ver también cómo Pascual en el fondo es un hombre
cariñoso, al
cual las circunstancias de la vida, y el destino lo han llevado a
tal extremo. Por otra parte hace una descripción
bastante
subjetiva del cura. "vino un curita viejo y barbilampiño,
el
padre Santiago Sureña, bondadoso y acongojado caritativo y
raído
como una hormiga" con la palabra "curita" da un matiz bastante
irónico y no afectivo del cura.
Está narrado en primera persona. Ayer me
confesé, y
utiliza mezcla de lenguaje vulgar y lenguaje literario; ejemplo
del lenguaje vulgar, "barbilampiño, raído como una
hormiga",
también utiliza otras palabras o expresiones del lenguaje
literario oculto "la fe es como la luz que guía nuestras
almas a
través de las tinieblas de la vida".
El diálogo que aparece es un diálogo bastante
simple sin
expresiones largas:
"hola hijo: me dicen que me llamas".
Sí, señor, yo lo llamo.
Podemos ver una actitud de crítica hacia la
sociedad, "esa
misa que oyen un centenar de asesinos, media docena de guardias y
dos pares de monjas. Actitud bastante frecuente en Cela,
critica la sociedad de postguerra, pero sin poner en peligro la
publicación de la obra, ya que al situarla en la
época anterior a
la Guerra Civil puede expresar lo que siente sin autocensurarse,
ya que Cela trabajó de censor durante la
postguerra.
Con lo que respecta a la intención de Cela al
escribir esta
novela hay dos tendencias, una que cree que es una crítica
social, a la sociedad de postguerra, una sociedad donde las
posibilidades de cambio son nulas porque como dije antes la
sitúa
en unos años antes a la guerra. Hay otra tendencia
que
dice que es una novela ontológica, es decir, que narra, o
hace
reflexión sobre temas filosóficos sobre las
tendencias
irracionales que mueven al hombre, a acciones que no son propia
del hombre racional, en este caso Pascual Duarte, llega incluso a
matar a su madre, ya que el odio que siente por ella es superior
a sus fuerzas.
Cela ha escrito otras novelas, como "Viaje a La Alcarria"
en 1989 le dieron el premio Novel actualmente
está
escribiendo Madera de boj.
Literatura
Esta novela, "La familia de Pascual Duarte" supuso un gran
cambio dentro de la literatura española de la
postguerra.
Algunos críticos consideran a Cela como el precursor de
una nueva
tendencia, el tremendismo.
La novela se va a basar en la vida de Pascual Duarte,
personaje principal. En la obra se nos va a narrar toda
su vida; desde su infancia hasta su muerte a través de la
ejecución, centrándose en tres momentos cruciales:
su infancia,
su matrimonio con Lola y el asesinato de su madre.
La acción se va a desarrollar en un ambiente rural,
mostrándonos de este modo la sociedad española de
la época, una
sociedad anquilosada, estancada, que está sumisa en una
gran
pobreza y donde reina el analfabetismo, la prostitución,
etcétera.
Entrando ya dentro de la temática de la novela,
observamos
que el tema principal de este texto puede ser la ternura, una
ternura que el personaje muy pocas veces ha llegado a sentir en
su vida, ni siquiera en su niñez. Su infancia no
ha sido
en absoluto feliz y sobre todo ha visto que su familia nunca ha
sido lo que él hubiese deseado: su hermana a la que
quería mucho
era prostituta, su madre nunca se mostró cariñosa,
etcétera.
El tema de la ternura va a estar muy relacionado con otro
tema que aparece dentro de la novela, el amor, que va a ser como
una utopía, como algo inalcanzable para el personaje,
sobre todo,
porque nunca obtuvo el afecto que él tanto anhelaba, el de
su
madre. Sin embargo, a veces se nos va a mostrar a nuestro
personaje principal dentro de una postura muy afectiva, sobre
todo hacia su hijo (que murió) y hacia su hermana
Rosario.
Ejemplo: "me tenía la mano cogida con
cariño".
En la novela la temática general va a girar en torno
al
odio. Este odio va dirigido sobre todo a su madre porque
nunca se comportó como tal. El tema del odio nos
lleva a
otro que está muy relacionado con el primero, la
violencia, que
se va a mostrar tanto en nuestro personaje principal, que es muy
violento, como en la sociedad en la que vive que es quizás
demasiado cruel. La violencia va a llevar consigo una
consecuencia que se va a convertir en el 3er tema
principal y es la muerte. Este último tema va a
estar
siempre presente en la vida de Pascual, comenzando con la muerte
de su padre, la de su hijo, la de su mujer y los dos asesinatos
que realiza, el del "Estirao" y el de su madre. El
asesinato de su madre lo lleva a cabo porque es la única
salida
que tiene para poder librarse del gran odio que siente hacia
ella.
El último tema que podemos comentar y que aparece en
este
fragmento de la obra es el de la sociedad. Ejemplo: "que
oyen un centenar de asesinos, media docena de guardias y dos
pares de monjas". Claramente se nos muestra una sociedad
degradada, donde nadie sigue el "buen camino". Pascual no
lo ha seguido, pero considera que está más que
justificado ya que
él no lo ha hecho voluntariamente, sino que ha sido
impulsado por
el odio mencionado anteriormente.
Resumiendo podemos decir que el tema en torno al cual gira
el texto es la ternura que se refleja en el ejemplo mencionado
anteriormente: "me tenía la mano cogida con cariño,
apoyada sobre
la sotana".
Pasando a la estructura de la novela, hay que decir que se
compone de 19 capítulos y algunos documentos
escritos
como son dos transcripciones del autor, 2 cartas y parte
de un testamento. Dentro de estos capítulos,
3
de ellos son intermedios filosóficos, donde el autor
reflexiona
sobre lo que nos ha contado y nos introduce en la parte que sigue
para dar un cierto tono de suspense.
También podemos comentar que Camilo José Cela
utiliza la
técnica del manuscrito encontrado para dar mayor
verosimilitud a
la obra en cuestión pasando a ser el narrador el personaje
principal.
Respecto al autor, Camilo José Cela, decir que
nació en
Pontevedra y realizó varios estudios como Derecho,
Filosofía y
letras, etcétera y no llegó a terminar
ninguno.
Durante algún tiempo trabajó como censor y
por citar
algunas de sus obras podemos mencionar: "La colmena" (censurada
en España y publicada en Cuba ya que trata de la Guerra
Civil
española) "Mazurca para dos muertos", "Viaje a La
Alcarria" y
"Madera de boj" (aún sin terminar).
Por último hay que hablar de las técnicas
narrativas.
Utiliza descripciones que si se tratan de personajes son
subjetivas y que si se tratan de paisajes o lugares
subjetivas.
En el texto se puede observar la descripción de un
personaje, el padre Santiago donde al final el narrador introduce
su propia opinión: "bondadoso y acongojado, caritativo y
raído
como una hormiga".
Otra técnica que aparece es la del diálogo,
que se
caracteriza por ser muy breve, escaso de vocabulario y con
oraciones muy simples: ejemplo:
¿Es para confesarte?
Sí señor.
También aparecen otras técnicas como son las
digresiones
(el autor introduce un tema que no tiene nada que ver con la
obra) y 1 un monólogo.
Literatura
Este texto es un fragmento de la novela titulada "La
familia de Pascual Duarte", cuyo autor es Camilo José
Cela.
Dicha novela, junto con "Nada" de Carmen Laforet, representan
las dos primeras novelas de compromiso social
españolas.
Se trata de un drama rural, este interés por las
clases
desprotegidas aparecerá en la Ilustración.
Por otra parte
el XIX comparte también esta dedicación
mientras que el
98 realizará obras en las que tendrán
importancia el
mundo rural, efectuando críticas sobre el mismo.
Cela, es un autor culto como se puede apreciar a lo largo
del fragmento, puesto que todo contenido se encuentra
perfectamente ordenado, y su significado es completo.
También es destacable su apego a las formas
tradicionales. Bajo una aparente simplicidad, encontramos
una gran carga crítica dirigida a las clases burguesas,
esta
crítica se debe a las injusticias sociales (diferencia
fundamental con respecto a la comedia cómico-costumbrista
de la
época). Se puede destacar alguna semejanza de la
obra con
la picaresca, pero ya en el texto, encontramos una diferencia
fundamental entre ambos. Se trata del hecho de que
mientras que por una parte el pícaro se caracteriza por su
amoralidad, Pascual es presentado aquí caracterizado por
su
moralidad. Este llega a lo largo de la obra al
arrepentimiento por sus actos realizados.
En el texto podemos percibirlo de forma clara:
"hola hijo; me dicen que me llamas.
Sí señor: yo lo llamo".
Es aquí cuando busca el perdón (tras un
arrepentimiento,
como ya he afirmado) y la ayuda de Dios.
"¿Es para confesarte?
Sí, señor".
El personaje, es incluso relacionado con la figura del
"hijo pródigo" arrepentido, a través de esta
metáfora.
Hijo que "vuelve" (como se expresa en el texto), en este
caso que intenta escapar de una sociedad injusta y de una vida
llena de sufrimientos, para él, lo cual es presentado por
él
mismo como: "tinieblas de la vida". Tinieblas, elemento
negativo, del cual se sirve el autor, al igual de otros como
"asesinos" para expresar esta crítica en la que basa su
obra.
Para expresar esta triste e injusta realidad ha de utilizar
elementos negativos con los que llegará incluso al
feísmo.
Aquí podemos encontrar elementos que producirán
pesadumbre o
rechazo en el lector, tales como el sustantivo "asesinos" o ya el
propio hecho sobreentendido de su lugar en la
cárcel.
Cela, mediante el uso de diminutivos, pretenderá
atacar
directamente a la burguesía.
"curita", es un elemento que acerca a la verosimilitud
deseada por el autor, ya que el hecho de hacer verosímiles
los
personajes y los lugares del desarrollo de las acciones,
contribuirán a una mayor identificación,
también, del lector con
la crítica que subyace en el texto.
Otros rasgos de verosimilitud lo representarían
elementos
tales como la comparación: "... raído como una
hormiga".
También el uso de interrogaciones: "¿Es para
confesarte?",
así como el de exclamaciones: hijo ¡me das una
alegría! oraciones
incompletas: "Dios es muy bondadoso..." todo lo anterior
aportará
realismo. Al igual que una característica
fundamental, es
el decoro dramático. La utilización de un
lenguaje vulgar
no estará reñido con la manipulación
estilística típica de un
autor culto como éste. Ya desde el XVIII,
encontramos gran interés por este hecho.
Sería importante aclarar que los personajes se
encuentran
movidos por el fatum (el cual los lleva a un final inevitable),
pero en este caso, este fatum no se deberá a la fuerza de
una
divinidad, sino a la mala organización de la sociedad
(carga
crítica siempre presente).
Por lo tanto, el hecho de pertenecer a una sociedad en la
que predomina el odio y la violencia, podría presentar una
cierta
oposición con elementos y actos que tienen lugar en este
fragmento y que a Pascual le podrían resultar desconocidos
u
olvidados en su vida como él mismo afirmaría:
"hacía muchos años
que nadie me besaba".
El término "cariño" es relevante en el
texto. El
diálogo que aquí se presenta está
caracterizado por la ausencia
de retoricismos, y por la tendencia a la coordinación y
yuxtaposición.
"Dios todo lo perdona; Dios es muy bondadoso..." "... se
acercó hasta mí y me besó..."
Cela, tiende claramente a las formas populares. Se
sirve de la tradición (como ya ha sido señalado
anteriormente),
otra prueba de ello sería el hecho de presentar la obra
como una
carta encontrada, nos encontramos ante el tópico de la
humildad
renacentista: "tópico.
Por otra parte, habría que especificar que
anteriormente he
hecho referencia a una diferencia fundamental entre la obra y la
picaresca. Tras haber afirmado que existe relación
entre
ambas, la cual estriba en el hecho de que sus críticas
están
dirigidas a su base, así como la clara oposición de
pensamiento
con las clases dominantes.
Ya para terminar, sería importante destacar la
importancia
del monólogo interior en la obra.
Podemos conocer los hechos bajo el punto de vista de una
persona, por lo que es una buena forma de transmitir una postura
sociopolítica que de otra forma sería más
difícil
efectuar.
Literatura
"Luces de bohemia"
En primer lugar tenemos que decir que "Luces de bohemia" es
la principal obra de Valle-Inclán que se puede incluir
dentro del
esperpento, incluso nos define en esta misma obra qué es
el
esperpento (deformación grotesca de la realidad).
Valle-Inclán añadió en una segunda
edición de "Luces de
bohemia" tres escenas nuevas. En concreto estas escenas
son la 2a, 6a, 11a y todas ellas
tienen de común que aparece o se hace referencia del preso
catalán.
En cuanto a la estructura interna de la obra, la podemos
dividir en tres partes.
La primera parte es una introducción. En
esta parte
nos enteramos que Max (poeta ciego) ha sido despedido de su
trabajo. Max propone a su mujer y a su hija un suicidio
colectivo.
La segunda parte es el núcleo. Esta parte
nos narra
el recorrido de Max y don Latino por los diferentes ambientes de
Madrid. Esta segunda parte finalizará con la
muerte de
Max a las puertas de su casa.
En la tercera parte el velatorio de Max, y nos enteramos de
la muerte por suicidio de su mujer y su hija. Conectando
este hecho con la propuesta de Max de un suicidio colectivo en la
primera escena.
El texto propuesto pertenece a la segunda parte, en la cual
don Latino y Max recorren los distintos ambientes de Madrid en
una noche. Debemos tener en cuenta que el nombre de Max
Estrella es un nombre simbólico. Su nombre
significa "la
máxima luz", por lo tanto lo que Valle-Inclán nos
quiere decir es
que aunque Max sea ciego, es en definitiva el único que
"ve" la
realidad en un mundo donde todos viven engañados.
Quizás para darle fuerza a su personaje,
Valle-Inclán se
inspiró en un escritor ciego llamado Alejandro
Sawa.
En este texto podemos ver que Max Estrella muestra cierta
rebeldía. Este hecho lo podemos conectar con la
biografía
de Valle-Inclán ya que este fue siembre un hombre
inconformista,
incluso se consideró antitodo. Estas
circunstancias
provocaron un pesimismo existencial que lo podemos ver a lo largo
de toda la obra.
Para analizar el lenguaje de "Luces de bohemia" debemos
tener en cuenta dos aspectos fundamentales: las acotaciones y los
diálogos.
Las acotaciones sirven para describirnos el escenario, los
gestos de los personajes, etcétera. En el texto no
nos
encontramos ningún ejemplo de acotación.
Con respecto al diálogo, podemos observar que
predomina un
lenguaje vulgar donde aparecen insultos, por ejemplo en el texto
Max llama idiota a Dorio de Gadex.
Es característica la sencillez ya que las frases
suelen ser
breves y predomina la coordinación sobre la
subordinación.
Pero quizás lo más importante para analizar
sea la técnica
del esperpento. Esta técnica consiste en una
deformación
grotesca de la realidad. El esperpento lo podemos ver en
el texto cuando nos habla del Buey Apis refiriéndose a un
hombre:
ha deformado la realidad hasta tal punto que considera a ese
hombre como un animal.
Con el esperpento llega incluso a mezclar la realidad con
la pesadilla. Para terminar debemos tener en cuenta que
lo que ha pretendido Valle-Inclán con "Luces de bohemia"
es
darnos esa visión de un Madrid infernal. Para ello
recurre a varios ambientes, entre los cuales se encuentra el
mundo más marginal como puede ser el mundo de la
prostitución. Esta visión nos pone de
manifiesto un
pesimismo existencial que se puede ver a lo largo de toda la
obra.
Literatura
Valle-Inclán es un conocido dramaturgo
español del siglo
XX, concretamente su vida artística se desarrolla
en los
años anteriores a la cruel Guerra Civil
española. En esta
época también existen otros importantes
dramaturgos, entre ellos
destaca Federico García Lorca, autor que pertenece a la
Generación del 27. De este autor hay que
destacar su famosa obra "La casa de Bernarda Alba".
Contemporáneo a Federico García Lorca está
Valle-Inclán y "Luces
de bohemia", obra para ser representada y en donde se critica
duramente la vida social - política
española.
Esta obra tiene como protagonista a Max Estrella, un poeta
miserable y ciego que durante su última noche en vida nos
critica
el ambiente social - político, las costumbres... de los
españoles. Max muere en la obra pero no se sabe
con
exactitud si su muerte se debe al cansancio, a la vejez al
alcohol o bien si es que su corazón estaba agotado,
cansando de
soportar tanta injusticia y crueldad.
"Luces de bohemia" es una parábola trágica
donde se narra
la imposibilidad de vivir en una España cruel injusta...
en donde
no se da ni la honestidad, ni la nobleza.
Esta obra no se divide en actos, sino que presenta una
estructura mucho más original como es la división
de la obra en
escenas que aparentemente aparecen independientes, pero que sin
embargo estas escenas presentan, una serie de elementos que las
unen, como es la presencia de la muerte a lo largo de toda la
obra, el billete de lotería 5775 y sus
protagonistas que
como podemos observar aparecen en esta escena dando unidad a la
obra ya que narra todos los acontecimientos ocurridos a Max y don
Latino en una sola noche. El protagonista, Max Estrella,
es un personaje fantástico y complejo, en este personaje
se da
tanto lo trágico como el humor, lo justo como lo injusto,
junto a
su orgullo aparece la amarga conciencia de mediocridad.
Es un personaje en donde Valle-Inclán además de
presentar rasgos
de su propia personalidad, se inspira en Sawa, poeta
español que
como Max murió ciego y marginado, que como Max se
casó con una
francesa y que como Max tuvo una hija. En este fragmento
también aparece don Latino, el amigo inseparable de Max
que le
acompaña a todas partes y que como consecuencia de esto
Max le va
a llamar en una ocasión su lazarillo y su perro.
Es un
gran fantoche y según Vicente Zamora es la
contraposición de
Sawa.
En este fragmento aparecen otros personajes como Dorio de
Gadex y Pérez que en este caso son representantes del
Modernismo,
llegando a realizar Valle-Inclán una estupenda
crítica en contra
de este movimiento, como se aprecia en el diálogo de Max
cuando
dice: " ¡eso sí, mejores que los hacéis los
modernistas!".
En este caso Dorio de Gadex y Pérez. Aparece
una
crítica, en este mismo fragmento, dirigida a la Academia
de la
Lengua Española, al decir Max: "no lo digas en burla,
idiota. ¡Me sobran méritos" "la palabra
idiota es muy
frecuente en "Luces de bohemia" al criticar tanto a los
modernistas, como en este caso ya que esta palabra va dirigida a
Dorio, como para criticar a la Academia. Existen otras
muchas expresiones que critican a esta organización como
"¡Yo soy
el verdadero inmortal, y no esos cabrones del cotarro
académico!"
Como teatro que es, esta obra recurre a la técnica
del
diálogo, nombrando a los personajes y a
continuación lo que habla
cada uno de ellos. En este fragmento las oraciones que
dan lugar al diálogo son breves, unidas mediante
yuxtaposición
dando un gran dinamismo a la acción y expresa sus
sentimientos
mediante oraciones exclamativas, muy breves, expresando su
cólera
frente a esta organización o bien expresando
admiración por él
mismo como podemos ver en "¡El primero!, ¡El
primero! ¡Y soy el primer poeta de
España!". La
degradación de los personajes presentándose en
varias ocasiones
con rasgos de derimatización, cosificación es
propia del
esperpento, gran aportación por parte de
Valle-Inclán al mundo
literario y a través de ese esperpento se consigue la de
los
personajes o el hecho de que se presenten como verdaderos
fantoches. Esto se observa al llamar a uno de los
personajes de la obra Buey Apis, ridiculizando y
degradándole con
el calificativo de Buey.
En la obra Valle-Inclán consigue humor gracias a la
mordacidad o risa agria como puede ser el efecto que cause el
coro modernista con ¡Muera! ¡Muera!
¡Muera!
El arte del diálogo Valle lo consigue mediante las
magníficas
réplicas apareciendo en el momento oportuno como
¡No me
aburras con Ibsen!, ¡Calla!
¡Pérez! y el
propio coro de los modernistas con su ¡Muera!
¡Muera! ¡Muera!, frase muy repetida a lo largo
de toda la
obra con el diálogo pretende presentar la personalidad de
cada
uno de los personajes, así por ejemplo nos fijaremos en lo
que
dice Dorio con una serie de expresiones muy cursis, e incluso con
citas de hombres famosos como Ibsen reflejando en estas palabras
características propias del movimiento al que pertenece,
Modernismo, o incluso si nos fijamos en don Latino el cual si
dice algo es para elogiar a Max reflejando su actitud
hipócrita. En definitiva Valle-Inclán se
presenta como
uno de los grandes maestros en la variedad de registros, con un
lenguaje que puede llegar a ser muy superficial o muy profundo en
otras ocasiones.
Para concluir, decir que la finalidad principal de esta
obra es criticar la sociedad contemporánea de ese momento
y que a
través de este comentario he intentado
demostrarlo.