Historia del arte
Nos encontramos frente a la obra maestra de Diego
Velázquez. Las meninas o La familia de Felipe
IV, realizado en 1656, pintura del Barroco
español.
Se trata de un óleo sobre lienzo en el que se
encuentra la
familia real, en un primer plano.
La joven infanta Margarita rodeada de sus niñeras,
otras
cortesanas, y un perro. En un segundo plano el pintor
realizando un cuadro junto a él un espejo que parece
reflejar a
los reyes, y a su izquierda un observador tras una puerta
abierta. Velázquez plasma algo más de lo
que en un primer
momento se observa; que explicaremos tras analizar aspectos
técnicos y formales.
La composición existente, se muestra cortada en los
laterales, técnica utilizada por la mayoría de
pintores barrocos
para indicar algo más que plasmarlos. Parece ser
que la
infanta se encuentra en el punto central de la pintura, por la
luz que la ilumina, los personajes que la rodean,
etcétera, pero
trazando líneas diagonales para encontrar el punto
central, vemos
claramente que está sobre ella, y suponiendo que los reyes
son el
tema principal de la obra, se muestran desplazados de este, la
distribución de los personajes no es simétrica y
hay cierto
desequilibrio por el desconocimiento del personaje o personajes
principales.
Se observa cierto tenebrismo en la obra, la parte superior
muy oscura, casi negra con poca delimitación de los
elementos que
se observan vagamente, tales como cuadros, dos
lámparas..., y en
la parte inferior, solo se delimita claramente la figura de la
infanta por la clara luz que la refleja, los personajes
posteriores parecen inacabados con el juego de luz y sombra
existente, llamado contrapunto, las únicas luces que
aparecen
están en la parte inferior y en la final, luz que penetra
por una
puerta. La pintura realizada, parece monocroma, pues el
autor utiliza poca variedad de colores, siempre con la
técnica de
claroscuro, y pintando con el color, se observan pinceladas
precisas y decididas.
Velázquez representa a los personajes con una gran
naturalidad, de rostros muy expresivos y naturales se observa una
escena corriente de la vida cortesana. El rostro de la
infanta es muy delicado, muestra una gran dulzura.
Así
como su cuerpo, y su mano derecha apoyada sobre el
faldón.
Los otros personajes también tienen un volumen
corporal muy
real.
La perspectiva como ya comentamos anteriormente con la
composición, es muy original, punto que a pesar de los
estudios
realizados sobre el protagonismo no hay punto central, decisivo
que lo indique.
El cuadro nos hace partícipes a los observadores
puesto que
representa la puesta en escena de un retrato de los reyes que se
encuentran en nuestra posición de observador y se refleja
en el
cuadro mediante un espejo Velázquez que aparece en la
parte
izquierda del cuadro es el pintor que realiza el retrato y los
demás personajes ven cómo lo realiza.
Las meninas de Velázquez es probablemente la obra
que mejor
ilustra la corte de Felipe IV, y Velázquez uno de
los
pintores españoles más importantes del Barroco y de
todos los
tiempos.
Pintores barrocos italianos:
Carraccio
Caravaccio
Tiziano
Se observa en el Barroco muchas divergencias, entre los
muchos autores existentes, existen varias corrientes muy
diferentes entre ellas. La corriente propiamente barroca,
la naturalista y la realista.
Pero globaliza una misma plástica, la
plástica barroca que
se caracteriza por la luminosidad, la luz se subordina a las
formas, las técnicas son muy parecidas con el Barroco
español, el
color, la luz, la perspectiva, el volumen corporal, la
expresividad... no hay diferencias claras para determinar
diferencias.
Pero cabe destacar que el barroco español llega al
naturalismo, puesto que se observan rostros y cuerpos muy
naturales, en composición también muy
naturales.
Como hemos podido ver, con el análisis de la obra de
Velázquez las características de éste
coinciden con el barroco
italiano y aspectos técnicos y formales son
similares:
utilización de la luz, juego de luz y sombra que
determinan
formas vagamente, y un cierto tenebrismo
perspectiva lineal, con un punto central no correspondiente
al personaje o personajes principales, que desequilibra y da
proporción la composición.
colores casi monocromos, aunque hay mucha luminosidad en
algunas obras y otras no tanto.
pinta con el color y no hay línea definida que
continúe los
elementos.
volúmenes corporales reales, rostros expresivos y
muy
naturales, cabe destacar que en la corriente naturalista,
utilizaban como modelos de una obra religiosa o histórica
a
personajes totalmente reales, de la calle, que contrastaba
exageradamente con la idealización del
Renacimiento.
En pocas palabras, el Barroco español se asemeja al
italiano, por la gran influencia de éstos en nuestro
país.
Historia del arte
La pintura barroca española a diferencia de la que
encontrábamos en la escultura, tiñe la
plástica de grandes
autores.
En escultura, la tradición religiosa y las numerosas
procesiones ceñían a los autores a representar
imágenes
religiosas preferentemente de madera. En cambio en el
campo pictórico, la diversidad de corrientes y
técnicas nos
muestran variados autores Murillo, Valdés Leal, A. Caro,
Zurbarán
y Velázquez serán los cinco pintores sobresalientes
del
Barroco.
En la pintura de Murillo y Valdés Leal predominan
las obras
religiosas. Imágenes de vírgenes
idealizadas dentro de un
marco también idealizado, rodeadas de pequeños
ángeles y aureolas
tenues, con los pies descalzos descansan sobre nubes
blancas.
Esta pintura va a contraponerse con la de otros autores,
tanto nacionales como internacionales, en que el realismo de
rostros y situaciones aparece infinitamente opuesto a todo lo
anterior.
La pintura de Zurbarán y Velázquez en esta
pintura
realista. Dentro del Barroco encontramos diferentes
estilos y técnicas correspondientes a cada estilo.
El
naturalismo que coge modelos de la realidad para representar
hechos históricos y religiosos; el realismo, que pinta los
elementos de la realidad sin olvidarse de lo feo, de lo deforme,
de lo cotidiano, la tendencia barroca, con el tenebrismo como
principal característica; el academicismo, que sobre todo,
representará retratos de la época.
En España, Velázquez será el
máximo representante de la
corriente realista, influido evidentemente como barroco que es,
por otras técnicas como el tenebrismo, que encontramos en
muchas
de sus obras.
Velázquez y su pintura pasará por diversos
periodos, el más
importante de los cuales, es el periodo sevillano donde el autor
pinta cuadros como "El aguador" o la "Vieja vendiendo
huevos".
En sus etapas posteriores Velázquez conocerá
la pintura de
Caravaggio, la cual le inspirará en sus, pinturas.
En
general, los autores italianos como Caravaggio y Carroggio
serán
los grandes maestros para nuestros pintores, y los modelos a
seguir y a imitar.
Velázquez siguiendo la técnica realista que
él escoge,
mostrará lo feo, lo deforme, así pintará en
su etapa como pintor
de la corte española, a los bufones y los enanos,
mostrándolos
tal y como son, sin intentar esconder la realidad, ni querer
idealizarla.
Al igual le va a ocurrir con los retratos de los monarcas
no va a exagerar un solo detalle de sus características
físicas,
va a enseñárnoslo tal y como es. De esta
etapa destacan
los retratos del rey Felipe IV y su familia, y
quizás
una de sus obras más conocidas "Las meninas".
Pero Velázquez, no sólo representará
temas sacados de la
realidad, sino que también, en una de sus pinturas, narra
un tema
mitológico como la fábula de Aracne en "Las
hilanderas", donde
encontramos a Atenea en primer plano.
En "Las meninas", quizás una de las obras más
representativas de Velázquez, aparece el autor haciendo un
retrato de la familia real, en la etapa en que él era el
pintor
de la corte.
El tema principal del cuadro desde el punto de vista del
espectador es la infanta, ya que es la más iluminada, lo
que
tiene todos los personajes a su alrededor (una la mira
sólo a
ella), y la que está en el centro de la
composición. Pero
en un segundo plano, y reflejados en un espejo de la estancia,
aparecen los monarcas desdibujados y no claramente definidos.
A la izquierda del cuadro un gran lienzo y enfrente de este
un autorretrato de Velázquez.
Es decir, la infanta y sus criadas y bufones, asisten al
retrato que el autor está haciendo a sus padres.
Por tanto, Velázquez nos muestra algo inédito
hasta el
momento, tenemos ante nosotros dos espacios, uno delimitado y
claro, la estancia donde están la infanta y el pintor, y
otro
insinuado, donde están los monarcas que nosotros
sólo vemos a
través del espejo.
Esta técnica de crear dos espacios es revolucionaria
en la
pintura hasta el momento. Igualmente, deja unos
personajes en penumbra como las dos mujeres del fondo descrito,
que al no tener importancia no los delimita con claridad mientras
que la infanta está claramente iluminada y
delineada.
También la luz es importante en la pintura,
observamos dos
luces, una real, lo que ilumina la estancia, y otra que nos llega
desde atrás de la escena, del personaje misterioso, que al
final
de la pintura mira la escena desde una puerta abierta. En
cuanto al color utiliza generalmente tonos cálidos, aunque
en el
vestido de la infanta vemos un gris frío, pero compensado
con los
roques rosas de su vestido.
Los principales autores barrocos del panorama italiano son
Caravaggio y Carracci que muestran dos posturas claramente
diferenciadas (manierismo). La pintura barroca italiana
con Caravaggio y Carracci muestra la distinta postura de dos
autores ante el arte que se venía haciendo hasta el
momento.
Caravaggio y la escuela naturalista representa un arte
más
simbólico e intentando volver a las técnicas
anteriores, Carracci
y la escuela realista da una visión completamente distinta
fijándose más en lo real y utilizando personajes de
la vida real
para representar figuras religiosas.
En la pintura española encontramos también
las diferentes
técnicas y estilos aunque hay más
proliferación de imágenes
santas cosa que no ocurría en Italia.
Historia del arte
"Las meninas" es una de las obras más famosas de
Velázquez. éste es solamente un fragmento
de la
pintura. Es también una de las más grandes
creaciones del
arte barroco español.
Dentro de la pintura barroca española podemos
contemplar
escuelas diversas. Se inicia a través de la
escuela
valenciana con las obras de Ribera y Ribalta. Encontramos
también la escuela andaluza y, en Madrid, a
Velázquez.
Los temas de la pintura del siglo XVII ya no se
refieren tan sólo a motivos religiosos o
mitológicos; se pintan
retratos de individuos, de familias reales,
etcétera.
"Las meninas" es un retrato de la familia de Felipe
IV. Destaca su realismo y la captación
del
ambiente. En el centro vemos a la infanta Cristina,
rodeada de dos doncellas pendientes de ella. En el
ángulo
inferior derecho hay, junto a un perro, dos enanos,
típicos en la
obra del autor. Más al fondo vemos a los
reyes.
Velázquez aprovecha el realismo de la escena para
autorretratarse: es la figura que aparece a la izquierda.
Es curioso cómo no omite ni un detalle; así
distinguimos diversos
cuadros decorando las paredes de la estancia, vislumbramos a
través de una puerta abierta a un personaje que sube unos
escalones o, incluso, vemos el lienzo donde supuestamente el
artista está pintando.
Algunos personajes parecen estar observando al espectador
del cuadro; los otros se miran entre ellos.
Velázquez consigue ya una pincelada suelta.
En los
vestidos, por ejemplo, se observa una cierta desaparición
del
contorno.
El autor hace también un juego de luces a partir de
la
técnica del claroscuro, es decir, el contraste entre luces
y
sombras.
Mientras prácticamente toda la estancia está
oscura, una
luz incide directamente sobre el personaje que quiere iluminar,
el protagonista: la infanta. El contraste no es, de todos
modos, muy acusado.
Los personajes que acompañan a la infanta
también son
iluminados parcialmente. El foco de luz parece proceder
de delante, más o menos de donde se sitúa el
espectador, pero el
único que vemos proviene de la puerta abierta.
De la pintura italiana, destacan Caravaggio, Giorgione.
Las pinturas barrocas italiana y española tienen en
común el
realismo y el uso de la técnica de claroscuro. La
pintura
española, sin embargo, es más tenebrista y
está impregnada de una
mayor religiosidad. Es también más
detallista, a causa de
la influencia flamenca.
Historia del arte
Pintores barrocos italianos Caravaggio Bernini. En
esta pintura hay un primer espacio cuyo centro más visible
es la
infanta rodeada de sus damas de compañía, esta
parece dirigir la
mirada y su atención hacia un espacio no implícito
en la pintura,
pero del cual podemos deducir gracias al reflejo del espejo.
También es muy original la visión del propio
autor, que se
sitúa a él mismo a un lado de la pintura.
Los personajes y figuras ocupan en la pintura una tercera
parte del espacio total en la parte inferior.
El autor utilizó colores cálidos y combina
muchas sombras y
luces. Hay un doble foco de luz que proviene de la puerta
situada en la parte posterior y de la ventana situada al lado
derecho de la infanta, este último ilumina a las figuras y
al
autor de la pintura.
La tercera dimensión está muy lograda en esta
pintura de
Velázquez (autor español del barroco). Se
podría decir
que hay cierta simetría en la colocación de los
personajes, que
se encuentran repartidos a la derecha o a la izquierda de uno de
los personajes principales el cual hace de centro para la
composición. En general se ha logrado un perfecto
nacimiento y expresividad, se ha captado de forma extraordinaria
el momento concreto que representa la pintura: la infanta observa
cómo son pintados sus progenitores, los reyes.
La línea de dibujo es muy delgada y en algunos
objetos de
la pintura tiene una función delimitadora.
Tema: la pintura barroca española.
Los temas de la pintura barroca española se inclinan
sobre
la religión y la tendencia de esta hacia conceptos que
adoctrinen
a sus fieles. También son abundantes las pinturas
de la
corte y retratos personales, la corte solía tener uno o
más
pintores exclusivamente dedicados a su atención.
Las alegorías y las pinturas en grupos familiares
también
destacan en este marco.
La pintura barroca tiene tendencias realistas e inspiradas
en Caravaggio, tiene una vertiente que se destaca hacia la
exageración. Después de las pestes y
enfermedades que
versan sobre España, muchos artistas reflejan el dolor y
la
muerte en sus cuadros con cristos en la cruz y temas religiosos
exagerados, llenos de personajes que se aparecen con movimientos
bruscos y contorsionados; este tipo de pintura pretende mostrar
el pesimismo y la mala situación de la época, un
ejemplo podría
ser "In actis Sacti".
Cabe destacar la importancia de Caravaggio en los pintores
españoles que reflejan los siguientes aspectos
característicos
del autor italiano: Caravaggio quiere reflejar un momento
concreto en el tiempo y lo muestra tal como es, marcando
más los
rasgos en las figuras humanas de manera que se pueda llegar a
deducir la situación del personaje. Se caracteriza
por la
expresividad y el movimiento brusco. La luz conceptual es
otro rasgo del autor.
Como autores españoles de la época cabe
destacar a
Murillo. La pintura barroca fuera de España tiene
varias
direcciones como la clasicista, la realista, naturalista, pero
España solo llegó a caracterizarse por su corriente
de realismo
exagerado.
En Europa cabe destacar como autores importantes a
Rembrandt y a Rubens. En Italia concretamente a
Caravaggio.
Historia del arte
"Las meninas" de Velázquez ilustra a la
perfección la corte
de Felipe IV.
La pintura barroca llega a España durante el siglo
XVII, después del Renacimiento.
Análisis de la pintura: describe una escena
cotidiana en la
corte de Felipe IV. Es una composición
abierta,
pero toda ella implica unidad.
En esta pintura puede observar varios planos. En
primer plano hay un perro estirado, tratado con gran realismo, la
postura, etcétera.
Seguidamente tras de él hay cuatro muchachas y un
niño.
Una de ellas, la segunda empezando por la derecha, se ha
tratado de un modo especial, enfocando una halo de luz más
importante que para las demás. Llevan ropajes
recargados,
símbolo de realeza. En segundo plano puedo
apreciar una
pareja. La mujer es una religiosa, vestida con un
hábito.
A su lado, un hombre, el cual no se puede apreciar tan
bien. Dicha pareja se encuentra a la derecha de la
composición. A la izquierda hay un caballero, con
una
paleta en la mano. Es Velázquez.
Pasamos al último plano. Al fondo, a la
derecha, un
hombre apoyado en la escalera, tras una puerta abierta.
Al lado de la puerta, hay un espejo, con el rostro reflejado de
dos personas. Son Felipe IV y su esposa, a los
cuales está pintando Velázquez.
Como marco arquitectónico se ha elegido una
cámara de gran
altura. Hay dos ventanas una al principio de la
composición y dos más al final, una de ellas tras
la habitación
que separa la puerta. Gracias a ellas, Velázquez
consigue
entrar la luz. En la pared del fondo, así como en
una de
las paredes laterales, hay grandes cuadros colgados.
El espejo refleja la profundidad de la estancia.
Velázquez ha logrado un total dominio de la luz en
esta
composición. Ilumina todo aquello que quiere
destacar
más.
Sobre todo, la escena de Las meninas y al caballero de la
escalera, así como a la pareja del espejo.
Consigue que
el resto de la escena esté como difuminada, como en
sombras.
Para esta pintura ha elegido tonos oscuros, excepto en los
ropajes de las muchachas, en un tono más claro.
Pero es
gracias a la luz, que consigue unos colores más o menos
vivos.
En los rostros de los personajes hay una gran
expresión,
están dotados de un gran realismo. Con todo ello,
logra
causar una sensación de majestuosidad. Hay
movimiento en
sus gestos, no tienen unas posturas hieráticas, hay
comunicación
entre ellos. Se aprecia sobre todo en la pareja situada
en segundo plano, entre las dos muchachas situadas más a
mi
izquierda, en el niño con el perro.
Por último, destacar la perspectiva.
Velázquez ha
logrado plasmar la profundidad de la estancia y delimitar una
serie de planos, tratando con especial énfasis la
luz.
Otra característica importante ha sido el
tratamiento del
dibujo. Es una dibujo lineal, el cual predomina sobre el
color.
Como pintores barrocos italianos puedo destacar
principalmente a Caravaggio.
Este pintor logra con su técnica "tenebrista" causar
un
impacto especial al espectador. Sobre un fondo oscuro,
"lanza" un gran halo de luz sobre la figura a destacar, logrando
una especial atención sobre la misma. Escoge
siempre
temas cotidianos, con personajes de la calle. No fue muy
bien aceptado sobre todo por la Iglesia ya que al hacer una
composición sobre la vida de Jesús, escogió
a gente pobre y
sencilla. Para hacer la pintura "Baco" escogió a
un
mozalbete, con cara de "pillo". Este cuadro es una
muestra de su especial tratamiento de la luz: fondo oscuro para
resaltar el rostro del joven Baco. También destaca
"El
Greco".
Hay especial diferencia en el tratamiento de la luz.
Se busca destacar, impactar al espectador, iluminando
especialmente determinados aspectos de la
composición.
Así como en el dibujo; para la pintura barroca
española
como en Velázquez o Zurbarán, es un dibujo
lineal.
Historia del arte
En primer plano nos encontramos con las hijas de Felipe
IV, doncellas de la corte y un perro. En un
segundo plano el pintor Velázquez pintando a los reyes,
los
cuales vemos representados en el espejo del fondo de la
habitación; y dos personajes más a la derecha pero
por su
situación pictórica no tienen importancia
(2o plano, luz
y poco concretos).
Tenemos un tercer plano con el espejo antes nombrado y una
puerta abierta que da a una habitación en la cual hay un
personaje que está mirando la escena.
Dibujo. La línea no es importante,
Velázquez pinta
con el color. Tiene una pincelada gruesa y pastosa y
practica la técnica sfumato, donde la podemos apreciar muy
bien
es en el propio Velázquez con los contornos muy poco
delimitados.
Perspectiva. Utiliza la perspectiva
atmosférica.
Crea profundidad a través de los colores y la
luz.
Luz. tenemos dos focos de luz.
El primero en un primer plano que vemos que entra la luz
por la ventana e ilumina a todas las muchachas pero sobre todo al
personaje central, la niña pequeña.
El segundo foco está en la puerta abierta del
fondo.
Los demás tramos de la habitación quedan
más o menos en la
penumbra. Hay un juego de luces y sombras
importante.
Volumen. Volumen corporal real y muy buen
realzado.
Expresión. Figuras individualizadas, son
retratos y
expresan muy bien los movimientos.
Personajes reales y nada idealizados.
Velázquez en sus pinturas pinta tanto la belleza (la
juventud) como la vejez (la fealdad). Lo vemos muy bien
en la chica de la derecha que es una enana. Color.
Colores papel muy suaves, hay colores fríos pero tenemos
una
sensación de calidez por los detalles rojos.
Composición. El personaje principal es la
niña del
vestido blanco, lo sabemos por la luz, situación central y
chica
que mira hacia ella; pero a la vez esta niña no nos mira a
nosotros sino a alguien que tiene que haber más
allá que no está
representado en la escena pero que está y lo vemos
indirectamente
en el espejo del fondo.
El resto de los personajes también miran hacia estos
personajes no representados que son el rey y la reina.
Son personajes que no están pero que percibimos
indirectamente.
Es una pintura abierta.
Composición no es simétrica. Es
ordenada y
armónica.
Las meninas es uno de los mejores cuadros de
Velázquez.
Caravaggio, Carracci.
La pintura barroca española y la italiana tienen un
gran
paralelismo. Los dos utilizan la técnica del
sfumato, el
tenebrismo, los dos son realistas. La pintura barroca
italiana llega a unos extremos de barroquización que la
pintura
española no llega.
Tema.
El personaje más importante de la pintura barroca
española
es Velázquez de él tenemos también "El
aguador", en esta pintura
sigue las mismas técnicas que en Las meninas.
Se hacen muchos retratos de la corte o de personajes
importantes que pagan para ser retratados.
El paisaje también es un tema.
No todos los pintores son tenebristas, hay un pintor que
solo representa a frailes, con una composición
simétrica y
simple; la luz es difuminada e invariable, no hay focos de luz
pero sí hay sombras.
Sus retratos son buenos.
Historia del arte
opción A
Las meninas de Velázquez es seguramente la pintura
que
ilustra mejor la corte de Felipe IV. Y es la
obra clave de la pintura barroca española.
El autor nos presenta la familia del rey, en un intento de
acercamiento al pueblo, de humanizarla. Podemos ver en un
primer plano la infanta con dos acompañantes y un
enano.
A un lado un niño y el perro. Detrás un
pintor,
personajes, un hombre en la escalera y la imagen de los
monarcas.
En cuanto a las características técnicas
más importantes:
se refleja con gran audacia la perspectiva lineal, con punto de
fuga en la cabeza del personaje; la sensación de
profundidad es
muy intensa.
Por otro lado la obra es algo enigmática, debido al
movimiento contenido de sus personajes.
Nuestra atención es repartida entre el personaje que
observa desde la escalera y la infanta.
Velázquez aplicó con mucha eficacia la
técnica del
claroscuro, dando un juego de sombras y luces. Parece que
haya un foco de luz natural (tal vez una ventana) pero que no
vemos.
Se trata de una composición abierta en
profundidad.
Respecto a las características formales predomina el
uso de
tonos fríos (azul, ocre) para la ropa. El fondo es
impreciso con los rostros sin delimitar. El ingenio de
Velázquez al pintar nos hace sentir la textura de la
piel.
Como valoración podemos decir que Las meninas nos
empuja a
imaginar el resto de la obra, que aunque invisible es el tema:
los monarcas, que están siendo retratados.
Tres de los pintores barrocos más importantes son
italianos
Caravaggio, máximo representante del Barroco
naturalista.
Aparte el tenebrismo, el contraste del claroscuro.
Una obra suya: La vocación de san Marco.
Rubens. Pintor ejemplar de la pintura barroca.
Otro es Carracci y por último Tintoretto.
Comparando las características fundamentales de la
pintura
barroca italiana con las de la española, debemos indicar
primero
la española será mucho más significativa,
debido a la situación
política en el país.
En Italia puede centrarse más en temáticas
como la
religiosa, la mitológica.
Los máximos representantes del Barroco
español pictórico
serán Goya y Velázquez y en el italiano Carracci y
Carracci.
Mientras que en Italia predominan naturalismo, barroco
clásico y un realismo en España debido a la
situación absolutista
no había interés por la realidad.
Pero es Velázquez, al que más tarde se le une
Goya quienes
abren una nueva puerta al Barroco español.
España asimila la técnica tenebrista en
Caravaggio.
Tema: pintura barroca española.
El Barroco es un nacimiento que toma en el arte un giro
radical respecto al Renacimiento.
Sus características generales podemos
esquematizarlos así:
serán composiciones abiertas, no limitadas por cuerpos o
elementos escultóricos como en el Renacimiento.
La perspectiva lineal está presente en todas las
obras,
reflejando así profundidad.
La luz podrá ser conceptual o natural, casi siempre
marcando un paisaje para llamar nuestra atención.
Tratará temas cortesanos en abundancia y gracias a
Velázquez, realismo, vemos la realidad con sus defectos y
virtudes.
Historia del arte
La pintura barroca española se adapta a las normas
generales de este arte aunque con algunas aportaciones
propias.
La pintura barroca del siglo XVIII tiene una gran
difusión entre toda la Europa católica y
también en la religión
protestante como en el caso de Holanda. En todas estas
zonas tiene unas características comunes que la
diferencian de
estilos anteriores, estas características son:
Predominio de la pintura sobre el dibujo: los pintores
barrocos, no definen los límites de sus imágenes,
perfilando con
la línea.
Composición abierta y sentido de la unidad: las
composiciones, barrocas dan en sus obras un sentido unitario y
pretenden dar la sensación de que la acción
continúa fuera del
cuadro.
No obstante los temas están tratados con la mayor
claridad
posible pero sin quitarle por ello la profundidad en la
temática.
Prevalece en todo el arte una hegemonía de la
luz:
la luz se estudió e incluso sirve para modelar las figuras
en
estilos como el tenebrismo. Aparte el claroscuro como
técnica barroca.
Se estudian las perspectivas y se convierten en un elemento
importante en este arte: aparece la perspectiva
aérea.
Las composiciones buscan siempre un carácter de
equilibrio
inestable, así las más clásicas, son las
diagonales.
La ubicación de esta pintura suele estar en los
palacios
(retratos generalmente), en los edificios públicos, en las
iglesias (pintura religiosa) y en casa, particulares
(pequeños
cuadros de género).
Este arte no es homogéneo y se representan en
él diferentes
tendencias como el clasicismo, el naturalismo, el realismo y el
barroco.
El clasicismo: se caracteriza por la perfección y
orden
en su forma, intenta imitar la época clásica
anterior.
Naturalismo: imita la realidad pero la traslada a tenor
de la historia o religiosos.
Realismo: este estilo representa la realidad del y como
es, no le añade ni le resta ningún elemento para
embellecer la
obra.
Barroco: es el aglutinador de las anteriores tendencias,
es el que responde a las características generales del
arte.
La temática de este arte es también muy
variada y va desde
temas religiosos, temas alegóricos, mitológicos,
también temas de
género (bodegones, principalmente), paisajes,
retratos...
La anécdota de este cuadro es que la infanta irrumpe
en la
cámara de sus padres mientras el pintor Velázquez
los está
retratando. Los padres se reflejan en el espejo del fondo
del cuadro y con esto el autor intenta dar más realismo al
cuadro. La infanta va acompañada por dos damas de
compañía y por un enano.
La originalidad de esta pintura es enorme.
Velázquez integra al espectador en el cuadro
poniéndolo al
mismo nivel que los reyes de España, solo faltaría
que nuestra
imagen se reflejara también en el espejo.
Velázquez se autorretrata en la pintura y su mirada
se
dirige directamente a la nuestra y esto nos hace participar mucho
más en la acción. El juego de miradas es
importante en
esta composición.
La composición corresponde a la clásica
empleada en el
Barroco: la diagonal: en primer término nos
encontramos,
en una esquina parte del lienzo que Velázquez está
utilizando
para su retrato. Este objeto incompleto da la idea de la
obra como estructura abierta, la acción continúa
más allá del
cuadro y en este caso la concepción de esta
característica lleva
incluso a representar en el cuadro la acción secundaria y
se deja
olvidar las figuras principales.
La composición es, como antes se ha dicho, en
diagonal,
este tipo de composición es muy utilizada en el boscoso
por su
connotación de equilibrio inestable: una primera
diagonal
la forman Velázquez, la infanta y el perro que está
aumentado, y
una segunda diagonal la forman las dos mujeres, del fondo, una de
las doncellas, la infanta y la otra doncella.
Se observa, pues, que la infanta es el eje principal de la
composición, el elemento fundamental de esta
pintura.
La composición adquiere una gran profundidad gracias
a la
ingeniosa solución de abrir una puerta al fondo de la
habitación. El hombre que aparece y las escaleras
representan para la composición del cuadro un elemento
fundamental debidos a la profundidad que se consigue con este
pequeño espacio abierto, sin este elemento la
lámina quedaría
mucho más oscura y compacta, tantos elementos hubieran
resultado
agobiantes. En cuanto a la técnica,
pictórica se ha de
resaltar la pincelada suelta y gruesa de posee, esta pintura
recuerda levemente la técnica impresionista, así la
flor del
vestido de la infanta son simples elementos, que el espectador
reconstruye en forma de flor.
Destaca también la aplicación de la
técnica de bodegón que
conocía Velázquez a la perfección.
Copia dos cuadros
contemporáneos y los dispone en su lámina, se
pueden ver en la
pared del fondo arriba del espejo.
En definitiva es un cuadro original aparentemente simple
pero muy estudiado y estructurado, lleno de realismo y movimiento
donde se distinguen diferentes escenas que concluyen todo, en la
imagen de la infanta Margarita.
Carracci, Caravaggio, Bellini.
La pintura española tiene una significación
religiosa mayor
y a los temas suelen tender más hacia la
religión.
El tenebrismo italiano tiene una gran importancia en
España, Velázquez lo recoge y lo representa a la
perfección.
La tendencia ecléctica no tiene tanta incidencia
como en
Italia. Las composiciones suelen ser similares aunque en
la pintura española tienen más importancia, las
líneas formadas
por la mirada.
La pintura barroca se inicia en Italia y de este centro
salen artistas importantes no obstante el arte se extiende con
rapidez y España lo adopta, pintores como Zurbarán,
Velázquez,
Rivera o Ribalta lo representan con la misma exactitud que los
italianos, aunque en el arte español influye lo religioso,
cultura y sociedad en los modos de representación, de
aquí
derivan las diferencias que se recogen en los dos estilos del
Barroco.
Historia del arte
Las meninas de Velázquez.
Descripción: en el segundo plano B,
en el
centro, se halla la infanta Margarita rodeada de
cortesanas.
A la derecha, del espectador, se hallan tres cortesanas,
una joven y erguida (saluda a su alteza) y dos más
menudas.
1o plano A. El perro figura más
cercano al
espectador ocupará un protagonismo inusual. Perro
calmado, tranquilo, parece haber adquirido la majestad de sus
amos.
A la izquierda del espectador, aparece una joven
arrodillada y postrada a los pies de la infanta.
Sujetando la mano derecha de su alteza parece mostrar un
increíble interés por la niña
(infanta).
El lienzo, también adelantado a este primer conjunto
original, infanta y cortesanas, se halla ocupando una misma
línea
recta el plano de perro, pero en el lado izquierdo del
espectador.
El lienzo se apoya en el marco izquierdo del
cuadro.
En un tercer plano, el pintor Velázquez
ocupará el margen
izquierdo, detrás del lienzo, con la mano izquierda
sostiene la
paleta de colores y con la mano derecha un pincel. Parece
pintar, algo que no se encuentra enfrente de él y este
"algo"
parece ser también lo que contempla la infanta y su tan
peculiar
séquito.
Ocupando también este segundo plano, pero en el
margen
derecho se hallarían dos personajes de edad madura, una
monja y
un señor. Igualmente contemplarían la
imagen.
Cuarto plano, espejo donde se refleja aquello que todo el
mundo parece contemplar y el pintor, retratado en el cuadro,
intenta dibujar, no son sino los reyes Felipe IV y su
esposa.
Al mismo nivel una puerta abierta que deja pasar un haz de
luz que ilumina la parte del fondo de este cuadro.
Otro plano, a través de esta puerta abierta, aparece
un
personaje enigmático, con capa y sombrero en la mano
izquierda,
parece sostener con la derecha una cortina.
Mantiene una posición de contrapposto, pierna
izquierda,
recibe todo el peso del cuerpo, se halla en el segundo
escalón,
mientras la pierna derecha doblada ocupa el tercero.
Este cuadro revolucionario desde un punto de vista
técnico,
parece haber destruido las barreras de la perspectiva.
Dominio de esta.
Conjunto unitario del cuadro.
Pinceladas precisas y decididas.
Colores oscuros para personajes que se hallan en un segundo
plano y claros para los protagonistas del cuadro.
Colores fríos.
Perspectiva original e innovadora, llevan al espectador a
sentirse el verdadero protagonista del cuadro, ya que todas las
figuras parecen observarla. El motivo de todas las
miradas, los reyes, se halla externo al cuadro.
La luz parece ocupar el primer y segundo plano, entra por
la derecha, luz también que aparece por detrás de
los personajes,
técnica del claroscuro. Volumen real.
Existe en movimiento sosegado, majestuosidad natural, pero
regida por la etiqueta.
Multiplicidad de los puntos de vista.
Es también innovadora, la presencia del pintor, como
un
personaje más, realizando su trabajo.
Caras que más que expresar sentimientos, muestran un
increíble interés por las figuras de los
monarcas.
Caras serias contemplativas.
Carrogio, Caravaggio, Barroco italiano y
español.
Diferencias: la pintura italiana es más
luminosa,
con una tendencia hacia el realismo. Pintura
enérgica con
lo que respecta a movimientos y expresión. La
pintura
española tiende más hacia el naturalismo.
Pintura española más sosegada.
Paralelismos: ambas han asolido un dominio y juego
con lo que respecta a la perspectiva.
Conjunto de unidad en la composición.
Multiplicidad con lo que respecta a los puntos de fuga.
Colores fríos, predominio de los claros y
oscuros.
Diversidad de planos.
Dominio en la expresividad de rostro y
movimiento.
Historia del arte
Las meninas de Velázquez pueden ser la pintura que
ilustra
mejor la corte de Felipe IV. Describir en pocas
rayas qué representa esta pintura y definir las
características
técnicas y formales más importantes.
Representa una imagen de la corte española del siglo
XVII. En la que nos muestran varios integrantes
de la monarquía de Felipe IV.
Dispuestos de una manera improvisada a modo de
fotografía. Improvisada debido a la actitud en la
que
aparecen los personajes en posiciones en movimiento, los
personajes del primer plano un tanto ladeados y el personaje del
fondo queda un tanto extrañado por la situación que
se está
produciendo. Por otro lado, no hay una ordenación
en
relación a la altura de los personajes, pero sí lo
hay en cuanto
a la juventud de los mismos, destacándose una
aparición de
personajes jóvenes en un primer plano y figuras o
personajes más
mayores en un segundo plano.
Destacan, así mismo, las tonalidades del color muy
tenues y
sin estridencias, es decir, tonos pastel. El vestido
blanco de la niña del centro hace que destaca con
más intensidad
sobre las otras niñas y enanas.
El estatismo general roto por el personaje de una
niña,
situada en la parte derecha del cuadro, que se encuentra
jugueteando con el perro. También hay bastante
movimiento
en la improvisada aparición del personaje del
fondo.
Hay un contraste, intencionado de Velázquez, entre
la
verticalidad del fondo, y más concretamente los marcos de
los
cuadros, y los vestidos pomposos y redondeados en sus contornos,
es decir, hay un contraste, claro por parte, entre la parte
superior del cuadro donde predomina la verticalidad de
líneas y
la parte inferior donde prevalece las líneas curvas
acentuadas
por el marco del gran cuadro que hay en primer plano.
Asimismo, este contraste se denota en la entrada de luz, parte
superior muy oscura y parte inferior con claridad. El
tratamiento de la luz que hace Diego de Velázquez es muy
concreto
en su localización. El célebre pintor dota
al cuadro de
tres puntos de luz. El más aparente se encuentra
en los
personajes que se encuentran en primera línea que reciben
la luz
de la parte derecha, parece ser un gran ventanal que dota a las
niñas de la luz necesaria, para poderlas ver con
exactitud.
El punto de luz que se proyecta hacia delante, y que es el
que destaca en una primera visión, es el de la puerta que
dota el
fondo de una claridad tenue para poder definirlo. Otro
punto de luz, más minoritario, estaría situado en
un cuadro en el
fondo de la representación, tiene una claridad impropia
debida a
su uniformidad, como si de un fluorescente se tratase
Anomeneu tres pintors barrocs italians
Caravaggio.
Comparar los rasgos fundamentales de la pintura barroca
italiana con los de la española.
En la pintura barroca italiana destacan elementos
más
innovadores técnicamente ya que disponían de
más tradición
pictórica.
En general, a diferencia de la española, tienen
más
recursos temáticos, dotan a sus pinturas de mayor carga
expresiva, en general, la utilización de la luz es
más uniforme
no tan local que en el barroco español, y, realizan
mayores
dotaciones cromáticas en sus composiciones, en
líneas generales
es una pintura más tecnificada y más
natural.
Historia del arte
El Cinquecento pertenece al Renacimiento italiano y abarca
el siglo XVI.
En la pintura destacan 3 autores: Leonardo, Rafael
y Miguel ángel.
Leonardo: es uno de los pintores más
característicos
y que luego han influenciado más.
Además de pintar realizó estudios e
investigaciones de
biología, técnicas de estudio de buques
etcétera.
También escribió libros sobre pintura y
realizó numerosos
dibujos.
Se caracteriza sobre todo por la búsqueda de
movimiento, de
expresividad, destacando su característica "risa
enigmática" y
sobre todo de la búsqueda de una luz distinta a la del
Quattrocento, que se caracteriza por la utilización de la
técnica
del sfumato (difuminado del contorno) por lo que en sus obras
apenas se distingue el contorno de las figuras.
Leonardo también se caracteriza por la
utilización de la
técnica triangular. Sus figuras quedan como
introducidas
en un triángulo. Entre sus obras destaca: "La
Gioconda",
"La santa cena" y "La Virgen de las rocas".
Rafael: es también un pintor que luego
influirá en
otros posteriores. En la obra de Rafael podemos observar
la influencia de Perugino, Leonardo y Miguel
ángel.
Su obra se divide en 3 etapas:
1a etapa: que corresponde a cuando estaba en el
taller de Perugino y se caracteriza por una expresividad suave,
melancólica, de caras redondeadas y la utilización
en las obras
de 3 planos simétricos y paralelos.
Destaca "Los
desposorios de la Virgen".
2a etapa: corresponde a su viaje a Florencia
destacando la influencia de Leonardo con la técnica
triangular.
También por un alargamiento de las figuras.
"El matrimonio Arnolfini".
3a etapa: corresponde a su viaje a Roma,
influirá
en él Miguel ángel, y sus figuras aparecen
más grandes y
voluminosas.
Le encargaron también pintar en la iglesia de San
Pedro
donde realizó las 4 grandes temas: la
poesía, la
filosofía la jurisprudencia, la teología.
También realizó numerosos retratos, y
también un
autorretrato en su época de madurez.
Miguel ángel: se caracteriza por ser un
pintor al
que le gusta la grandiosidad y la voluminosidad de sus figuras,
esto se debe a que ante todo él es un escultor.
Se encargó de decorar la capilla Sixtina en la cual
realizó
una serie de frescos que se caracterizan por la grandiosidad y
por la minuciosidad de elementos. Es
característico suyo
el "Juicio final" con Dios en el centro. Es una gran obra
con numerosos personajes, y en donde se ven las
características
de Miguel ángel en formas abultadas, de cuellos enormes,
estudio
de la anatomía, escorzos estudio del desnudo las figuras
descoyuntadas y enroscadas.
Se trata de una obra arquitectónica.
Pertenece a una iglesia renacentista, siglo XVI,
exactamente a la zona de la cabecera, con su correspondiente
ábsides o capillas
Características
Tiene aparejo de sillería en el muro.
Finas columnas adosadas al muro cuyo capitel es corintio
con las hojas de acanto.
Los vanos son muy pequeños para que apenas entre la
luz y
así dar un sentido de meditación en el interior de
la
iglesia. El vano esta encuadrado en un arco de medio
punto en la parte del ábside pequeño este arco es
sujetado por
2 columnas de orden corintio, de fuste liso y con
basa. En la cabecera, el vano está encuadrado en
una
arquivolta de arcos de medio punto.
También se puede ver en la fotografía el
cimborrio de
planta cuadrangular, el cimborrio parte del centro del cruce de
la nave central y la de crucero.
También observamos cómo debajo de la cornisa
o del
tejadillo hay una serie de canales de desagüe para el agua
de las
lluvias, unos están decorados con figuras
animalísticas
fantásticas "gárgolas".
Historia del arte
El arte islámico en España.
En el periodo en que los árabes estuvieron en
España
711 - 1492 dejaron muchas muestras de su arte.
El arte islámico nace con grandes influencias del
arte
bizantino, con el cual están en contacto, para ir
evolucionando
por su cuenta.
La religión condiciona el arte pues no admite
imágenes o
iconos, por lo que la pintura mural se limita a los ambientes
cortesanos. Por ello la decoración será
geométrica y con
motivos vegetales lo que permite decorar superficies extensas y
heterogéneas, yeserías y azulejos decorarán
palacios y
mezquitas. Esta decoración se llamará de
"arabescos".
En cuanto a los elementos arquitectónicos, utilizan
la
cúpula, y el arco de herradura y, a veces, el
ojival.
En España dejarán muchos monumentos,
así como, influencias
en estilos posteriores (mudéjar).
En Córdoba, se halla una gran mezquita, que en un
principio
era solo el núcleo central y se fue ampliando con las
necesidades. Es característico sus arcos de
herradura
sobrepuestos dando mayor esbeltez a la mezquita. En
Sevilla se halla la Giralda con una profusa decoración
exterior,
y la Torre del Oro una torre de defensa del periodo almohade.
En Madrid, así como, en otras ciudades como Toledo, se
conservan las murallas y algunas puertas (puerta de la Visagra,
Toledo). En Granada se encuentra el mayor palacio
árabe
español: la Alhambra, un palacio con murallas exteriores,
y
grandes jardines y fuentes interiores.
La escultura, debido a la religión, queda marginada
a
fuentes o está ligada a la arquitectura.
Muchas ciudades españolas conservan aún
barrios árabes,
como en Granada.
Análisis y comentario de la imagen derecha.
La obra
se llama el "éxtasis de santa Teresa", y fue esculpida por
Bernini.
Bernini es un escultor barroco, aunque además era
arquitecto y pintor, algunas obras suyas son "Apolo y Dafne" y la
columnata de San Pedro, en Roma. Como se puede apreciar
en la obra los escultores barrocos dan gran importancia al
movimiento. Esta, en especial, está colocada de
tal forma
que es necesario mirarla en movimiento alrededor lo que provoca
una sensación real de movimiento.
Los gestos y expresiones no son muy fuertes en
contraposición a las obras del periodo anterior (como las
de
Berruguete en el Renacimiento), sin embargo dramatiza las telas y
los pliegues, y provoca fuertes contrastes de luz.
Las dos figuras pierden su individualismo pasando a formar
parte del grupo escultórico.
También se aprecia que tiende a ser una
composición
teatral, así como, un intento de alejarse de lo carnal, de
lo
mundano.
Bernini al ser escultor y a la vez arquitecto, concibe la
obra dentro de una estructura arquitectónica, es decir,
tanto la
obra como el lugar están hechos especialmente para
armonizar el
uno con el otro.
Es una obra de gran perfección y belleza que resume
los
valores del Barroco.
Historia del arte
La pintura renacentista del Cinquecento (siglo
XVI) tiene su sede en Roma, como los demás
géneros
artísticos de la época, aunque también se
desarrolla en Venecia
de una manera más decorativa y barroca, es el estilo
"manierista". En Roma son los principales representantes
de su pintura: Leonardo Da Vinci, hombre polifacético,
Rafael y
Miguel ángel.
* Leonardo es de alguna manera el más original, crea
la técnica
del "sfumato" en la que contornos aparecen casi sin marcar y el
dibujo muy difuminado, da la sensación de que las figuras
están
flotando en el aire. Es muy característico en Da
Vinci,
la presentación de sus figuras en forma triangular y el
contraste
de luces y sombras. Cuadros como "La Gioconda" o "La
última cena" son los más representativos de su
estilo.
También fue un gran retratista (Felipe II)
en los
que se ve reflejado el realismo en los rostros principalmente
como en un cuadro dedicado a la vejez. * Rafael de Urbino
recibió
muchas influencias claramente reflejadas en sus cuadros.
En una primera época desarrolla su estilo en la escuela de
Perugino del que toma la perspectiva lineal, en un cuadro: "Los
desposorios de la Virgen" en relación con "La entrega de
llaves"
de Perugino.
En una segunda época recibe el influjo de Leonardo y
Miguel
ángel. Del primero adquiere la técnica del
"sfumato" y ya
presenta algún desnudo.
La última época se refiere a su viaje a Roma,
quedando
sorprendido por la grandiosidad del Vaticano y las obras de
Miguel ángel -pinta en la capilla Sixtina.
Leonardo
decora los hechos de San Pedro de Roma con cuadros sobre las
cuatro alegorías: "teología", "filosofía",
"jurisprudencia" y
"sabiduría".
También, al igual que Leonardo, se debe destacar que
realizó grandes retratos.
* Miguel ángel no es considerado tan buen pintor
como escultor,
pero ejecutó obras tan importantes como las religiosas
(Cristo)
mandadas por el papa Julio II en los sepulcros del
Vaticano.
En estas pinturas grandiosas, lo más representativo
es la
utilización del desnudo, muy propio en el Renacimiento y
sobre
todo en Miguel ángel. Más tarde, el Papa
ordenó tapar la
desnudez.
Los tres autores, con su propio estilo, son representantes
de la pintura del Cinquecento en Roma.
El arte islámico español presenta varias
etapas, desde el
siglo IX hasta el XVI, a causa de la conquista
de Granada.
El periodo cordobés se desarrolla del siglo
IX al
XI y es durante el siglo X cuando alcanza su
esplendor.
Se utiliza el arco de herradura, la bóveda de
cañón y se
incorpora la de aristas. La obra más significativa
es la
"mezquita de Córdoba", al principio de 11 naves,
Abderramán I la modificó por la
cabecera.
Alhaken II en el siglo X con respecto a la
decoración, bóvedas de aristas, anteriormente,
Abderramán
II la completó con el minarete, y por fin
Almanzor, en
la cabecera la colocó 8 naves más.
Quedó la
Mezquita, construida en un solar, con 19 naves - arcos
de herradura superpuestos, con lóbulos blancos y rojos,
bóvedas
gallonadas. Otra obra "Cristo de la luz" y "Medina
Azahara" ciudad palacio. El periodo taifa corresponde al
siglo XI y en él únicamente se avanza en
la creación de
todo tipo de arcos: lobulados, herraduras, superpuestos,
entrelazados... todos ellos en las "puertas de la
Pejellería". El periodo de las dinastías
africanas
almorávides X-XII introducen una
decoración (un
tipo de ella el cuadrícula)y formas poligonales almohades
-siglo
XII siguen los tipos de decoración de los
almorávides
con alguna innovación más.
Período granadí-granadino al que corresponde
como edificio
representativo la "Alhambra de Granada" -palacio-ciudad con
2 jardines, uno interior y otro enfrente del palacio y
suntuosas dependencias: "cuarto de Comares" o "cuarto de los
Leones". Tiene una parte pública y otra oficial,
un patio
con columnas adosadas y una gran fuente central. La
característica principal de este palacio es la suntuosidad
y
riqueza de sus construcciones así como la grandiosidad de
su
totalidad.
Historia del arte
La invasión musulmana se inicia en el 711 y
con
ésta el arte musulmán va entrando en
España. Esta cultura
islámica tiene que convivir con otra que es la cristiana
ya que
el arte musulmán estará en España hasta en
1492 en el
reino de Granada. A partir de esta fecha, son expulsados
por los Reyes Católicos.
El arte musulmán español tiene cuatro fases:
la primera es
la califal cordobesa. En esta fase son
característicos la
mezquita de Córdoba, el Cristo de la luz en Toledo y el
palacio
Medina Azahara.
La mezquita de Córdoba se construyó sobre
otra iglesia.
Está hecho en varias fases. Desde la primera
en la
que se toman columnas de otras culturas españolas, se
ponen los
arcos superpuestos, de arco de herradura y de medio punto, las
dovelas de ladrillo y de piedras alternándose, hasta los
complicadísimos arcos superpuestos, yuxtapuestos con mucha
ornamentación, ya que los musulmanes no les gustaba dejar
espacios vacíos (atauriques...). El Cristo de la
luz en
Toledo se caracteriza porque tiene nueve tramos cuadrados, en los
que en el techo tienen crucería pero nunca se cruzan en el
centro.
El palacio de Medina Azahara se caracterizó por su
gran
lujosidad, tanto en la ornamentación como en el material
con que
se construyó. Ahora está en ruinas.
Lo más característico es el arco de herradura
califal pero
más cerrado que el visigodo.
El segundo periodo es el taifa que se caracteriza por los
castillos. Se situaban sobre un montículo donde
tenían
parte militar, que desde allí se abrían las
murallas y parte
civil.
En el tercer periodo llegan los almohades y los
almorávides, pueblos africanos. El arte almohade
es más
constructivo mientras que el almorávide es más
decorativo.
Un edificio muy característico es la Giralda de
Sevilla en la
que se aprecia la red de rombos, elemento decorativo de este
periodo.
Y por último está el periodo nazarí
que pertenece al reino
de Granada. Se caracteriza porque es muy majestuoso en su
ornamentación pero de materiales muy pobres. Se
preocupan
más por los adornos que por la estructura del
edificio.
Un edificio característico es la Alhambra de
Granada.
En general, diremos que el arte islámico se
caracteriza por
los arcos de herradura, capialzados, conopiales, de cortina, y
encangrelados, cúpulas en la que los nervios no se cruzan
nunca;
utilizan los epigráficos, es decir, letras para la
decoración. No representan a la figura humana sino
sólo
formas geométricas, vegetales, letras. No
desarrollan ni
la escultura, ni la pintura, ni las artes figurativas.
Pintura de Miguel ángel, Leonardo y Rafael.
El Cinquecento se produce en el siglo XVI.
Forma parte del Renacimiento. En el Cinquecento el centro
cultural no es Florencia, como en el Quattrocento, sino lo es
Roma. Los principales pintores son entre ellos Miguel
ángel.
Este hombre genial no sólo es pintor sino
también escultor
y arquitecto pero su verdadera vocación es la
escultura.
Por lo que al pintar marca el contorno de los personajes propio
de un escultor. Se caracteriza porque representa la
musculosidad. Pinta en la capilla Sixtina durante seis
años el "Juicio final". En él se representa
a Dios como
todopoderoso en el centro juzgando. Miguel ángel
lo pintó
desnudo pero después tuvo que vestirlo por mandato de la
Iglesia.
Leonardo da Vinci se caracteriza por el empleo del sfumato,
es decir, no precisar los contornos y crear una
atmósfera.
Por ejemplo, lo podemos ver en "La Gioconda",
característica
por su sonrisa.
Representa escenas religiosas pero en ambientes
renacentistas. Como en "La última cena" donde
también se
puede apreciar que la disposición de los apóstoles
es
triangular. Representa los paisajes en el fondo pero de
forma difuminada. Rafael de Urbino como los demás
artistas del Renacimiento se preocupa de la luz, la
perspectiva. Los volúmenes, el sfumato.
Su vida artística tiene tres etapas:
cuando estuvo en el taller de Perugino, toma de los
paisajes simétricos, los personajes suaves,
melancólicos,
afeminados.
Cuando llega a Florencia toma como ejemplo a
Leonardo y toma la disposición triangular.
Tiene una gran influencia de Miguel ángel,
cuando
llega a Roma y en sus obras plasma la musculosidad de los
personajes como Miguel ángel.
Historia del arte
La pintura del Cinquecento: Leonardo, Rafael y Miguel
ángel.
Estos son los 3 autores que más destacan en
el
Renacimiento italiano, en el Cinquecento.
Leonardo da Vinci, es un autor con unas
características
diferentes, debido quizás a la atmósfera de
Venecia, esto
influenciará mucho a Leonardo que caracterizará sus
obras con un
difuminado en los contornos de las figuras de sus pinturas, que
llegará a denominarse "sfumato", que consiste en difuminar
los
contornos con el paisaje, por lo tanto el dibujo tendrá
poca
importancia en sus pinturas.
Otra característica será la
composición en que agrupa a sus
figuras; en composición triangular: "La Virgen,
santa".
"Ana y el Niño" o "La santa cena".
Otra obra de Leonardo es "La Gioconda", famoso retrato,
original por su sonrisa enigmática.
Miguel ángel es quizás el artista más
importante de los muy
influenciado por las formas clásicas griegas.
Fue sobre todo escultor, pero como pintor realiza su obra
más importante: las pinturas de la capilla Sixtina en el
Vaticano.
Sus figuras son como esculturas, en las que el predominio
de la anatomía humana es muy precisa.
Sus desnudos son gigantescos y con un sentido muy
desarrollado de los músculos del cuerpo humano.
En la capilla Sixtina realizó el "Juicio final" en
el
ábside: en el que Dios todopoderoso, figura central
aparecía
desnudo y que más tarde le obligaron a poner un manto
encima.
Los colores que usó son azules, rojos, es decir de
una gama
fría en tonos fuertes y vivos.
En el techo dibuja más que pinta escenas del
Génesis y
Antiguo Testamento: "Adán y Eva", "la creación del
hombre"...
Al final Miguel ángel se vuelve manierista, es
decir, las
formas de sus figuras toman formas retorcidas y
recargadas.
Rafael es un pintor tradicional, de formas clásicas,
sitúa
en sus obras el tema central en el medio, típico del
Renacimiento.
Sus madonas son de tonos ligeros y muy bellas, delicadas y
de formas suaves.
En sus cuadros las figuras toman cierta inclinación
del
cuello hacia un lado como en "Los desposorios de la Virgen", en
el que también aparece otra característica del
renacimiento, es
decir, el situar en el paisaje arquitecturas clásicas,
también
hay cierta simetría en sus pinturas.
También destacó por sus retratos como el del
"El cardenal",
en el que no sólo refleja con exactitud el físico y
la ropa sino
que también refleja un retrato psíquico del
retratado
Arquitectura mudéjar: iglesia siglos
XIV-XV
Nos representa el ábside de una iglesia
mudéjar.
Construida de elemento pobre: ladrillo, típico de
este
arte. De planta de cruz griega, ábside
semicircular y
absidiolos a ambos lados.
Columnas adosadas de tipo corintio Decoración
elemental a
base de motivos vegetales y gárgolas en la
cornisa.
Arcos de medio punto. Pobreza decorativa al ser un
arte muy pobre y con pocos recursos.
Historia del arte
Córdoba es la capital, y a ella llegan muchas
influencias
islámicas.
Los monumentos más característicos del arte
islámico en
España son.
La mezquita de Córdoba; al principio formada por
unas pocas
naves, está situada sobre el solar de una iglesia
visigoda,
formada por elementos de los edificios que antes había en
Córdoba.
Fue iniciada por Abderramán I más
tarde continuada
por Abderramán II quien la amplió en la
cabecera, y ya
había capiteles hechos por manos islámicas y no
visigodas.
La tercera reforma es la más importante, iniciada
por
Al-Hakam y continuada por Abderramán III.
La
decoración es muy bella con motivos vegetales, las
columnas
sostienen varios arcos a la vez, los cuales son de medio punto en
la parte de arriba y de herradura abajo. El acueducto de
Nuestra Señora de los Milagros es su precedente.
Las dovelas se alternan, unas son de ladrillo y otras de
piedra, unas son rojas y otras son blancas.
Más tarde fue continuada por Almanzor quien
amplió sus
naves.
La mezquita de Córdoba es uno de los edificios
más
importantes del arte islámico universal
La mezquita de Bid al Mardan. Está en
Toledo y
es importante porque está situada en territorio
árabe es un
edificio de planta, rectangular. Utiliza mucho el
ladrillo
Palacio de Medina Azahara. Palacio dedicado
a
la princesa Zahara no se conserva mucho de él pero es de
gran
belleza.
Es la Piedad de Miguel ángel que se encuentra en la
basílica de San Pedro en Roma.
Es una obra que pertenece al Renacimiento.
Domina perfectamente el traje tanto del ángel como
de la
mujer. Logra expresar dolor en el rostro de la
mujer.
Logra expresar una sensación de bienestar e incluso
casi
felicidad, cuando el ángel le arranca la flecha, y lo
expresa a
través de la luminosidad que entra por el techo.
Miguel ángel es un artista en sus obras, logra
expresar el
sentimiento y el mensaje que quiere manifestar.
Miguel ángel es un artista en cuanto se refiere a
las
formas.
Historia del arte
En la pintura de Cinquecento destacan tres autores
importantes y que van a influir posteriormente en muchos
autores.
Leonardo da Vinci destaca por pintar gran número de
madonas, pero la gran aportación de Leonardo a la pintura
de este
siglo es su sfumato, que es una técnica por la cual se
difuminan
los perfiles y queda todo como metido en una niebla, con esta
técnica pinta cuadros como "La Gioconda" con la
característica
risa enigmática de Leonardo.
Rafael Sanzio, este es otro de los pintores destacados del
Cinquecento.
En su pintura también destacan un gran número
de
madonas. Miguel ángel Buonaroti este es el
más grande
artista de todos los tiempos, destaca en los tres artes mayores
como son arquitectura, escultura y pintura. A Miguel
ángel le encargan pintar la cúpula de la iglesia
del Vaticano en
Roma, pintó escenas de la Biblia en las cuales lo que
prevalecía
era el desnudo, pero debido al Concilio Vaticano posteriormente
se tuvieron que tapar lo cual desvirtuó un poco la gran
obra de
Miguel ángel.
La capilla Sixtina es de gran colorido y espectacularidad,
a Miguel ángel se le conoce como pintor de grandes
proporciones.
Estos autores posteriormente tendrían gran
influencia ya
que era en Italia donde se hacía todo el arte y todas las
personas iban allí para entrar en contacto con los grandes
maestros.
Esta lámina representa una iglesia, se puede ver que
es un
ábside con un absidiolo al lado, es de suponer que
tendrá otro
absidiolo en el otro lado del ábside.
Emplea el arco de medio punto y dentro otro de herradura, la
columna que utiliza es de fuste redondo sobre una pequeña
basa,
el orden que utiliza para las columnas es el corintio.
El muro de cortesía prácticamente liso sin
mucha
decoración, excepto tres bandas que dividen el muro en
tres
partes decoradas con una especie de flores, en la cornisa se
pueden ver unas esculturas de cabezas de animales
mitológicos.
Pertenece al a la arquitectura
mudéjar.
Historia del arte
Se inicia con su llegada en el 711 (a
España).
A su llegada los materiales que utilizan son los que
aprovechan de aquí, el arco de medio punto...
Pero los elementos propios son:
Utilización del arco de herradura.Con frecuente
alternancia del color de las dovelas (ejemplo: rojo - blanco es
el que más se da).
Encuadramiento del arco, de las ventanas en el
alfiz.Decoración sistemática, sin un eje ni
centro.
Repetición. Destaca el ataurique. Siempre
decoración vegetal.
Realizar con elementos pobres, como el yeso, verdaderas
obras de arte.Obras minuciosas.
Costerías.
En algunos casos para cubrir la fealdad de los muros se
recubren con teselas. Ejemplo utilizado en la
Aljafería,
al dar el sol brillan, impresión de lujo). Al
venir de
zonas áridas, tienen un amor, sentimiento especial, por el
agua. En sus palacios y patios... siempre que puedan
tendrán canalillos de agua que discurrirán por el
suelo.
Destacan sus bóvedas de mocárabes.
Parecidas a los
"gajos" de la naranja.
Nota. Con el paso de los años, el arco de
medio
punto evolucionará, convirtiéndose en angulado,
peraltado...
Si utilizan puertas, utilizan las adinteladas.
Las columnas suelen ser lisas. (excepto en la Mezquita, ya
que muchas de ellas se trajeron de otros lugares conquistados),
sin estrías
Sus obras más importantes
Mezquita de Córdoba. Emprendida por
Abderramán
I sobre la antigua iglesia de San Vicente
(visigoda). La obra es ampliada por sus sucesores, siendo
Al-Hakam II el que la reforma de una forma decisiva
construyendo el minarete...
La ampliación de Almanzor no pudo seguir el mismo
sentido
que la de los anteriores. Por lo que la amplía a
un
lado.
Como partes destacan:
el patio de las abluciones donde está la fuente para
lavarse;
el minarete que es desde donde se llama a los fieles a la
oración,
la quibla es la parte final del templo y está
orientada a
la Meca (generalmente, en España hacia el sur).
También destaca el alminar...
En la mezquita de Córdoba destaca la doble
arquería, que
dan una sensación de esbeltez y nos recuerda a la doble
arquería
de Mérida.
Cristo de la luz. En Toledo. Está
construido en torno a 4 columnas y contiene nueve
bóvedas cada una de ellas distinta.
Su valor reside en permanecer en territorio cristiano desde
1085. Arriba de la puerta hay un texto en
árabe
que dice: "en nombre de Alá se hizo esta mezquita.
Palacio de Medina Azahara. Mandado construir por
Abderramán III para su favorita.
Se tardó en construir muchos años y se
emplearon más de
10.000 hombres. Trayendo lujos de todo el
mundo.
Es el prototipo de palacio-ciudad.
Aljafería. Cerca del río Ebro, a su
paso por
Zaragoza. Venía a ser como un palacio de
descanso.
Destaca su gran recargamiento, basado en yesería, si
bien
sólo queda un poco.
Alhambra de Granada. Es junto a la mezquita, una de
las obras capitales.
Su belleza (al igual que todas las obras islámicas
en
España) radica en encontrarse en tierras
occidentales.
Es el prototipo de palacio. Toda la vida se
desarrolla en torno a dos patios, el de los leones, construido en
la época de Yusuf I (destaca la tosquedad de los
leones
con el resto, y el de los Arrayanes, construido en la
época de
Mohamed V, sobre el cual está la sala real (gran
estanque alargado en el centro).
Tiene parte pública, privada, oficial (merma,
diván).
Habitaciones para los criados. Habitaciones
reales.
Destacar en el periodo almohade la construcción de
la
Giralda y de la Torre del Oro en Sevilla.
Leonardo da Vinci. Destacó en otros muchos
campos,
estudios científicos, inventor...
En lo que se refiere a la pintura tiene tres
características principales:
sonrisa enigmática.
el principal ejemplo lo tenemos en la Gioconda.
composición triangular.
la mayoría de sus obras tienen esa estructura
difuminación de colores o sfumato, con lo cual
desaparece
la línea del dibujo. Se confunden.
Ejemplo: Gioconda. Como si hubiera niebla.
Destacar como obra "La última cena"
(característica
Rafael. Trabajo en la capilla Sixtina.
Fondo.
En la representación de las 4 ideas
abstractas.
Miguel ángel. Es la figura clave del
Renacimiento
en Italia. Su verdadera vocación es la de
escultor.
Por ello sus obras son esculturas pintadas.
Su obra cumbre (en la pintura) es el "Juicio final" en la
capilla Sixtina.
Se aprecia la corpulencia de los personajes, recordando a
modelos clásicos. Aparece el escorzo, con figuras
en
movimientos violentos. Hay veces que llega a alcanzar
notas de cierto manierismo (que copiará
Bernigento).
La nota de la obra, es que al principio estaba desnudos y
después se mandó taparlos.
Rico colorido.
Historia del arte
Análisis y comentario de la imagen derecha.
Se trata de una obra escultórica: "éxtasis de
santa
Teresa". El creador de esta escultura es Bernini, autor
que se incluye dentro de la etapa barroca.
Bernini tiene una tendencia a lo infinito, interiores
claros y diáfanos, etcétera. Destaca en la
construcción
de la "columnata de San Pedro" en Italia.
En la escultura del Barroco se continúa con la
utilización
de la "técnica del estofado"; se realizan tallas; mezcla
de
arquitectura, escultura y pintura; se intentan dar mensajes
claros y directos, etcétera.
En esta escultura, Bernini hace una espléndida
utilización
de la luz, de forma que mientras que la escena se ilumina, el
espectador se encuentra sumido en la oscuridad. Los rayos
que proceden de arriba, parecen iluminar la escena.
El conjunto (arquitectónico) está formado por
las
esculturas de la Virgen que está sentada sobre una especie
de
roca, y el ángel que sostiene en su mano derecha una
flecha.
Los pliegues de los ropajes se multiplican hacia afuera
dando a la obra mayor dramatismo.
Bernini consigue dar a la obra cierta ingravidez.
Expresión tranquila del ángel. La
Virgen refleja el
momento del éxtasis en su rostro.
La pintura del Cinquecento: Leonardo, Rafael y Miguel
ángel.
Leonardo, Rafael y Miguel ángel se pueden considerar
como
tres de los artistas más importantes de la pintura del
Cinquecento. El primero de los artistas, Leonardo utiliza
en sus obras la llamada "técnica del sfumato" que consiste
en
difuminar los contornos dando a la obra un carácter de
algo
desconocido, difuminado...
Entre sus obras más importantes destaca "La
Gioconda" sobre
la que se ha hablado mucho e incluso se han analizado su sonrisa
enigmática, etcétera.
El siguiente artista es Rafael. Este artista es
conocido sobre todo por sus "madonas" cuya deslumbrez es
impresionante.
Miguel ángel no sólo destaca en pintura, sino
también en
arquitectura y escultura.
Dentro de sus obras escultóricas destacan la
"Piedad",
"Moisés", "David", etcétera.
Sobresalen las pinturas que este artista realizó en
las
bóvedas de la capilla Sixtina del Vaticano; donde destaca
su
"Juicio final" en que pone de manifiesto sus conocimientos de la
fisonomía humana, cuerpos un tanto musculosos,
etcétera.
Historia del arte
Pintura de Cinquecento Leonardo.
Lo más característico de su obra, y ya
conocido por todos
es el sfumato, esa capacidad que sólo los genios poseen de
hacer
que un cuadro parezca que está como flotando, sin
señalizar los
contornos de las figuras, difuminando estas. Junto a la
característica del sfumato, encontramos el estudio que
hizo de la
perspectiva aérea lograda finalmente por nuestro grandioso
Velázquez.
Como obras de Leonardo encontramos su ya conocida "La
Gioconda", con esa sonrisa tan peculiar en las obras de
Leonardo.
Antes de explicar otro autor tengo que decir en primer
lugar que el Renacimiento es una vuelta al mundo clásico,
un
resurgimiento de las normas clásicas. Continuando
con
Leonardo sólo me queda decir que fue un pintor que
influirá en
muchos de los autores posteriores a él.
Rafael. En la vida de Rafael de Urbino tenemos que
señalar varias etapas y varias influencias.
Como primera etapa, Rafael estuvo en un taller donde sus
obras eran un poco afeminadas, posteriormente Rafael
también tuvo
influencias de Leonardo, y como última etapa, es cuando
viajó a
Italia y es allí donde conoció a la maravillosa
obra de Miguel
ángel, quien influirá notablemente por el gran
tamaño de las
figuras pintadas por él.
Cuando Rafael viajó a Italia, Miguel ángel
estaba pintando
su gran obra la capilla Sixtina. En esta misma capilla,
Rafael también pintó alguna de sus obras.
Una de las
características de Rafael es la diversidad de colores
utiliza una
gran variedad de gama, con colores vivos.
Miguel ángel. Aunque fue pintor y arquitecto
(un
genio) él se consideraba ante todo escultor.
Miguel ángel hasta sus últimos días
(murió anciano) no dejó
de hacer obras, ya pudiera ser arquitectónicas,
escultóricas o
pictóricas.
En el terreno de la pintura Miguel ángel hizo el
Juicio
final, con figuras grandiosas solemnes donde el tamaño es
mucho
más grande de la realidad.
El argumento del Juicio final, como su propio nombre
indica, es la elección que recae sobre el hombre de ser
mandado
al infierno o al cielo. Miguel ángel
influyó en Rafael,
pero no sólo fue en este sino en nuestro gran pintor y
genio como
él, Velázquez, clara influencia de Miguel
ángel lo podemos
comprobar en "Las hilanderas", el personaje central tiene la
misma postura que uno de los personajes del Juicio final de
Miguel ángel.
Una de las características del Renacimiento en las
obras de
Miguel ángel son los fondos arquitectónicos que se
encuentran en
la pintura de Miguel ángel, los elementos son
clásicos, como por
ejemplo los frontones o las columnas lisas.
Otra de las características es el tratado del
desnudo, en
un principio la figura central del Juicio final se encontraba
desnudo del todo, pero el Papa, le mandó que le pintara
una
especie de tela. Pero algo muy sorprendente en esta
pintura es que en la pierna de esta se encuentra pintada una
mujer desnuda.
Imagen de la derecha "éxtasis de santa Teresa" de
Bernini. Bernini es un escultor que pertenece al Barroco
al siglo XVII aproximadamente. Escultura
sedante.
En los comienzos del Barroco esta palabra tenía un
sentido
peyorativo pero en nuestros días es uno de los estilos
reconocido
como brillante.
El estilo barroco es un recargamiento de las obras.
Bernini en esta obra, nos muestra una de las
características del Barroco y que se refleja
perfectamente, es la
expresividad de los personajes, ese dramatismo que tiene
reflejado en el rostro santa Teresa que va a ser herida por la
flecha del ángel.
Esta obra está colocada en un lugar donde la luz
viene de
arriba/refleja los rayos de color oro que bajan sobre santa
Teresa que provoca un ambiente sobrecogedor, de estar
presenciando la escena en ese mismo momento.
En el Barroco lo que se pretende es que el espectador sea
activo y no pasivo.
Otra de las características de Bernini, es en el
tratamiento del ropaje, esa facilidad que tiene de hacer los
pliegues en el mármol.
Bernini también hace un estudio del desnudo, aunque
en esta
obra no se ve muy claro, sólo está semidesnudo el
ángel aparte
del estudio del desnudo hace también un estudio de la
anatomía
humana, y de sus expresiones.
Historia del arte
Se trata del Partenón. Pertenece a la
arquitectura
griega. Se encuentra situado en la Acrópolis de
Atenas. Es un templo de grandes dimensiones. Se
trata de un templo períptero y octástilo, tanto por
la
disposición de sus columnas como por el número de
estas.
Está dedicado a la diosa Atenea. En él se
albergaba una
estatua grandiosa de esta obra que había sido realizada
por
Fidias. Este autor fue además quien realizó
la
decoración, tanto de las metopas como del
frontón. El
orden del templo es dórico.
Las columnas tienen un fuste con arista viva. El
templo se levanta sobre una escalinata formada por varios
escalones que reciben el nombre de estilóbatos y
estereóbatos. El templo se compone de tres partes
fundamentales: la pronaos, la naos y el opistodomos, que
desempeñan papeles diferentes dentro del templo.
Así la
naos es la sala donde se alberga la imagen del dios.
El opistodomos es una sala que se encuentra en la parte del
templo donde se albergan los tesoros del dios. El templo
no es lugar de reunión, sino la casa del dios.
Todas las
ceremonias se realizaban ante la puerta del templo.
La cubierta es a doble vertiente. En el
frontón se
plasmaban escenas de batallas. Estos frontones fueron
obra de Fidias. Este templo se construyó bajo el
mandato
de Pericles. Está realizado en piedra y se piensa
que
estaba policromado.
Se trata de la obra escultórica conocida con el
nombre de
"Apolo y Dafne". Su autor es Bernini. Esta obra
pertenece al Barroco. En ella se plasman numerosos rasgos
de la escultura barroca. Es una obra realizada en
mármol.
Tiene un tema mitológico. Podemos ver el
realismo y
el naturalismo de las figuras. El autor nos quiere
mostrar un instante de esa escena. Nos presenta el
momento en el que Dafne se empieza a convertir en un laurel.
Representa la metamorfosis. El autor plasma el
movimiento. Un movimiento expansivo, que se sale del
entorno.
Bernini realiza una composición diagonal.
Toda la
figura es expresividad. Tanto en los rostros como en toda
la disposición tanto de piernas, brazos o manos.
Esta obra se conoce con el nombre de "La Venus del
espejo". Su autor es Velázquez. Pertenece
a la
pintura barroca española. Nos presenta a un
desnudo
femenino. El tema es mitológico. Es muy importante
la
disposición de las figuras dentro del cuadro.
Velázquez
en esta época ya ha abandonado definitivamente su etapa
tremendista. Es ahora un pintor colorista en el que la
luz consigue desbordar el cuadro. El centro de este
cuadro es el espejo en el cual aparece reflejado el rostro de la
Venus. El espejo aparece sostenido por Cupido que es el
dios del amor en la mitología clásica. Es
importante
destacar que el espejo es un elemento destacado dentro de la obra
de Velázquez. Es de destacar también la
posición de la
Venus que aparece recostada y de espaldas. Es una obra
que nos muestra una escena sosegada y tranquila.
Hay un movimiento en las figuras que nos invita a la
tranquilidad y al descanso. El cuadro está pintado
al
óleo.
Se trata de la pirámide de Keops. Es una
obra
arquitectónica del arte egipcio. Se encuentra
situada en
la meseta de Gizeh. Es una de las obras más
importante
del arte egipcio. Se trata de una tumba. Es la
evolución de la mastaba y de la pirámide
escalonada. Es
el lugar donde se enterraba al faraón. Se
construye por
medio de grandes sillares de piedra. Consta de tres
cámaras mortuorias que se puede deber a que se
construyó con
varios proyectos. Las pirámides cumplen los rasgos
principales del arte egipcio. Estos rasgos son
colosalismo y sensación de eternidad. Las
pirámides
aparecían rodeadas por templos u otro tipo de
instalaciones; como
pueden ser las tumbas de las reinas... Es importante
citar que los egipcios ponían a la esfinge (figura con el
cuerpo
de león y la cabeza de hombre) como guardiana de la
pirámide.
Además como medida de seguridad colocaban numerosos
pasillos
y pozos para confundir a todos aquellos que querían
profanar la
tumba. Esto era así ya que junto con el
sarcófago del
faraón se colocaban tesoros.
El arte islámico es un arte que fue introducido en
España
por los judíos durante la conquista de España por
los
islámicos. Aunque podemos encontrar restos de este
arte
en la mayor parte de la geografía española, su foco
principal es
Andalucía, ya que este territorio fue el que más
tiempo estuvo
bajo su dominio. El arte islámico centra todo su
carácter
en la arquitectura; siendo la pintura y la escultura elementos
que no son casi tratados y que suelen completar a la
arquitectura. La arquitectura se centra en dos edificios:
la mezquita y el palacio. La mezquita es el edificio
religioso que sirve de lugar de oración de los fieles.
Suele
tener colocado el muro del fondo mirando hacia la Meca, pero en
España esto es una cosa que cambia ya que aquí la
quibla se
orienta hacia el sur. La mezquita se diferencia en dos
partes fundamentales: el patio o sahn y el haram o sala de
columnas. El patio es el acceso a la mezquita. En
él encontramos dos elementos importantes: el sabil o
fuente y el
alminar o minarete que es una lona desde la que se llamaba a los
fieles. Dentro del haram podemos distinguir
también
algunas partes diferenciadas.
La maqsura es una parte destinada al monarca. El
mihrab es una pequeña hornacina o templete en el que se
encontraba el Corán. Es el lugar sagrado del
Islam.
Este se encontraba en un muro que recibe el nombre de
quibla.
El mihrab se suele encontrar en el centro menos en algunos
casos como en Córdoba que este se encuentra a un lado de
la
mezquita, es decir, del muro del fondo. Esto se debió a
las
numerosas ampliaciones. Estas ampliaciones se debieron al
aumento del número de fieles. Es por tanto el
Islam un
arte religioso pero también es un arte civil. Como
ejemplo de esto tenemos el palacio. El palacio
tenía una
doble función: por un lado era una fortaleza en la que
vivía el
rey y por otro lado era el centro administrativo. En
él
podemos encontrar dos partes bien diferenciadas. Por un
lado encontramos la zona pública en la cual se realizaban
las
audiencias y en ella se llevaba a cabo la administración
del
Estado. La otra parte es la privada. Esta parte
recibe el nombre de Harem. En ella es donde se encuentran
las dependencias del rey. Como ejemplo de palacio tenemos
en España la Alhambra de Granada. Es un conjunto
arquitectónico que se funde con el paisaje. En la
Alhambra podemos distinguir las dos zonas que componen el
palacio. Estas zonas son el cuarto de Comares y el cuarto
de los Leones. Estas zonas tienen como eje dos patios: el
de los Arrayanes (Comares) y el de los Leones.
Representan a la zona privada (Leones) y a la pública
(Comares). Es muy importante la decoración y
cómo el
palacio consigue armonizar con su entorno. Tiene gran
importancia en el palacio el agua y los jardines.
Arte Islam.
Arquitectura religiosa: mezquita;
civil: palacio Córdoba, Alhambra.
Caravaggio es un pintor italiano del Barroco.
Pertenece junto con Rubens a lo que podríamos llamar el
Barroco
católico. Es su pintura una pintura con
temática
religiosa. Aunque este tema aparece representado de una
forma nueva. Es una pintura anacrónica ya que la
centra
en su época. Su pintura tiene dos
características
principales.
Se considera como un pintor que plasma momentos, detiene el
tiempo en sus cuadros. Emplea la técnica del
claroscuro
dirigiendo la luz hacia aquellos rostros o gestos que quiere
destacar. Es una pintura que podemos considerarla como
tremendista por los colores que emplea.
Son cuadros pintados al óleo. Emplea y juega
con la
luz disponiéndola a su juicio, tal y como desea.
Son
obras realistas y naturalistas.
Todas las figuras muestran su estado anímico y sus
sentimientos. Como muestras de todo ello podemos destacar
la obra conocida con el nombre de La vocación de san
Mateo.
En la que aparece bien reflejada la utilización de la
técnica
del claroscuro y cómo hace entrar la luz desde una ventana
y la
dirige hacia los rostros de los personajes que allí
aparecen.
Historia del arte
La fotografía de la izquierda da una vista del patio
de los
Leones de la Alhambra. En el centro posee una fuente,
elemento típico de los patios hispanoárabes.
Aparecen una serie
de leones que dan nombre al patio, desde la fuente se extiende
unos pequeños canales hasta las habitaciones comunicadas
con el
patio. Alrededor del patio se disponen los arcos de
herradura peraltados, y son falsos simplemente hacen
función
decorativa bajo ellos habrá un dintel que haga
función de
soporte. La decoración es de ataurique (motivos
vegetales
geometrizados), de lazo y también la decoración
epigráfica (de
letras árabes). Las columnas son estilizadas de
capiteles
con motivos vegetales geometrizados. Aparecen
también dos
pórticos. Es típica la decoración de
los arcos con
mocárabes es decir se colocan piezas de madera, se cubren
de yeso
y dan la impresión de ser estalactitas. Esta
construcción
pertenece a la época nazarí del siglo
XIV. La
decoración conjuga tres aspectos, la vegetal, la
estilizada de la
construcción y el sonido del agua que elevan a esta
construcción
a la máxima belleza.
La fotografía de la derecha corresponde a la estatua
ecuestre del Condottiere Gattamelata y es de Donatello pertenece
al Quattrocento italiano (siglo XV). Usó
como
modelo la escultura romana de Marco Aurelio (en Roma). Se
erige sobre un pedestal y en él aparece una leyenda que
portan
dos figuras desnudas también de influencia clásica
(curva
praxiteliana). Aparece un caballo esbelto y
estático, se
busca la belleza (de tipo clásico). Se puede
comparar con
la posterior escultura de Verrochio del "Condottiere Colleoni"
que es más gruesa y con dinamismo. En ésta
aparece el
jinete como en actitud de supremacía, ordenando.
Cabe
destacar el estudio de la figura del caballo, la
disposición de
las patas está perfectamente conseguida. Y la
belleza y
suavidad de las formas lo incluyen en el modelo de belleza
clásica.
En la derecha aparece la famosa escultura de Bernini "Apolo
y Dafne" pertenece al Barroco italiano siglo XVII.
Vemos que se intenta captar el movimiento en la escena muy
conseguida por los paños de Apolo, la posición de
los pies y la
postura retorcida de Dafne.
La escena representa el mito clásico, Apolo
quería poseer a
Dafne y ésta para evitarlo se convierte en laurel.
Se
intenta captar el momento álgido de la acción, la
conversión de
Dafne. La anatomía de los cuerpos responde al
modelo
clásico aunque más estilizado. Es
también característica
barroca la teatralidad de los gestos. Aparece el gesto de
dolor de Dafne y el de sorpresa de Apolo. La escultura
tiene un gran dinamismo que parece manar de su interior.
La fotografía de la izquierda presenta el
"Partenón", es de
época clásica (siglos: V-IV antes de
Cristo) es de orden
dórico (sin base, fuste estriado y capitel
dórico). En
las columnas se produce el éntasis que tiene una
función de
corrección de la visión, es decir las columnas se
estilizan o se
hacen más gruesas para que todos parezca iguales (por la
luz). El friso es corrido y el frontón no se
conserva. Está situado en la Acrópolis de
Atenas, elevada
sobre una escalinata. En el friso trabajó Fidias e
incluso creó su propio taller. Lo más
admirable es el
tratamiento de los paños, con una muy lograda
transparencia,
dejando entrever la anatomía humana. El templo
está
dedicado a Atenea Pártenos, diosa griega de la
sabiduría.
En el centro se situaría una gran estatua que no se
conserva.
Hay un relieve muy famoso del friso que es el de la
Panateneas (procesión en honor de Atenea) figuras
idealizadas y
con transparencia en el vestido.
El arte islámico en España se desarrolla en
la zona sur
sobre todo en Andalucía (Al-Andalus) desde el siglo octavo
hasta
finales del siglo catorce comprende varias etapas; califal, de
los reinos de taifas, de las misiones africanas y la
nazarí.
La mezquita está formada por un patio para las
abluciones,
alminar (para dirigir el culto), mihrab, y la quibla. El
mihrab debe estar orientado a la Meca. Luego las salas
para el culto y las reservadas al califa. La mezquita de
Córdoba fue construida por Abd-al-Rahman I,
posteriormente la amplió Abd-al-Rahman III,
Al-Hakam
II y Almanzor.
Los arcos son de herradura con bicromía en las
dovelas
aparecen los capiteles con motivos vegetales estilizados.
El fuste es en una parte estriado y en otra liso.
Las naves están separadas por hileras de columnas para
aprovechar
el espacio y albergar la mayor cantidad de fieles.
Aparece un contraste entre el interior ricamente decorado y el
exterior sobrio. Los materiales que se utilizan no son
muy duraderos, yeso, barro cocido etcétera... pero el
dominio de
la técnica y la azulejería hacen de estos edificios
una galería
de sensaciones al verlos. El palacio de Medina Azahara,
es también de la etapa califal y lo más bello son
los capiteles
tratados con el trépano llamados de "nido de avispa" que
dan la
apariencia de marfil. La Alhambra es una
construcción
amurallada de ladrillos, en el interior gran cantidad de
dependencia: patio de los Leones y el de los Arrayanes, sala de
los Abencerrajes, torre de Comares, sala de Comares, sala del
trono, de las Dos Hermanas, los baños, el mihrab,
etcétera.
La decoración de azulejería que aparece,
epigráfica,
lacería, ataurique, hay se decora toda. Hay arcos
lobulados, decorados con mocárabes.
Velázquez fue un
pintor sevillano nacido a finales del siglo XVI.
Brilló durante el siglo XVII (Barroco) en las
primeras
obras es un poco tenebrista ("aguador de Sevilla", la "Vieja
friendo huevos etcétera).
Posteriormente marcha a la corte donde pintará
"Príncipe
Baltasar Carlos" entre otros y también tras sus viajes a
Italia
pinta: "Villa Medicis" "meninas", "Las hilanderas", "La fragua de
Vulcano" etcétera. También pintará
muchos bufones "Niño
de Vallecas" etcétera tratados con ternura.
Lo más característico de Velázquez es
su perspectiva aérea
parece haber atmósfera en el cuadro que envuelve a los
personajes. Velázquez es un maestro de la luz sin
que
aparezca un foco de luz determinado y confiere luz a las figuras
que desea. También la disposición de planos
y la
perspectiva la logra mediante complejas comparaciones, por
ejemplo en "La rendición de Breda", aparece una
línea curva en
primer plano.
Historia del arte
Arte islámico. Este arte se puede situar
aproximadamente entre los siglos VIII al
XIV. Uno de los edificios más importantes
del
arte islámico es la mezquita de Córdoba que
pertenece al llamado
arte cordobés, teniendo en cuenta que el arte
islámico se divide
en cuatro etapas: arte cordobés, reinos de taifas,
invasiones
africanas y el arte granadino. Concretamente la mezquita
de Córdoba se encuentra, como ya hemos indicado, dentro
del arte
cordobés, el cual podríamos situarlo del siglo
VIII al
XI aproximadamente. La mezquita de
Córdoba es un
edificio realizado con materiales pobres, al igual que gran parte
de los edificios del arte islámico, pero de los cuales se
consigue unos grandes resultados y de gran belleza. Una
de las características más importantes es el empleo
de los arcos
y principalmente el arco de herradura, junto con este
también se
encuentran otros tipos de arcos muy característicos en
este arte
también, como: los arcos polilobulados, los arcos
trilobulados y
muy importantes los arcos falsos, que eran aquellos que no
tenían
ninguna función de soporte, sino simplemente eran
elementos
decorativos. Estas características también
son aplicables
a la mezquita de Córdoba. Esta fue construida en
varias
"etapas" o "fases", es decir, fue Adberramán I,
quien en
el siglo VIII hace la mezquita, la cual consta de un
patio, donde se encuentra las fuentes de abluciones que
servían
para lavarse los pies antes de entrar. También se
podía
encontrar el alminar que era una torre para llamar a los
fieles. Dentro de la mezquita se encuentra la quibla, que
es la pared orientada hacia la Meca, y por último el
mihrab al
cual no tenían acceso los fieles. Y el recto de la
mezquita estaba formado por columnas, llamado haram. Fue
en el siglo IX cuando Abderramán II
amplió la
mezquita derrumbando la quibla. También por el
siglo
X, intervino Al-Hakam II que la volvió a
ampliar, pero la última intervención fue la de
Almanzor, que la
amplió lateralmente. Todo este conjunto de salas
forma la
mezquita de Córdoba, uno de los mejores recuerdos
islámicos que
nos quedan. También hay que destacar la
importancia de
los palacios, como el palacio de Medina Azahara, siglo
X, en donde se encuentran los mejores capiteles y arcos
de herradura de todo este arte.
Con respecto a los capiteles hay que destacar que eran de
nido de avispa, los cuales daban grandiosos tonos de
decoración. También hay que destacar otro
importante
palacio: palacio de Ajedrería, donde se encontraban un
nuevo tipo
de arcos que eran los arcos mixtilíneos, es decir,
alternancia de
rectas y curvas.
Esta escultura pertenece a Donatello, llamada:
"Gattamelata", es una figura ecuestre que pertenece al
Quattrocento. siglo XV. En ella se puede ver, la
figura de un jinete sobre su caballo.
El jinete va complementado con su coraza, propia de los
soldados o generales de este siglo y el caballo tiene una de sus
patas sobre una bola, característica que nos puede ayudar
a
diferenciarlo de la figura ecuestre de Verrochio: "Colleoni".
Este tipo de escultura solían adornar algunas plazas,
como
elemento conmemorativo.
Pertenece a la Alhambra de Granada concretamente: "el patio
de los Leones". Pertenece al siglo XIV y
está
dentro del arte granadino. En este patio hay una fuente,
donde se encuentran los leones; figuras que indican la
evolución
escultórica de este arte, aunque hay que destacar la falta
del
dominio de la técnica, ya que no están muy
logrados. Este
patio está rodeado de cuatro pórticos, en donde se
encuentran los
llamados arcos falsos.
Esto no hacían ninguna función de soporte,
solo servían
como elementos decorativos. Estos arcos solían
estar
sostenidos por unas pequeñas columnas de fuste liso, las
cuales
tenían el capitel como inscrito en un cuadrado.
Por último hay que destacar la importancia del agua,
ya que
es un complemento muy utilizado en este arte.
"Apolo y Dafne" de Bernini. Pertenecen al siglo
XVII, Barroco. Cuenta la leyenda, que a Apolo
tocó a Dafne y esta se transforma en árbol.
En esta
escultura podemos ver la alternancia de rectas y curvas, tratan
de dar movilidad a sus obras; característica fundamental
en el
Barroco. Esta es una figura de mármol; material
muy
utilizado en el Barroco.
"Partenón" de la Acrópolis de Atenas.
Pertenece al
arte griego, siglo IV antes de Cristo. Este es
un templo de orden dórico, sin basa y con fuste estriado,
con
arista viva, es decir, bordes angulares. Es un templo
octástilo, ya que tiene ocho columnas en fachada.
Sobre
estas columnas se encuentran el dintel, que solían ser de
estructuras sencillas. Sobre este dintel, se encontraba
el friso con alternancia de triglifos y metopas.
Generalmente estos templos solían ser para la
adoración de
los dioses.
Cuestión Brunelleschi y Alberti pertenecen son
arquitectos
del siglo XV. Una de las mayores creaciones de
Brunelleschi fue la cúpula de la catedral de
Florencia.
Otro de sus monumentos es: el palacio de Pitti, otra magnifica
construida de sillería y almohadillado. Con ambas
creaciones consiguió gran prestigio. Pero
principalmente
fue con la cúpula de Florencia; cúpula, la cual se
encontró con
la base terminada.
Alberti también fue otro arquitecto del siglo
XV,
el cual creó un magnífico palacio, llamado: Palacio
Farnesio,
formado también de una perfecta
sillería.
Historia del arte
Características generales del arte
islámico.
A partir del nacimiento de la religión
islámica con Mahoma,
el arte islámico. Pronto, con la religión,
el arte se
expande por un extenso territorio a ambos lados de la
península
arábiga (llegando hasta la India por el este y hasta
España por
el oeste). En el 711, los musulmanes entran en
la península Ibérica y pronto el esplendor de una
cultura se
adueñará de ella.
Lo más destacado de la arquitectura islámica
es la mezquita
y el palacio.
Dentro del arte hispanoárabe encontramos dos
edificios
carismáticos que han marcado esta época: la
mezquita de Córdoba y
la Alhambra de Granada. La primera, fue construida para
la ciudad capital de los musulmanes en España, por varios
califas
que iban ampliando cada vez más el recinto. La
mezquita
consta de unas partes esenciales: el patio de abluciones, el
alminar o minarete (desde el que se llamaba a la oración),
el
mihrab (lugar más o menos sagrado orientado en
dirección a la
Meca), y la quibla (lugar donde se ora en dirección al
mihrab). Destaquemos de esta mezquita la quibla, que en
su parte más famosa tiene arcadas apoyadas sobre columnas
(muchas
de ellas romanas de las ruinas de Mérida, Hispalis o
Itálica) y
con dos arcos superpuestos (los de abajo de herradura -tipo
califal- y los de arriba de medio punto peraltados) con
bicromía
en las dovelas (alternancia del rojo y del blanco, posiblemente
inspirado en el acueducto romano de los Milagros en
Mérida).
En el mihrab destaca el horror vacui y la suntuosidad
decorativa. Se accede a él a través de un
arco de
herradura encuadrado en el típico alfiz. Dentro
ya, nos
sorprende la innovadora cúpula de nervios que no se cruza
y
forman un octágono en su centro. El periodo
califal
(siglo X sobre todo) da también como fruto uno de
los
palacios más emblemáticos y a la vez desconocido:
el palacio de
Medina Azahara, en las cercanías de Córdoba,
construido por el
califa para su amada Azahara. En él destacan sus
capiteles, obras maestras de la utilización del
trépano, llamado
de nido de avispa por su elaborada filigrana y horadado.
Pero es mucho más importante el palacio de la
Alhambra (la
roja) de Granada, construido en época de los reinos de
taifas. Es un palacio fortaleza, en su interior casi
albergaba una ciudad. Entre las partes más
destacadas
están el harén y las salas de recibimiento de
reyes,
embajadores,... además de los jardines (Generalife
residencia de
verano).
Lo primero que nos impresiona es el contraste
arquitectónico entre el interior, fastuoso y de elaborada
estética decorativa, y el exterior, sobrio y sencillo.
Cabe
destacar que el agua y la luz son elementos esenciales, junto con
la vegetación para la Alhambra. La simbiosis entre
naturaleza y arquitectura es asombrosa, casi mágica.
Destacan en el palacio de la Alhambra el patio de los Leones, el
de los Arrayanes, los jardines de El Partal, la Torre de Comares,
la Sala de los Embajadores, la de la Lindaraja, la de las
Hermanas, etcétera...
Velázquez.
Velázquez es un pintor sevillano englobado dentro
del
movimiento artístico llamado Barroco (marcado por
pintores, sobre
todo italianos, como Caravaggio, etcétera. Su
primera
etapa, la de juventud, destaca por la pronta influencia del
tenebrismo, tan definitorio del Barroco, y el realismo.
Estas dos características principales las muestra en
cuadros como
"Vieja friendo huevos" o "El aguador de Sevilla" (en el que
destaca el brillo de los cántaros y la magistral
transparencia de
la copa). Más tarde es pintor de la Corte, en la
que se
engloban numerosísimas obras y donde predomina sobre todo
el
retrato. Desde el retrato de Inocencio X hasta
"Las meninas" (cuadro en el que él mismo aparece cuando
está
retratando a los reyes). Mención aparte merecen
los
famosos retratos de "bufones" entre los que se encuentran
"Pablillos de Valladolid", "El bufón Calabacilla", "El
primo de
Vallecas",...
La captación psicológica y la
humanización, hasta el punto
de dignificarlos es su rasgo principal.
También es preciso destacar cuadros como "Las
hilanderas",
en el que los juegos ópticos, tan característicos
de Velázquez,
aparecen de nuevo (tapiz del fondo). Y es que Velázquez,
ha
perdurado y perdurará por su magnífica
aportación al arte.
Otras obras importantes: "Retrato del conde-duque de
Olivares", de "Baltasar Carlos",...
El Partenón (Acrópolis de Atenas).
Ejemplo perfecto
del templo griego.
Es de orden dórico, es octástilo y
períptero.
Fueron sus arquitectos Ictinos y Calícrates y Fidias
dirigió las
obras de construcción, encargándose de coordinar su
ejecución y
de la escultura (Atenea y tímpanos). Los elementos
griegos de idealización del templo hasta el punto de
cuidar los
efectos ópticos están presentes: éntasis,
intercolumnios
desiguales, mayor robustez,... Dedicado a Palas Atenea,
tenía en su interior la escultura de esta diosa hecha por
Fidias
en oro y marfil. Aún hoy se erige sobre la colina
de la
Acrópolis ateniense orgulloso junto con otros templos, de
una
civilización que ha marcado la historia.
Apolo y Dafne, Bernini.
Es una de las esculturas más representativas del
Barroco,
en la que se muestran sus principales características
escultóricas: Bernini capta el instante justo en el que
Apolo
atrapa a Dafne y ésta se convierte en laurel. La
expresión corporal es insuperable, y el movimiento, parado
por un
instante, parece querer seguir (el paño de Apolo da
sensación de
movimiento). La estructura es ligeramente curvada, casi
paralelística entre los dos personajes, los pies se
estiran y las
cabezas se levantan. La sorpresa de ambos se muestra en
el gesto de los rostros, que rozan el claroscuro en ojos y
labios.
Cúpula de la catedral de Florencia, de
Brunelleschi.
Ha acabado el Gótico, el Renacimiento se erige poco
a poco,
y Brunelleschi aporta uno de los mayores empujones al comienzo
del Renacimiento. La cúpula, símbolo del
Quattrocento,
sobre el transepto es octogonal, con un desarrollado tambor sobre
el que se asienta la cúpula "exterior" (en el
interior no tiene
la misma forma). En lo más alto, una
pequeña linterna da
ligereza a la cúpula.
Aún queda el vestigio gótico del
apuntamiento, que ya en el
Cinquecento desaparecerá con la cúpula de media
esfera.
Tímpano románico.
En él se observan temas escultóricos
más representado: el
pantocrátor rodeado de los tetramorfos (san Lucas
-serpiente-,
san Juan -águila-, san Marcos -león- y san Mateo
-toro).
La jerarquía de las figuras se nota en el
tamaño, así Dios
omnipotente aparece como el más grande, dominando el
tímpano)
seguido de los tetramorfos y de las diferentes personalidades
religiosas que están claramente distinguidas por unas
bandas
separatorias. La isocefalia está presente.
La escultura, como la pintura, es esquemática y
tiene
función didáctica. El mensaje de un Dios
justiciero (mano
levantada, sentencia) dentro de la mandorla
mística.
La expresividad se muestra sobre todo en los ojos, que son
grandes y saltones.
Las vestiduras se esquematizan al máximo (como en
pintura)
hasta el punto de parecer innaturales y
geométricas.
Podríamos compararlo con las pinturas del
ábside de San
Clemente de Taüll, pero en este caso en
pintura.
Historia del arte
Patio de los Leones. Está en la Alhambra de
Granada, construida en el siglo XII-XIII. En el
centro del patio está la fuente que le da nombre, por los
leones
que hay a su alrededor. En frente hay una especie de
pórtico de entrada con tres arcos, el central se abre a
más
altura y anchura. Estos arcos son polilobulados y
ajimezados. En los extremos los arcos son de herradura
así como en los laterales. Encima del
pórtico hay una
especie de cúpula. En los laterales
dieciséis arcos de
herradura y en el centro un arco que se abre a más altura
y
anchura.
La Alhambra pertenece a los reinos de taifas, invasiones
almohades. A la izquierda de la fotografía hay una
especie de cimborrio octogonal. Cada arco está
sostenido
por dos columnas con los típicos anillos de la
Alhambra.
Condottiere Gattamelata. Es de Donattello siglo
XV. Está sobre un podio. Es de
bronce. Lleva una coraza, el caballero, típica del
momento. Esbeltez de la figura y hay gran robustez en el
caballo que da la sensación de pesadez. El caballo
está
haciendo una cabriola pero el condottiere permanece
inmóvil
encima del caballo. En el podio hay un relieve de unos
niños ángeles. Detrás del
condottiere Gattamelata que
está en una plaza italiana, hay una iglesia
románica con arcos
ciegos bajo las cornisas y poca decoración
exterior.
Esta fotografía pertenece al Partenón de la
Acrópolis de
Atenas. Siglo V antes de Cristo. Es la
mejor representación de estilo dórico que permanece
bien
conservado hasta nuestros días. Está
formado por ocho
columnas en fachada, es octástilo y dieciséis en
los
laterales. Son columnas dóricas de estrías
vivas. En el
entablamento hay triglifos que solían ser azules y metopas
de
fondos rojos. En el frontón había una
muestra de relieve
realizado por Fidias, era la procesión de las Panateneas
que se
realizaba cada 4 años. La
construcción se apoya
sobre un basamiento de gradería que contribuye a realzar
la
mole. En el centro se encontraba la figura votiva de la
deidad, en la parte anterior y posterior del templo había
dos
cámaras. En Grecia la religiosidad era muy fuerte
y
construían templos en honor a los dioses protectores de la
ciudad.
La Acrópolis es una muestra de ello.
Llegaban a
personificar a los dioses e incluso se enfrentaban con ellos,
como el mito de Prometeo. Está hecho en
mármol.
Apolo y Dafne de Bernini.
Obra en mármol que refleja un tema
mitológico. Los
enamorados Apolo y Dafne. Cuando Apolo tocaba a Dafne
esta se convertía en árbol, en laurel. Se
puede observar
el contraste entre la figura de Apolo que parece que está
en
movimiento y la figura estética de Dafne. Hay gran
contraste también entre la suave piel de la muchacha y la
robusta
textura del árbol. Rostros con
expresividad.
Caracteres generales del arte islámico: mezquita y
palacio. Pertenecen al arte califal en
Córdoba.
Con arcos de herradura policromados. La mezquita tuvo
muchas incorporaciones o añadidos como la de Almanzor o
Al-Hakam
II etcétera. La cúpula del mihrab
tiene los
nervios que no se cruzan en el centro. Hubo gran
utilización de azulejería que se puede comprobar
por ejemplo en
el mirador de Lindaraja y arcos polilobulados
entrelazados.
Velázquez.
Fue pintor de cámara del rey siglo XVII es
barroco
gran realismo y expresividad en su obra.
Refleja aspectos cotidianos de la vida y temas sencillos
como la Vieja friendo huevos etcétera.
Pinta también con relación a temas
mitológicos como en Las
hilanderas que refleja el mito de Aracne. Se incorpora el
propio Velázquez en sus cuadros como en Las meninas y crea
espacio de luz y sombra. Gran perspectiva en su
cuadros. Gran retratista es este
Velázquez.
Historia del arte
El arte islámico se caracteriza por su
homogeneidad.
A pesar de abarcar territorios que van desde la India a
España.
Lo más característico del arte
islámico es la arquitectura,
la escultura y la pintura apenas se cultivan ya que se lo prohíbe
su religión.
La arquitectura islámica se caracteriza porque
valora más
la decoración que lo propiamente estructural.
Dentro de la "Medina" lo que más destaca es la
mezquita y
el palacio.
Se caracterizan por ser edificios de poca elevación,
se
preocupan poco por la envoltura y usan todo tipo de elementos
decorativos en el interior.
Dentro de la mezquita encontramos todo tipo de elementos
arquitectónicos: arco califal, de medio punto, lobulado,
túmido y
toda clase de bóvedas.
Las mezquitas reflejan el corte islámico en todo su
esplendor. La mezquita suele tener una estructura
exterior como de fortaleza. Consta de varias
salas.
Entre las salas hay numerosos jardines con fuentes.
Destaca la mastaba dentro del conjunto.
El palacio también tiene gran importancia, era el
lugar de
residencia del emir o califa, habían varias salas para
invitados,
de descanso, de reuniones, etcétera. Se observan
los
caracteres de la arquitectura árabe: columnas delgadas,
arcos de
todo tipo, bóvedas, todo tipo de decoración:
atauriques,
mocárabes, elementos geométricos y
epigráficos. Destaca
su armonía con el paisaje. También se usan
mucho las
bóvedas. Los arcos se solían enmarcar
dentro del
alfiz.
Velázquez es el pintor de la luz.
Desde muy joven empezó a trabajar en la corte; su
vida la
dedicó por entero a la pintura.
En Sevilla pintó algunas de sus obras más
importantes: "El
aguador de Sevilla", la "Vieja friendo huevos". Se
observan características propias de la pintura barroca:
naturalismo, se pinta lo feo y lo bonito, lo agradable y lo
desagradable, la luz lo inunda todo.
Debido a su trabajo en la corte efectuará varios
viajes a
Italia (para traerse obras de arte), conocerá a
Rubens.
Intercambia su estancia en Madrid con su estancia en Italia.
Entre sus obras más importantes: retratos de la
familia real:
"Infanta Margarita", "Príncipe Baltasar Carlos", "Felipe
II", dos retratos del "conde-duque de Olivares", de
temas religiosos: "Cristo en la cruz", temas mitológicos:
"Los
borrachos", "La Venus del espejo", "La fragua de Vulcano"; en su
deseo de lo retratarlo todo, hará numerosos retratos de
enanos y
bufones: "Calabacín", "Niño de Vallecas",
"Barbarroja".
También realizó retratos de caza y
ecuestres.
Por último "Las hilanderas" y su obra más
importante "Las
meninas". En esta obra se observan todas las
características de Velázquez: uso de la luz,
"tenebrismo",
búsqueda de la perspectiva y la profundidad. En
este
cuadro aparece Velázquez, tras su muerte el rey hizo que
se
colocara sobre el pecho de Velázquez, la cruz de Santiago
que lo
convertía en caballero de Santiago, cosa que
Velázquez siempre
deseó.
Escultura barroca. "Apolo y Dafne".
Bernini. Se observa el dinamismo de Apolo frente a
la postura estática de Dafne (se está convirtiendo
en árbol).
Es un tema mitológico. Plasticidad de los
miembros y
rasgos bien marcados. Dafne está en
"éxtasis".
Están hechos en mármol. Arquitectura
griega.
"Partenón". Templo dórico.
Díptero, anfipróstilo
y octástilo. En las se observan las estrías
propias de
las columnas dóricas, no tienen basa y sí
éntasis. Se
observa el encurvamiento del entablamento y
estilóbato.
Desigual diferencia de los intercolumnios,
etcétera.
Arquitectura egipcia. Pirámide.
Tiene
carácter funerario. Destacan por su
grandiosidad.
Era donde se enterraban a los faraones, se acompañaban de
objetos
para su vida en el más allá; constaban de varios
compartimientos:
cámara mortuoria, cámara funeraria, pasadizos,
compartimientos. Una vez efectuado el sepelio los
pasadizos se cegaban para evitar la entrada de ladrones.
Estaban hechos de piedra.
Pintura barroca. "Venus del espejo".
Velázquez.
Tema mitológico. La luz lo inunda todo.
Profundidad y naturalismo son otras características.
Es
de destacar el espejo, muy utilizado por
Velázquez.
Historia del arte
La arquitectura del Quattrocento estará representada
sobre
todo por los importantes arquitectos: Brunelleschi y Alberti.
Ambos conseguirán que en Italia se desarrolle una
arquitectura, que pocos autores posteriores podrán
reproducir. Brunelleschi desarrolla su obra
principalmente en Florencia. Será allí,
donde se le
encargue el proyecto de realizar la cúpula de Santa
María Dei
Fiori.
La obra ya estaba empezada, y tuvo que adaptarse a un
tambor octogonal que había realizado el anterior
arquitecto.
Aunque la iglesia es gótica, la cúpula ya tiene
un verdadero
carácter renacentista. Su originalidad estriba en
la
doble capa de la cúpula, dejando una cámara de aire
intermedia. Esto le profiere mayor esbeltez. La
grandiosidad de la obra, hizo sorprender y admirarse al pueblo
florentino de la época.
Otra obra importante de Brunelleschi en Florencia es la
iglesia de San Lorenzo. Con planta basilical, y con un
artesonado de casetones, le confiere un carácter
plenamente
renacentista.
Alberti realizó varias obras, entre las que
más destacan la
iglesia de Santa María la Novella, la capilla Pacei y el
templo
Malatestiano. En casi toda su obra (las mencionadas),
juega con el círculo y el cuadrado, dotándoles de
un gran
equilibrio (característica renacentista).
Velázquez (1599-1660). Sevillano,
ingresó
joven en el taller de Pacheco, donde desarrolló cierto
tenebrismo. Obras de esa época son la "Vieja
friendo
huevos", "El aguador de Sevilla"... Con ayuda de Pacheco
(su suegro), consigue entrar como pintor de la corte de Felipe
IV, donde se relacionará con el conde-duque de
Olivares. Por consejo de Rubens, viaja a Italia, de donde
traerá una modificación en su pintura: mayor
preocupación por el
color y por la perspectiva aérea. Entonces se
convertirá
en un gran retratista, llegando a realizar una densa obra en este
género. Más tarde vuelve a Italia, donde
realiza el
retrato de Inocencio X, y las villas Medici.
Será cuando vuelva a España, el momento en que
realizará sus
obras más famosas: "Las meninas", "Las hilanderas", "La
Venus del
espejo"...
A lo largo de toda su obra, Velázquez trató
con la misma
naturalidad personajes de toda índole. Así,
pasando por
temas mitológicos, religiosos, anecdóticos,
históricos, consigue
una densidad artística, sólo comparable con uno de
nuestros
mejores pintores. La perspectiva aérea, la
pincelada
suelta, la indiferencia de representación de los
personajes según
su origen o situación social, predominará en toda
su
obra.
Patio de los Leones. (Alhambra de Granada).
Este patio es propio del arte nazarí.
Quizá, lo más
destacable sea la fuente que le da nombre al patio, ya que
está
sostenida por una serie de leones.
Esto lo hace muy particular, porque el arte musulmán
se
caracteriza por la ausencia de artes figurativos; Se
aprecia en la tosquedad de las pequeñas esculturas de las
que
tratamos. El patio está rodeado por una columnata,
sobre
la que se encuentra una profusa arcada de mozárabes y
paños de
seda. Estos arcos, tienen una función meramente
decorativa. No sirven de soporte, ni de sustento
constructivo. Se alternan columnas pareadas a lo largo de
toda la columnata.
El agua, juega un papel muy importante en este cuadro
artístico, ya que la mezcla de elementos de la naturaleza
con
elementos constructivos, es una característica muy
sobresaliente
en el arte nazarí
El Condottiere Gattamelata es un retrato
ecuestre realizado por Donatello en bronce.
Aquí manifiesta el autor sus grandes dotes como
dancelota. Es una obra admirada por su total
clasicismo. La actitud del caballo y del personaje
está
plenamente fusionada en este entramado artístico.
Caballo
y jinete, son dignos el uno del otro. La
composición es
cerrada. Esto le infunde mayor equilibrio a la obra.
Es quizá el mejor retrato ecuestre renacentista, y en
el que
se fijarán los que hagan este género
posteriormente
El Partenón se encuentra en la
Acrópolis. Fue mandado construir por Pericles a
Ictinos y
Calícrates. Es un templo de orden dórico,
octástilo,
períptero y anfipróstilo. En su parte
más larga tiene
17 columnas dóricas (como en todo el templo),
estriadas
y sin basa. Antiguamente, el templo estaba policromado de
azul, rojo y dorado. La decoración del templo la
encargó
Pericles a Fidias. Este último realizó los
frisos
(procesión de las panateneas). El templo se
compone de
naos, pronaos y opistodomo
Apolo y Dafne escultura en mármol,
realizada por Bernini.
Es una obra plenamente barroca, cargada de expresión
y
movimiento. La concepción de los pliegues y de las
formas
fisionómicas está muy conseguida. La
actitud de los
personajes le confiere a la obra mayor movimiento, produciendo un
mayor efecto barroco.
Historia del arte
Cúpula de Brunelleschi (Santa María
de las
Flores)
Este autor pertenece a la arquitectura del Quattrocento,
siglo XV. Renacimiento. La cúpula
va a
ser un elemento que obsesione a todos los arquitectos de
Renacimiento, y esto lo podemos observar posteriormente en
Bramante y en Miguel ángel (cúpula de San Pedro del
Vaticano). Pasando al comentario, diremos, que esta
cúpula Brunelleschi la apoyará sobre un tambor
octogonal,
consiguiendo así su elevación, de esta manera, el
perfil exterior
será un perfil ovoide, mientras que el interior un perfil
semiesférico.
Su peso lo descarga sobre elementos medievales.
Esta colocación de la cúpula sobre el tambor es lo
que le dará
ese aspecto elegante. La cúpula de Brunelleschi
será
punto de observación para sucesivas construcciones,
así (la ya
citada) cúpula de San Pedro del Vaticano estará
influenciada por
esta
Tímpano de Moisac. Se encuentra en el
templo de
Moisac en Francia. Pertenece al arte
románico.
Corresponde (como su nombre indica) al tímpano de
una
puerta. Se puede observar que se narra la escena
apocalíptica de san Juan, el pantocrátor rodeado de
los
tetramorfos (evangelistas) y de los veinticuatro ancianos del
Apocalipsis. Estos veinticuatro ancianos se encuentran en
la parte del dintel y alrededor del pantocrátor.
Estos
levantan sus cabezas y miran todos a un mismo punto; la figura
del todopoderoso.
La figura del pantocrátor, aparece como un Dios
todopoderoso, omnipotente y omnipresente, es decir, Dios en
majestad el cual, como podemos ver, está rodeado por un
águila,
un toro... esto representa una simbología. Las
figuras se
adaptan perfectamente al marco, y presentan todavía rasgos
arcaicos
El Partenón pertenece al arte
griego
construido en el 412 antes de Cristo, muchos fueron los
arquitectos que participaron en su construcción.
Se
encuentra situado en el interior de la Acrópolis.
Es un
templo próstilo, ya que está rodeado de columnas
por los cuatro
lados, y octástilo -puesto que tiene ocho columnas.
Se
encuentra levantado sobre una escalinata que le da sentido
ascendente. Majestuosidad y monumentalidad.
Origen dórico columnas sin basa, fuste de estrías
de cantos
vivos, capitel formado de 3 partes:
collarino,
equino,
ábaco.
Entablamento compuesto: arquitrabe - liso, friso - metopas
y triglifos, y cornisa.
Monumento dedicado a la diosa Atenea, a la que se le
construye una estatua en su honor (realizada en marfil y
oro).
El encargado de la escultura del Partenón es Fidias
(arquitecto griego, y gran figura de esta época).
Muy importante será la existencia del
frontón, que más
tarde aparecerá ricamente decorado. Para concluir
diremos, que se supone que el templo estaba pintado, por la
existencia de restos de pintura en algunas partes
Apolo y Dafne obra de Bernini, escultor
del Barroco. El tema es de carácter
mitológico. (Dafne se
convierte en una rama de laurel). Las
características de
este autor son:
movimiento expansivo -las figuras tienden hacia
fuera.
Un profundo naturalismo. Que nos lo muestra con esos
rostros expresivos, y
dramáticos.
En esta obra podemos observar dos posturas (como así
decirlo) psicológicas: por un lado Apolo -sereno- y por
otro lado
Dafne -que nos muestra el dramatismo y dolor (por la boca, la
mirada...).
Escultura efectista y por último finura del
modelado.
La mezquita es uno de los edificios arquitectónicos
más
importantes del arte islámico. La mezquita tiene
las
siguientes partes:
Parte descubierta llamada sahn en la cual se encuentra el
sabil (fuente) y el alminar o minarete (lugar donde se convoca a
la oración. Parte cubierta llamada harán,
en la cual se
encuentra, el mirad (parte más rica de la mezquita) la
maqsura
(destinada al sultán), _w_n (lugar cercado por tres de sus
cuatro
lados) y el mimbar (púlpito). Luego también
encontramos
el muro orientado hacia la Meca, quibla (que se encuentra en el
patio). Esta sería la planta de la mezquita de
Córdoba,
que nos da una orientación de cómo son estos
edificios, pero
todos no se organizan igual, ya que no hay una planta definida
(como así decirlo).
El palacio es el otro edificio importante en el arte
islámico, que tiene una doble función, o bien como
palacio, o
bien como lugar administrativo. El ejemplo más
significativo, podría ser, La Alhambra de Granada, que
tampoco
tiene un tipo de planta específica, al igual que la
mezquita.
Pasando a los elementos característicos, que se
utilizan,
diremos: utilización de columnas de fuste liso, a veces
columnas
de galgo, que le dan un sentido ascendente al edificio, como es
el caso de las columnas situadas en el patio de los Leones,
utilización de arcos de medio punto, arcos de herradura, y
también arcos lobulados. El pilar aparece pero con
menos
frecuencia. Otras veces se da una superposición de
órdenes, o mejor aún, de elemento, como es el caso
del patio del
harán en la mezquita de Córdoba (arcos de medio
punto, de
herradura, pilares y columnas).
Las techumbres suelen ser de madera (ligereza) aunque a
veces las hay abovedadas. El muro sirve para cerrar, y
existencia de paredes perforadas (para decorar).
Muchas veces, los elementos arquitectónicos sirven de
decoración.
Materiales: piedra, madera, yeso y ladrillo. El
ladrillo sólo se da en Córdoba y en Egipto, por ser
unos
califatos más ricos
Arquitectura Quattrocento
Nuevo ideal estético, basado en la proporción
y armonía
matemática. Los edificios son el resultado de un
estudio
racional de proporciones. Se unen los edificios civiles y
religiosos.
Elementos:
Arcos de medio punto (sensación de
equilibrio).
Bóveda de cañón o de arista.
La cúpula, elemento que obsesiona a todos los
arquitectos
del Renacimiento. El peso de la cúpula será
aguantado por los
elementos medievales (caso de la cúpula de Brunelleschi:
Santa
María de las Flores).Brunelleschi
introduce la teoría de la perspectiva: todas las miradas
van a un
punto donde convergen todas las líneas.
Las columnas van a sustituir a los pilares.
Paredes lisas y muros cerrando.
Predominio del macizo sobre el vano.
Gran importancia de Brunelleschi para la arquitectura del
Cinquecento.
Historia del arte
Caracteres generales del arte islámico: la mezquita
y el
palacio.
El arte islámico tuvo una gran influencia, por su
gran
expansión, en los lugares que conquistaran, como es el
caso de
España. A su vez el arte islámico tuvo
influencias claras
del arte bizantino, aunque lo que más se realizó
fue escultura ya
que la pintura y la escultura fueron muy escasas por no decir
nulas
Características generales. Se
caracteriza
por su poca elevación y por su gran expansión
territorial.
También se caracteriza por la presencia en todos los
edificios de espacios abiertos donde convergen todas las
habitaciones del recinto (esto es debido al gran naturalismo
musulmán). También aplican una suntuosa
decoración en el
interior de los edificios pero en el exterior es mínima ya
que
solamente se decora la portada o entrada principal.
Tipos de decoración: los musulmanes
eran muy
dados en decorar profusamente todas sus estancias, llegando a
límites en la profusión.
La decoración es de distinto tipo según el
lugar y la
utilidad:
Decoración ataurique:
decoración
naturalista vegetal que consistía en amoldar la
mampostería con
moldes previamente fabricados y luego colocar en el lugar
elegido.
Decoración geométrica:
que consistía en
el dibujo de frisos de paredes de elementos geométricos
combinados.
Decoración de mozárabes:
que consistían
en pequeños prismas que dan la sensación de estar
rotos.
Decoración epigráfica: se
colocaba en
los frisos de las paredes.
La mezquita: la mezquita era el lugar de
oración de los creyentes musulmanes, y aún sigue
siéndolo.
Siempre estaba orientada en dirección a la Meca ya que
esto
era una condición importante.
Constaba de varias partes: el mihrab lugar donde se
encontraba la especie de altar o donde se rezaba, era el lugar
sagrado. En este se podían encontrar las
cúpulas elevados
sobre trampas o pedrinos.
Maqsura: lugar también perteneciente
a la
mezquita. Esta también constaba de jardines y de
habitaciones de descanso para los emires y sus esposas.
El palacio: era el lugar de descanso de los
emires pero también el lugar donde se realizaban todos los
asuntos políticos de la época. Sus
características son:
dominio del muro sobre el vano (para evitar los ataques), y
almenas parecidas a los palacios o fortalezas medievales.
Un ejemplo de palacio es la Torre del Oro de
Sevilla.
Cúpula de Mira Fiori en Florencia:
cúpula
elevada sobre tambores que se encuentra dominando la catedral, en
el crucero. La sensación de verticalidad que le
dio
Brunelleschi a esta cúpula la consiguió
dándole más altura al
asimilarle el tambor de forma poligonal. Como
culminación
le coloca una linterna para resaltarla más. A lo
largo de
todo el tambor coloca una serie de pequeñas ventanas
circulares
para producir la entrada de luz al recinto. En el
interior tiene una serie de nervios que atraviesan a la
cúpula. Está pintada.
Tímpano de la catedral de Moisac en
Nîmes.
Es el característico tímpano de una portada de
una catedral
gótica ya que presenta al "pantocrátor" en el
centro rodeado del
tetramorfos (los cuatro evangelistas). La
expresión de
los rostros es arcaica y los pliegues de los ropajes son muy
bajos en técnica ya que todavía no se había
conseguido el dominio
de la tridimensionalidad en estos relieves. En ambos
lados del tetramorfos aparecen doce figuras de personajes
bíblicos que deberían de ser los doce
apóstoles. El
tímpano se divide en dos partes, una superior que ya
expliqué y
otra inferior donde hay un friso con un gran número de
personajes
que tendrían que ser los veinticuatro ancianos del
Apocalipsis.
Llama la atención la ausencia de arquivoltas.
Debajo del friso inferior hay un friso decorado con temas
vegetales.
Arquitectura del Quattrocento: Brunelleschi y
Alberti. La arquitectura del Quattrocento tiene las
características de la arquitectura renacentista: no
existe
el ansia tan marcada de elevación que existía en el
Gótico y los
edificios son menos elevados y más horizontales.
Las
ventanas empequeñecen utilizando para delimitarlas por la
parte
superior, pequeños frontones en un intento de
imitación
clásico. Las fachadas se construyen con sillares
almohadillados. Entran en auge las
cúpulas.
Brunelleschi: fue un arquitecto, escultor y
pintor renacentista que construyó en materia de
arquitectura, la
cúpula de "Mira Fiori en Florencia". Fue ante todo
arquitecto ya que él se consideraba así.
Alberti: fue un arquitecto renacentista que
realizó muchas obras siempre dentro del mismo estilo
clásico
característico de su arte.
Patio de los Leones de la mezquita de Granada: se le llama
así porque en el centro del patio hay una fuente
(característica
de la arquitectura islámica) que está decorada con
unas
esculturas pobres en técnica que representan a unos
leones.
Se divide, este patio, en dos partes, una cubierta y otra
descubierta.
La parte cubierta está sustentado por los arcos
ojivales
(características de la arquitectura musulmana) que a su
vez son
sostenidos por dobles columnas de galgo (llamadas así por
su
esbeltez. Todas las habitaciones que se encuentran en la
parte cubierta tienen salida al patio descubierto como es
característico en esta escultura. En la puerta
principal
nos podemos encontrar claramente con la decoración
mocárabe que
pende de los arcos de la puerta. Aunque no se distingue
muy bien en la fotografía, en los muros hay una
decoración
romboidal también muy característica de la
arquitectura
musulmana. La puerta principal sobresale de la parte
cubierta.
Il Condottiere -Gattamelatta: escultura de
bulto redondo, exenta, no está en función de la
arquitectura por
lo tanto tiene valor de decorar por sí misma.
Realizada
en bronce y elevada sobre un podio.
Tiene una composición circular creada por el
conjunto del
caballo y del hombre y también creada gracias a la bola
que es
colocada debajo de la pata superior derecha dejando así
totalmente cerrada y circular la composición.
No se denota mucho movimiento excluyendo la cabeza del
caballo que está ligeramente desviada y en la pata derecha
superior que descansa sobre la bola. Esta escultura
está
inspirada en una obra clásica romana que se ha considerado
como
el primer retrato ecuestre de la historia del arte y que se
denominó como "El retrato ecuestre del emperador Marco
Aurelio".
Historia del arte
Se trata de un edificio arquitectónico griego, el
Partenón,
dividido en pronaos, naos y opistodomo. Es un templo
períptero, realizado en piedra y mármol, donde se
dan todas las
correcciones arquitectónicas de la época: como
engrosamiento de
las columnas laterales, ya que al darle más luz, produce
el
efecto de ser más finas. Engrosamiento del centro
de las
columnas, ya que si no parecerían más delgadas por
el centro.
Las fachadas frontales se echan un poco hacia adelante, y el
dintel se eleva un poco por el centro para dar la
sensación de
perfección, ya que el arte griego es sobre todo visual, un
arte
para agradar a los dioses y a la vista de los humanos.
Es un templo de columnas dóricas, colocadas sobre un
estilóbato. El friso decorado con triglifos y
metopas.
Los frontones han desaparecido.
Es un templo que forma parte del conjunto del
Acrópolis de
Atenas.
Se trata de una escultura de bulto redondo, que
podría ser
del Barroco italiano, escultura perteneciente a Bernini.
Destaca sobre todo el movimiento, un movimiento casi
exagerado, con mucho dramatismo y expresividad,
características
del Barroco.
Los paños aparecen, más que con movimiento,
demasiado
rígidos, unos pliegues que parecen almidonados, terminados
en
punta en lugar de ser redondeados.
Hay claroscuro en los plegados, en el cabello y en las
hojas que adornan la parte inferior.
Hay que destacar, sobre todo, el dramatismo en la
expresión
de la figura femenina.
Se trata de una pintura de Velázquez, pintor del
Barroco. La obra pertenece a su última
época, y en ella,
"La Venus del espejo", parece perspectiva, gracias al espejo que
sostiene el pequeño ángel. Se trata de un
desnudo, donde
el autor, en lugar de mostrarnos la cara, nos la oculta,
dándonos
la espalda, y podemos verla gracias al espejo, que aparece dando
perspectiva.
Los tonos que aparecen son tonos suaves, blancos y rosados,
destacando la colcha oscura y la cortina roja.
Hay dulzura, pero con un tono de picardía en los
rostros,
tanto de la dama, como del niño que sostiene el
espejo.
Se trata de arquitectura egipcia. Podemos ver el
complejo de Keops y la corte de la pirámide.
Este tipo de arquitectura aparece como arquitectura de
enterramiento para los faraones, dioses humanos.
Del conjunto destaca sobre todo la cámara mortuoria
la
cámara funeraria, el sarcófago del faraón,
un pasadizo secreto y
un templo, pirámides de las reinas y tumbas para los
demás
miembros de la familia.
Los faraones en Egipto, a quienes está destinado
este tipo
de edificios, son considerados como dioses humanos y hacen
trabajar a muchos hombres, durante mucho tiempo, para levantar
estas edificaciones.
Es el pintor principal de nuestro Siglo de Oro.
Con él se puede distinguir claramente "el arte por
el
arte", ya que no tuvo ningún problema
económico.
Se pueden dividir varias etapas:
1a etapa sevillana: desde los doce
años
pasa a un taller de pintura como aprendiz, con el que será
su
futuro suegro. A los diecisiete años es ya un
maestro. Pinta escenas de la vida cotidiana (Vieja
friendo huevos) y temas mitológicos, todo con colores
oscuros y
gruesas líneas y lentas pinceladas
2a etapa madrileña: pasó a
trabajar en la
corte como pintor de corte, donde va apareciendo una línea
más
fina y una pincelada más rápida.
Pinta a personajes de la corte, y donde va mejorando su estilo,
además alcanza un mejor nivel de vida, (pinturas
ecuestres...).
3a etapa: Velázquez va a Italia por
consejo
de Rubens, y allí apreciará el arte veneciano,
donde realizará
algunos cuadros mitológicos (Baco).
4a etapa: desde el segundo viaje a Italia
hasta su muerte. En esta época pinta "Las
hilanderas",
como tema cotidiano, "Las meninas" como tema de corte.
"La Venus del espejo"...
Caracteres generales del arte
islámico:
mezquita y palacio.
Aparece sobre todo arquitectura, contrastada interior y
exteriormente. Exteriores lisos e interiores
excesivamente decorados. No hay ningún espacio sin
tallar
horror vacui u horror al vacío musulmán.
Es una arquitectura falsa, ya que siendo adintelado da la
impresión de que es abovedado, pero son bóvedas
falsas,
realizadas con yeso para dar la imagen de línea
curva.
Las mezquitas y palacios se dividen en partes
públicas y
privadas, todas ellas decoradas y con formas estilizadas,
utilizando a veces (casi siempre) una columna muy estilizada y
fina, llamada columna de galgo. Los capiteles aparecen
decorados con motivos vegetales.
Se da mucha importancia a la naturaleza, al agua y a la
luz, creando fuentes y estanques donde todo se une, creando
conjuntos armoniosos.
No es para nada religioso, ya que aunque tienen un dios, no
lo representan por creerlo irrepresentable.
Historia del arte
El estilo renacentista español, se origina en
España en el
siglo XVI.
Tanto España como Italia cuentan con un mercado de
ideas;
artistas españoles viajan a Italia y se impregnan de arte
renacentista; hacen intercambios artísticos; aunque
así sea
España sigue con la formas clásicas debido a que
cuenta con una
sociedad noble, burguesa y con clero; por ello las formas
renacentistas llegan tarde a España.
En lo que se refiere a la arquitectura renacentista
española; distinguimos tres etapas: plateresco, purismo y
herreriano escurialense.
La lámina nos muestra el estilo herreriano.
El
estilo herreriano se desarrolla en España en la
1a mitad
del siglo XVI; este estilo se diferencia de los
anteriores porque estos presentan o utilizan motivos del
Quattrocento y del Cinquecento; también algunos rasgos
manieristas; mientras que el herreriano es contemporáneo
de
Vigola y de los demás discípulos.
La obra que mejor encarna, el espíritu de esta
época es el
monasterio de El Escorial; fue mandado construir por
Felipe II para conmemorar la victoria contra los
franceses en la batalla de San Quintín; tiene forma
de
parrilla como símbolo en el que san Lorenzo fue
martirizado.
La construcción de El Escorial se comenzó en
el año
1563 y fue un arquitecto Juan Bautista de Herrera quien
proyecta una gran planta cuadrada, con cuatro torres a los
ángulos; pero Juan Bautista muere al poco tiempo y
le
sucede Juan de Herrera que hace alguna modificación pero
sigue
con la misma estructura que Juan Bautista; Herrera de gran
cultura humanista y matemática proyecta la basílica
en función de
un eje; a los lados los patios; a la izquierda el palacio de
los Borbones y a la derecha el patio de los Evangelistas (que
cuenta con un templete, que evoca al de San Pietro in Montorio de
Bramante); también cuenta con colegios en la entrada
principal a mano
izquierda.
El monasterio, es a la vez convento, iglesia,
panteón real;
pues como Felipe II señaló, quería
una tumba para sus
mayores para él una casa, y una iglesia para Dios.
El monasterio de El Escorial no se termina hasta veinte
años después.
La iglesia está en el eje es decir en el centro y
marca un
eje; está formada por una cúpula; el presbiterio,
se eleva sobre
tres gradas, para colocar debajo el altar mayor; de esta forma
Felipe II podía contemplar desde su estancia las
misas.
El Escorial cuenta con distintos patios entre los que
destaca el de los Reyes y el de los Evangelistas, por otra parte
muchos de los dormitorios rodean la parte oeste de la
fachada.
El Escorial responde al carácter de Felipe
II
sobria, autoritario, por ello es una obra en la que se distingue
muy fácilmente debido a su sobria grandeza, que
servía muy bien
los deseos de Felipe II.
Es una obra típicamente manierista, por el empleo de
sus
dimensiones y proporciones; pues el visitante no puede concebir
esta obra de una sola vez; además un rasgo
físicamente manierista
se ve en la fachada principal, formada por grandes columnas
dóricas y el frontón, pues esta da la
impresión de que te lleva
directamente a la iglesia; cuando por el contrario, con lo
primero que te encuentras, es con el patio de los Reyes.
Se utiliza poca decoración; dicha decoración
se disminuye a
bolas, chapiteles, frontones y los vanos que son los encargados
de la iluminación, es más bien una obra horizontal
se proyecta en
horizontal y lo único que tiene de vertical son sus cuatro
torres
de los ángulos, en el tejado hay buhardillas; en cuanto a
los
materiales se utiliza el sillarejo y pizarra para los
tejados.
En la decoración también cabe destacar la
cúpula de la
iglesia semiatada en aguja.
Herrera también es autor de la catedral de
Valladolid; fue
muy considerado su estilo ya que la sencillez de materiales que
utiliza servía muy bien los deseos de la
Contrarreforma.
El Renacimiento es el arte de los siglos XV y XVI
es uno de los movimientos más importantes de
Europa.
Sociedad-nobles, burgueses.
Velázquez pertenece a la época barroca
española siglo
XVII; también llamado Siglo de Oro, va haber una
serie
de técnicas como las variantes del óleo; Diego de
Silva Velázquez
pertenece a la escuela madrileña; se forma en periodo de
aprendizaje en Sevilla y después su período de
madurez en la
corte en Madrid; por ello su vida tiene dos etapas: periodo de
aprendizaje Sevilla. Velázquez coge las
técnicas de
Herrera el Viejo y Pacheco (influencias de estos).
Obras: El aguador; la Vieja friendo huevos, Cristo en casa
de Marta y María.
También hace retratos como: "Sor Francisca
Jerónimo de la
Cruz".
Periodo de formación: Velázquez se instala en
Madrid, entra
en la corte y aquí se forma con pintores italianos, en
esta época
abandona un poco los temas religiosos y se interesa por el
retrato realista.
El retrato de "Felipe IV joven".
Por influencia de Rubens viaja a Italia; aquí entra
en
contacto con pintores venecianos, se impregna de arte; utiliza
una pincelada suelta y abierta; abandona los fondos
oscuros.
Regresa de nuevo a España, hace una serie de cuadros
y por
encargo de Felipe IV, regresa de nuevo a Italia en busca
de cuadros; va a comprar cuadros por encargo del rey y en Italia
realiza el retrato del papa Inocencio X; que fue de una
enorme influencia en Italia.
De regreso a España realiza tres obras
Las meninas
Las hilanderas
La dama del espejo
En la 1a y 3a el aire y la
atmósfera
envuelven el ambiente, la luz transfigura y no se enfoca en el
tema principal, por otra parte recurren a la utilización
del
espejo (van Eyck) que oculta al espectador la realidad del
cuadro; utiliza por primera vez; la perspectiva externa; en donde
solamente hay un punto de vista y la composición se
proyecta
hacia afuera.
Otros autores barrocos: pintores.
Escuela valenciana - Ribalta.
Escuela andaluza
1er tercio siglo XVII Zurbarán
(Francisco)
2o tercio siglo XVII Murillo (Esteban)
Sevilla pintores de la corte Claudio Coello.
El Barroco es un arte de los siglos XVII y XVIII
rompe con la medida de orden la claridad de lo que tenía
el clasicismo.
Es el arte de la Contrarreforma.
La Iglesia; después de la separación de
muchos países;
quiere volver a la unificación y por ello se quiere
impregnar de
arte quiere llenar la atención para que el fiel
regrese.
Es un arte al servicio del poder; sea real papal o
burgués. El artista del Barroco; al igual que el
del Renacimiento domina todas las técnicas tanto arquitectura,
como pintura, escultura.
Historia del arte
El Escorial fue creado por Felipe II. Tras
la guerra con Francia lo manda construir con el fin de conseguir
los propósitos de su padre que era la construcción
de un panteón con el fin de albergar sus restos y los de sus descendientes.
Felipe II encargó a un grupo de explotadores
que buscaran una zona apropiada para la construcción de este
monasterio y ésta fue "El Escorial" donde las aguas eran
abundantes al igual que los materiales.
Tiene su origen en los antiguos monasterios donde
albergaban los restos de los monjes.
Este monasterio va a tener distintas finalidades como va a
ser la de biblioteca, la de aposentos o habitaciones, iglesia,
etcétera. Fue decorado por Juan Bautista, el cual
procedía de Italia y por lo tanto va a introducir estilos
nuevos; le sigue Juan de Herrera el cual va a renovar alguno de los
aspectos de Bautista. Se introduce el llamado "estilo
herreriano" que consiste en la implantación de cuatro
torres en cada esquina rematados por unas bolas.
Tiene su orientación hacia el sur. Planta
cuadrada. Su fachada está formada por ocho
columnas cónicas en su parte inferior y en la superior por cuatro
jónicas las cuales están rematadas por el enorme escudo.
Su
construcción tiene dos antecedentes que son:
el hospital de Florencia del cual recoge la estructura del
alcantarillado y saneamiento
hospital de Toledo del que toma la sobriedad y austeridad
de las fachadas.
Está formado por distintas dependencias y
claustros.
En su interior está dividido en diversos patios entre
los que destacamos el patio de los Reyes. Este patio está
adosado a través de uno de sus laterales a la iglesia;
está formado por arquerías de medio punto con columnas adosadas
a pilares y en cuyo centro nos encontramos un plinto.
Recibe este nombre porque en él se encuentran las
representaciones de los seis reyes de Israel. La iglesia
va a estar dividida en dos partes, una es la que está
dedicada al
culto de la plebe, mientras que la otra está dedicada al
culto real.
La planta de El Escorial simula la forma de "parrilla"
invertida en donde las cuatro torres serían las patas.
Tiene una gran cúpula que se asemeja a la del
Vaticano.
El ábside está levemente elevado por lo que el rey
podría seguir
el culto sin necesidad de salir de sus aposentos.
Formado por planta centralizada.
En cuanto a su decoración cabe destacar el retablo
mayor
donde aparecen esculpidos Felipe II y Carlos
III en posición sedante y orante, están
esculpidos en
bronce aunque también va a predominar el
mármol.
Dentro de la arquitectura griega se van a dar tres
etapas:
Arcaica: predominan influencias orientales.
Clásica: 450-330 antes de Cristo.
Helenística: 330-146 antes de Cristo.
En
este período se dan numerosas escuelas.
El templo tiene un antecedente muy claro que es el templo
panhelénico. Predomina el aparejo isódomo
que para los
griegos era símbolo de belleza. Estos templos
tenían
cubierta de madera arquitrabada y adintelada, madera policromada,
eran de planta cuadrada y en cuanto a su decoración
estaban
formados tanto por vegetal como animal.
El templo griego tiene su origen en el templo oriental cuya
finalidad era albergar la estatua de la divinidad. El
templo estaba siempre en plena armonía con el paisaje.
Debido al grupo dominante político que era la
oligarquía a veces
aparecía junto a él un palacio. Va a tener
distintas
dependencias. Está formado por una o tres naves
donde
destacamos:
La cella: donde se encontraba la estatua de la
divinidad.
La pronaos: ésta se comunica a través de un
muro con el
vestíbulo.
Vestíbulo: su función era albergar o guardar
los tesoros,
sus reliquias.
El templo según la colocación de sus columnas
puede
ser:
In-antis: dos columnas en la fachada.
Períptero: rodeado de columnas.
Pseudoperíptero: rodeado de columnas adosadas a la
pared.
áptero: carece de columnas.
Según el número de columnas puede ser:
díptero: dos columnas
octástilo: ocho columnas
tetrástilo: cuatro columnas
decástilo: diez columnas
hexástilo: seis columnas.
El color del templo viene dado del material utilizado, se
dan espacios de claroscuro. Hay una armonía entre
lo
arquitectónico y escultórico y se van a dar unas
correcciones
ópticas como es en el caso del Partenón donde, las
columnas
tienden a torcerse hacia dentro. El templo más
característico en Grecia es el Partenón con la
separación entre
los intercolumnios del centro es mayor que en los laterales.
Longitudinal períptero y octástilo.
Formado por la
cella donde se encontraban las vestales (sacerdotisas) y un
vestíbulo. Las proporciones de las columnas vienen
dadas
por el diámetro. Las columnas son más
anchas en la parte
superior. Fue decorado por Fidias y gran parte de
él fue
destruido debido a un bombardeo por los venecianos durante la
guerra. Otro modelo de templo que se encuentra al lado de
Partenón es el Erecteion.
Historia del arte
La obra escultórica pertenece al arte barroco de los
siglos
XVII y XVIII. La escultura es obra del
arquitecto y escultor Bernini. Representa según
libros de
santa Teresa una de las apariciones del ángel enviado de
Dios
ante ella.
La escultura está realizada en mármol y
bronce,
representando claramente las telas rígidas y tiesas del
hábito de
santa Teresa contrariamente a los ropajes suaves del ángel
que se
aparece. El ángel aparece con una flecha como si
fuera a
dormir a santa Teresa o ya lo hubiera hecho. El rostro de
santa Teresa y el del ángel representan la belleza, la
plenitud
de vida en ella y la adolescencia en el niño.
La obra tal como está situada da sensación de
ascendencia
como si santa Teresa fuera a levitar, además el fondo
dorado
semejando los rayos de luz dan aún más
énfasis y sentido
ascensional.
El rostro de santa Teresa expresa el sentimiento de
relajación aparece como dormida.
La obra fue realizada para colocar en ese preciso lugar con
lo que la única luz que recibe va directamente enfocada a
la
imagen más destacada de la obra o más bien el rasgo
más
característico y por el cual recibe su nombre el "El
éxtasis de
santa Teresa". Esta luz que recibe el rostro de santa
Teresa y con menos fuerza la cara del ángel, es una luz
natural
que proviene del un ventanal situado a un lado de la imagen.
La composición de la obra es en diagonal,
hallándose una
primera diagonal que iría desde la cabeza del ángel
hasta posar
el rostro de santa Teresa y una segunda que llevaría desde
el pie
la monja a la flecha del ángel y hallaríamos otra
desde el ala
del ángel a la mano caída de santa Teresa.
En cuanto a la sociedad que rodea este ambiente barroco
cabe señalar sobre todo al clero dueño de la mayor
parte de las
riquezas y casi único cliente de los artistas aunque la
aristocracia también es comprador. Estas obras
tanto
arquitectónicas como escultóricas etcétera
sólo pretenden mostrar
el poder y autoridad de la Iglesia. De este autor podemos
citar también como obra muy importante el baldaquino de
San Pedro
del Vaticano formado por cuatro gruesas columnas de bronce y
orden jónico que se retuercen y hacen dirigir la mirada
hacia
arriba con el único fin de llegar al elemento principal
del
edificio barroco la gran cúpula, símbolo de la
grandeza
papal.
Diego Velázquez pertenece a la escuela
madrileña.
Es pintor renacentista.
Trabaja como pintor de corte en Madrid realizando diversos
trabajos y también retratos; En un principio se
observa en
sus obras un gran tenebrismo, un colorido fuerte y dibujo
marcado.
Debido a su trabajo de pintor cortesano recibe los encargos
del rey para viajar varias veces a Italia.
En sus viajes toma contacto con los artistas venecianos y
cuando vuelve a Italia en busca de cuadros extranjeros para la
corte recibe influencias de su pintura, así, como el
sfumato
(especie de niebla que envuelve las figuras).
Continúa
siendo autor tenebrista pero lejos de la fuerza tenebrista
dominante hasta ahora en sus obras; utiliza también
colores
tenues y de suaves pinceladas utilizando como fondos paisajes
cálidos de clima mediterráneo. De todas
formas su estilo
aún no está determinado su estilo, pero poco a poco
se hallará
con el pronto denominado estilo velazqueño.
Sus obras están dedicadas a varios temas sobre todo
de tipo
costumbrista, escenas cotidianas. Sus imágenes
muestran
la situación de la sociedad española, su crisis y
miseria pero
dándole un toque de generosidad evitando las escenas
desagradables; así aparece la imagen de un niño
pobre pero sus
harapos bien colocados, evitando representar toda la realidad,
que sería muy fuerte.
Sus figuras aparecen mostrando el sentimiento, la
bondad. También es autor de retratos.
Entre sus obras más importantes podríamos
destacar: "Las
meninas" Las hilanderas" "Los borrachos"
Historia del arte
Hacia el siglo XVII el arte y el gusto por la
decoración se estaba fatigando, por lo que los artistas
van optar
por hacer un arte más sobrio, anteponiendo los elementos
arquitectónicos sobre los decorativos. Para llegar
a
entender este arte es necesario tener en cuenta:
la obra de Bramante y Miguel ángel
la corriente ascética y mística del momento
y el reinado
de Felipe II.
El edificio que mejor va representar estas condiciones
será
El Escorial.
El Escorial fue construido bajo el mandato de Felipe
II, y según el porqué de su
construcción hay varias
interpretaciones, ya que, algunos creen que los españoles
durante
la guerra con Francia destruyeron una iglesia y en su honor
construyeron El Escorial, pero lo cierto es que el edificio
está
dedicado a san Lorenzo y con ello Felipe II
cumplía el
gran deseo de su padre de tener un lugar para que descansaran sus
restos y los de sus descendientes.
Felipe II, reunió a una comisión de
arquitectos
para planificar el espacio y va a elegir El Escorial por la
abundancia de sus aguas, la sanidad del aire y la gran cantidad
de materiales a su alrededor.
Las obras corrieron a cargo de Juan Bautista de Toledo y
posteriormente de Juan de Herrera.
Los materiales utilizados serán básicamente
la piedra
berroqueña o granito, y la pizarra en los tejados.
Juan Bautista de Toledo realizó su Duce en Italia,
por lo
que someterá algún tipo de influencia pero a su
muerte todavía no
se habían puesto los cimientos del edificio.
Así, pues,
su obra la continuará Juan de Herrera, donde se va a
configurar,
pues, "el arte herreriano" que está calificado por las
bolas de
granito, los chapiteles piramidales, los balcones de hierro, la
pizarra en los tejados, etcétera.
Quizás, dos sean las características
principales del
edificio, que destaca por su monumentalidad y por su austera y
sobria decoración.
El edificio escurialense tenía múltiples
finalidades:
biblioteca, monasterio, panteón real, etcétera.
Por ello
al estudiarlo podemos dividirlo en cuatro partes: monasterio,
claustro y dependencias, iglesia y decoración
escultórica y
pictórica.
Monasterio es un gran cuadrado, con pilares como elemento
sustentante, el edificio en sí, tiene forma de parrilla
invertida, ya que las cuatro torres que sobresalen de las
esquinas son los puntos de apoyo y el manejo es un cuerpo
saliente que lleva en uno de los habitáculos.
El exterior consta de dos cuerpos, el primero donde se
encuentra la puerta principal resaltada por ocho columnas y
enmarcada por un frontón, mientras que en el segundo
cuerpo se
encuentra una figura de san Lorenzo rodeada de columnas y
coronada por frontones triangulares y semicirculares.
En su parte de atrás sobresale un pequeño
cuerpo destinado
a los aposentos reales.
A ambos lados de la iglesia y casi simétricamente se
levantan varios claustros y dependencias, separados por medias
columnas adosadas y superpuestas. Todo ello de muy escasa
decoración debido a la austeridad del edificio.
En la iglesia se encuentra cerrando el patio de los Reyes,
para dar luego al patio de los Evangelistas, donde aparecen las
estatuas de los evangelistas como rasgo más
escultórico.
El edificio escurialense consta también de
biblioteca donde
se reunían los monjes e intelectuales para su
sabiduría.
En cuanto al exterior, decir que toda su gran fachada es de
una enorme sobriedad, no lleva apenas elementos decorativos, ello
siempre de acorde al carácter de Felipe II y
sólo las
numerosas ventanas y esa gran cornisa que rodea el edificio
alteran la lisura de su edificio.
El tejado de granito lleva cuatro grandes torres a los
extremos, y siempre con numerosas bolas de granito, propio del
"estilo herreriano". En cuanto a su decoración
escultórica y pictórica, en escultura y en pintura
gustaron allí
algunas obras importantes grandes artistas.
El templo griego. Ya desde la
antigüedad aparece
el templo griego con un carácter básicamente
religioso.
Todos los templos griegos son de muy pocas dimensiones ya que su
finalidad era albergar a la diosa, es decir, guardaban la estatua
de la diosa patrona de cada localidad.
Cuando aparecen las construcciones de los templos
también
se dan la de los palacios, pero debido a la política de
Grecia,
estos apenas tienen auge. Se cree que el templo tuvo su
origen en el megarón panhelénico, que era un templo
de una sola
nave con cuatro columnas para albergar a la diosa. Y que
poco a poco ha ido evolucionando y así podemos llegar a
describir
las partes del templo:
naos o cella, donde se encuentra la estatua,
pronaos o vestíbulo, sala de entrada a la naos, que
generalmente se comunican y el
opistodomos. Es una sala que no se suele comunicar
con la cella y allí se guardan los tesoros ofrecidos a la
diosa.
Los primeros templos que aparecen son de madera y apenas
quedan restos, los segundos de mármol, y se conserva
algún resto
y los terceros de piedra que son los que mejor se
conservan.
Atendiendo al número de columnas y a su
colocación podemos
dividir los templos como:
Próstilo columnas en una sola fachada
principal.
Anfipróstilo columnas en sus dos fachadas.
Díptero está rodeado de columnas.
Períptero está rodeado de doble fila de
columnas.
Pseudoperíptero está rodeado de columnas pero
a sus lados
son adosadas.
áptero no lleva columnas.
Atendiendo al número de columnas en su
fachada:
Dístilo dos columnas
Tetrástilo cuatro columnas
Hexástilo seis columnas
Octástilo ocho columnas, como el
Partenón
Decástilo diez columnas, aunque no son muy
frecuentes.
En cuanto a los órdenes que aparecen en Grecia
destacan
tres:
Dórico columna sin basa, fuste estriado, capitel que
consta
de ábaco y equino, y como la parte sustentante o
entablamento
consta de friso liso o decorado, frontón con triglifos y
metopas
y arquitrabe con tres cuerpos.
Jónico columna con basa, fuste con estrías
redondeadas, su
mayor diferencia es que el capitel consta de volutas que terminan
en enrollamientos.
Corintio igual al jónico, pero en su capitel va
decorado
con hojas de acanto.
En todos los templos griegos, suelen aparecer los tres
tipos de columnas, normalmente superpuestas.
También, cabe destacar las correcciones
ópticas que se dan,
para una mejor visión al espectador, que se reducen:
éntasis en las columnas,
Diferente anchura en los intercolumnios que aumentan a
medida que nos acercamos a los extremos
Curvatura del entablamento.
Todo ello dará una mejor visión al espectador
y logrará una
mejor perspectiva.
Como templo más importante cabe destacar el
Partenón,
situado en la Acrópolis, símbolo de la democracia
griega, es un
templo que va reflejar todas las características del
templo
griego.
Historia del arte
Esta planta pertenece a El Escorial, edificio situado en
Madrid, que pertenece al Renacimiento del siglo XVI en
España.
Este edificio fue construido en el 1863, una
construcción que reunía un palacio, una iglesia, un
monasterio y
un panteón, fue construido en conmemoración de la
batalla de San
Quintín.
El rey mandó la construcción de los planos y
de la
estructura al gran arquitecto español san Juan Bautista,
que se
educó junto con Miguel ángel en Italia, pero este
arquitecto
fallece en 1967 y el que sigue la construcción va
a ser
Juan Herrera, personaje muy importante y trascendente, que cambia
la estructuras de san Juan Bautista y utiliza ideas de otros
arquitectos.
Juan Herrera fue muy conocido por sus grandes viajes por
Italia, por su gran biblioteca y por su cultura en la
geometría
llega a crear un estilo propio, que será conocido como
"escurialense" o "herreriano", este tiene las siguientes
características:
ausencia de decoración, o mínima
aristas vivas
volúmenes netos
relaciones matemáticas entrelazadas a los otros
elementos.
decoración de bolas y pirámides
cubiertas de madera revestidas al exterior por chapiteles
"torres" al modo de los Países Bajos.
El perímetro de El Escorial se asemeja al de una
parrilla
con 4 torres en los ángulos. Consta de un
gran
patio con una iglesia en la mitad, esta tiene una planta de cruz
griega, una gran cúpula y un nártex o
vestíbulo donde se
encuentra el coro de los monjes (debajo), luego un presbiterio
elevado sobre gradas para que llame la atención y debajo
se
encuentra el panteón.
El panteón está formado por esculturas de y
mármol
funerarias y terminado de decorar en el reinado de Felipe
IV.
Es muy utilizado por los reyes. El palacio
también
consta de esculturas, pero esta parte no se utiliza tanto por los
reyes el palacio tiene diferentes patios como el de los Reyes y
el de los Apóstoles. El arte herreriano, es simple
y es
muy bien acogido por "la Contrarreforma" y por "la
Iglesia".
patio de los Evangelistas, con fuente y donde se
utilizan capiteles clásicos tanto dóricos como
jónicos.
patio de los Reyes
nártex o vestíbulo
panteón, justamente detrás de la
cúpula, por tanto no
presenta mucha decoración
cúpula, policromada.
retablo hecho de madera ya que buscaban un arte simple
que mostrara grandiosidad, fuerza y todas estas
características
son tratadas con un punto muy importante que es el
económico, es
un arte que utiliza planta y alzado rectilíneo muy
simples,
cubiertas de carpintería empizarradas y decoración
simple,
desnuda y hecha de piedra calada.
Todas estas características hace que guste mucho y
unos
seguidores muy fieles son los jesuitas que tanto siguen a Juan
Herrera como a sus discípulos. El templo es una
construcción típica del arte griego, este arte se
divide en
3 etapas, etapa arcaica que va más o menos del
siglo
IX al V. antes de Cristo, etapa clásica
que
abarca el siglo V y IV antes de Cristo y etapa
helenística que se desarrolla alrededor del siglo
III y
IV antes de Cristo.
Las construcciones griegas y no menos el templo son
tratadas en distintos órdenes que van apareciendo con los
siglos,
en la época clásica están el jónico
(de la Jonia) y el dórico (de
la Doria) luego en el siglo V antes de Cristo aparece el
estilo corintio y en la etapa helenística el capitel
compuesto.
El dórico tiene el estilo de las construcciones
de madera pasadas a piedra. La columna consta de un fuste
listo, sin basa, el capitel está formado por equipo,
collarino y
ábaco cuadrado, el entablamento consta de 3
partes:
arquitrabe liso, friso con triglifos que corresponde a las
cabezas de las construcciones de madera y metopas lisas decoradas
que tapan los huecos que dejan entre las cabezas y por
último
cornisa salida con pústulos o taquitos.
El estilo jónico, se extiende por el Asia Menor,
muestra
formas más esbeltas, y el fuste estriado, con basa; el
entablamento formado por un arquitrabe de 3 bandas o
platabandas, friso corrido y cornisa saliente; y el capitel,
según el modelo eólico muestra unas volutas que
encuadran al
equino, el ábaco aparece más fino.
El estilo corintio, es todavía más completo,
mantiene la
forma del estilo jónico, pero en el capitel en vez de
volutas
aparecen hojas de acanto en doble fila y tallitos entre ellas y
además el ábaco cada vez es más fino y ahora
además
curvo.
El estilo compuesto como su nombre indica es mezcla del
jónico y del corintio o sea en el capitel muestra las
hojas de
acanto y las volutas encuadrando al equino.
Ahora todos estos órdenes se verán aplicados
al edificio
más típico griego que es el templo. Los
templos se
levantan sobre una serie de gradas, cuyo último
escalón se llama
estilóbato. Hay varios tipos de templos
según su forma es
el áptero que aparece sin columnas, el monóptero
que es redondo,
el tetrástilo con 4 columnas, el hexástilo
con
6 columnas, el octástilo con 8 columnas,
el
decástilo con 10 columnas, el in antis donde los
muros
de la nave o cella están hechos hacia delante,
híptero sin techo,
períptero, rodeado de columnas, pseudoperíptero con
columnas
adosadas al muro, el próstilo con pórtico con
columnas delante y
el anfipróstilo con pórtico con columnas delante y
atrás.
Oraciones para que sus actividades tanto económicas,
como
políticas, comerciales, familiares... les fuera bien, ya
que eran
muy religiosa, entre ellos no solo había un dios sino
varios,
atendiendo quizás a la clase social al trabajo a
actividad.
Próstilo: períptero dórico, compuesto
con volutas, fuste
liso sin basa; la columna recae directamente en las escaleras o
gradas.
Anfipróstilo: monóptero jónico, simple
con volutas, fuste
estriado y hojas de acanto, con basa; fuste estriado.
Corintio, con las hojas de acanto, fuste estriado con
basa.
El templo al ser un edificio tan importante se coloca en el
centro de la acrópolis como por ejemplo el templo griego
de la
Acrópolis de Atenas.
Las columnas pueden tener forma de mujer y así se
llamaron
Cariátides, aunque es un santuario importante destaca
el
Erecteion, y de columnas apegadas la Victoria
Aptera.
Historia del arte
Materiales utilizados: el material preferido de los griegos
era el mármol. Usaban sillares perfectamente
esquinados,
la unión a hueso sin utilizar argamo.
La función del templo es religiosa pero en mayor
grado
estética. Los templos eran los lugares donde se
guardaban
los tesoros de los dioses a los que estuviesen dedicados.
El culto se realizaba en el exterior.
Los templos se levantaban sobre unas gradas, la krepis.
La grada superior sobre la que se erigían las columnas
se
llamaba estilóbato. Se podía acceder al
templo por
cualquiera de sus lados.
Constan de una pronaos o antesala, la naos o cella donde se
guardaba el tesoro del dios y a la que muy pocos podían
tener
acceso y al final podía haber otra sala similar a la
pronaos pero
desde la que no se tenía acceso a la nave principal era el
opistodomos, no era obligatoria su construcción,
obedecía a
motivos de simetría.
Tipos de planta: plantas in-antis con dos columnas en la
fachada principal.
Anfipróstilo con 4 columnas en la fachada
principal y en la otra fachada menos.
Períptero: todo rodeado de columnas.
Pseudoperíptero: con las columnas adosadas al
muro.
Se da en los templos romanos.
Díptero: con dos hileras de columnas rodeando todo
el
edificio. Según el número de columnas de la
fachada
principal se clasifican en:
tetrástilos si tienen cuatro
sextástilos si tienen seis
octástilos si tienen ocho
Los órdenes: un orden es un estilo que va desde la
columna
a la cubierta.
Orden dórico: es el más antiguo, las columnas
carecen de
basa, el fuste es estriado con estrías en arista viva.
El
capitel es muy sencillo consta simplemente de un ábaco y
un
equino.
El entablamento se divide en arquitrabe, friso y
cornisa. El friso se divide en triglifos y metopas a
veces presenta relieve escultórico.
El orden jónico: la columna se ha estilizado, consta
de
basa formada por dos toros y una escocia. El fuste tiene
aristas de cantos planos. El capitel se ha complicado
consta de volutas que son unas molduras poco más o menos
así.
El friso es liso y no suele ir decorado. Los
capiteles de las esquinas constan de tres volutas.
El orden corintio: lo más significativo es el
capitel que
se ha complicado mucho, ahora está decorado con volutas,
hojas de
acanto y en ocasiones en el centro tiene un rosetón.
El
friso suele ir decorado con relieve.
Elementos decorativos: las columnas además de ser
elementos
estructurales son también decorativos, en el
tímpano se suele
colocar relieve escultórico en un principio las esculturas
no se
adaptan al marco es decir que es más grande la del centro
y más
pequeñas las de las esquinas.
En la techumbre sobre todo sobre el frontón se
colocaban
esculturas, las acroteras.
Por otra parte los templos iban policromados se usaba sobre
todo el rojo y el azul.
La función del templo es sobre todo estética
por lo que
todos los detalles se cuidaban con minuciosidad.
Los engaños ópticos: los griegos eran muy
minuciosos y les
gustaba que sus templos pareciesen perfectos. Pero debido
a ciertos defectos visuales al ver dos líneas paralelas
parece
que se van a juntar, que están torcidos hacia dentro por
eso
ellos curvaban el estilóbato y el entablamento para que al
ojo
humano le pareciesen absolutamente rectas. Al curvar el
entablamento el peso era mayor en las esquinas por lo que las
columnas de las esquinas eran más gruesas. Si todo
el
fuste de la columna es del mismo grosor estas parecen más
estrechas en el centro por lo que ensanchaban el centro de las
columnas este techo se denomina éntasis. Estos y
otros
eran los engaños que usaban para que todo pareciese
perfecto.
Proporción y armonía en el arte griego: las
arquitecturas
debían ser proporcionadas con respecto al ser humano, ya
que el
hombre era el centro de todas las cosas. Además
debían
guardar una armonía en el conjunto y con el entorno
natura.
Para que todos los elementos del templo fuesen proporcionales
usaban un módulo.
Escultura. No va exenta sino enmarcada en un marco
arquitectónico.
El tema es el de una santa en concreto santa Teresa cuando
está en un éxtasis místico y tiene un
sueño ve a un
ángel.
Las líneas curvas que hace el cuerpo de la santa
junto con
el juego de los plegados y la postura del ángel que tiene
los
brazos muy separados da gran movilidad a las figuras.
La figura está colocada bajo un vano y la luz al
incidir en
esos rayos artificiales parece una verdadera luz
mística.
Los plegados de la santa aparecen quebrados, doblados
artificialmente El material del que está hecho el ropaje
parece
tosco y duro en cambio el ropaje del ángel es más
fino, de mejor
calidad.
El autor pone a la santa suspendida en el aire, sobre una
nube.
El título de la obra es el éxtasis de santa
Teresa y el
autor Bernini. El estilo al que pertenece Barroco en
concreto es un Barroco italiano.
Bernini al contrario de Miguel ángel concebía
la escultura
como el arte de poner. Sus esculturas solían estar
ensambladas. De no usar el ensamblaje no podría
hacer
esculturas tan centrífugas.
El Barroco es un arte de propaganda religiosa de la
Contrarreforma, lo cual no quiere decir que los protestantes no
hicieran Barroco.
Por ello muchas veces se representan a santos,
vírgenes
etcétera pues se quiere hacer publicidad de todo aquello
que
Lutero criticó. Por otra parte es un arte teatral,
busca
el justo momento en el que se está desarrollando una
escena, es
como si alguien con una cámara fotográfica plasma
un segundo.
El momento escogido es siempre uno muy especial en este caso
ni más ni menos que cuando santa Teresa en éxtasis
ve ante sí a
un ángel que porta una flecha en la mano como pretendiendo
clavársela, quizás sea el dardo de la fe.
Otra obra muy conocida de Bernini es Apolo y Dafne que
trata un tema mitológico.
Historia del arte
El templo griego es una conjunción entre el templo
etrusco
y la cabaña doria.
En el templo griego se parte de una planta rectangular a
partir de la cual se disponen los demás elementos.
El templo griego suele estar rodeado en sus cuatro lados
por tres escalones o krepis recibiendo el último el nombre
de
estilóbato.
A partir del estilóbato arrancan las columnas
compuestas de
basa (según el orden al que pertenezcan), fuste, capitel,
entablamento, frontón y techumbre que suele ser a doble
vertiente.
Según el número de columnas que tiene en la
parte frontal
el templo puede ser "in antis", "tetrástilo",
"pentástilo",
"octástilo", etcétera y según el
número de columnas que tenga a
su alrededor puede ser períptero (rodeado por una hilera
de
columnas en los cuatro lados), y díptero (rodeado por dos
líneas
de columnas.
En el techo del templo griego suelen aparecer unas
estatuillas de tipo mitológico llamadas acroteras y
aparecen
también otras situadas en los canales que conducen el
agua.
Estas estatuillas son las que arrojan el agua fuera del
templo y suelen tener la boca abierta.
Reciben el nombre de gárgolas.
Cuando las columnas son sustituidas por esculturas reciben
el nombre de atlantes si son figuras masculinas y
cariátides si
son figuras femeninas. La planta del templo griego suele
constar de tres partes:
pronaos: cumple la función de vestíbulo o
antesala.
Está situada delante de la naos.
Naos: es la parte en la que se coloca el tesoro del dios
al que está dedicado el templo. Accede a ella el
jefe
religioso.
Opistodomos: puede o no aparecer. Se
sitúa
detrás de la naos y es una réplica de
ella.
Los órdenes griegos son tres y cada uno de ellos
tiene
características peculiares. Estos órdenes
son: dórico,
jónico, corintio.
En el orden dórico la columna no tiene basa, el
fuste es de
cantos vivos, el capitel se decora con relieves. Tiene un
friso liso y un arquitrabe dividido.
En el orden jónico la columna está formada
por una basa a
partir de molduras cóncavas y convexas llamadas toros y
escocias. A partir de ellas hay una moldura de
transición
o astrágalo del que arranca el fuste de cantos romos, es
decir,
redondeados. Antes del capitel hay otra moldura de
transición, otro astrágalo o collarino.
El capitel está decorado con volutas. Todas
las
columnas tienen dos volutas excepto las de las esquinas que
tienen tres y el único ángulo que no las lleva es
el que da al
interior del templo. El entablamento se divide en un
friso dividido en tres franjas horizontales y el arquitrabe se
divide en triglifos y metopas.
En el orden corintio la columna tiene la misma forma que la
jónica. El capitel está decorado con hojas
de acanto y el
entablamento corresponde con un friso dividido en tres bandas
horizontales y que recorre todo el templo. El arquitrabe
se decora con un relieve bajo corrido en el que se cuenta la
historia de izquierda a derecha del dios al que pertenece o
está
dedicado el templo.
El templo griego recoge la forma de ser de los griegos.
Es un templo en el que no se rinde culto al dios, sino que es
un capricho estético y claro ejemplo de ello es la
Linterna de
Lisícatres. Otros ejemplos son el Partenón,
el templo de
Atenea Nike, el Erecteion, etcétera.
Los griegos introducen una serie de refinamientos para
hacer un edificio perfecto. Las modificaciones son:
más diámetro para que se viesen perfectas a
lo
lejos.
inclinación de las columnas hacia dentro.
los espacios intercolumnios son más pequeños
en el centro y
parece que hay una mayor densidad de columnas.
curvan el estilóbato para que no dé
sensación de caída en
el centro.
Todas las modificaciones que los griegos realizan en sus
templos son en milímetros y en centímetros.
La decoración del frontón del templo es muy
complicada al
ser un espacio triangular. Se decora con relieves bajos y
a la misma altura; con una escultura en el centro y las laterales
tumbadas, por ser la escultura central más alta.
Se trata
de una escultura realizada por Bernini titulada el
"éxtasis de
santa Teresa". Bernini elige un segundo para inmortalizar que es
a lo máximo que el hombre puede aspirar. El
segundo
captado es cuando santa Teresa tiene una visión, la
visión de un
ángel y el ángel la atraviesa con un dardo de
fuego.
Tras la escultura que parece estar colgada se colocan o
están colocados unos rayos de sol. Tras los rayos
de sol
hay un óculo por el que entra la luz natural del sol
resbalando
por los rayos y dando un aspecto simbólico a la
escultura.
Hay una gran diferencia entre el tratamiento de los ropajes
del ángel, que son finos y entre los tejidos de santa
Teresa que
es un tipo de tejido acartonado, duro.
De santa Teresa vemos los pies, las manos y el rostro y
sabemos cuál es su postura y en el ángel se
observan los cabellos
construidos con la técnica del
trépano.
Historia del arte
Cronología. Siglos I y II
antes de
Cristo.
El arte griego se extiende por la actual Grecia, las costas
occidentales del Asia Menor, (Jonia) y las partes occidentales
del sur de Italia (Sicilia) y en islas del Mediterráneo
occidental.
Marco histórico. Nunca formaron los
griegos un
Estado unificado, sino, que siempre estuvo fragmentado en
pequeños Estados (las polis), a esta zona llegaron grupos de
gentes y en invasiones sucedidas. La historia de Grecia,
es la historia de sus polis porque en ella desarrollaron la vida
griega misma. Contribuyeron al desarrollo de las artes,
así definimos el arte como un concepto de
antropocentrismo,
nacionalismo e individualismo, porque el hombre es el centro y
medida de todas las cosas; es decir conducen a la búsqueda
de la
belleza ideal como proporción y armonía.
Los griegos
vinculan su arte mágico-religioso. Su arte va a
tener
valor en sí mismo. El artista considerado como un
trabajador reafirma su individualidad.
En Grecia el orden, es la sucesión de las diversas
partes
del soporte y de la columna. Tenemos tres
órdenes.
El orden dórico; se impone en Peloponeso, en las
colonias del
sur de Italia y Sicilia. Emplea elementos constructivos y
su decoración refleja su estructura. No tiene basa
y el
fuste es liso.
El orden jónico; tiene basa ática, el fuste
es estucado
pero las estrías no van de un lado al otro del fuste sino
que en
sus extremos están redondeados. El capitel
está decorado
con volutas.
El orden corintio; este orden indica creación, tiene
basa,
consta de dos toros, perfil cóncavo y una escocia convexa,
el
friso está formado por triglifo y metopas y la gota deriva
de
sujetar las maderas de la cornisa. En la parte superior
tiene una moldura que es el astrágalo.
El templo: para los griegos el templo, es
la morada de un dios, alrededor del altar se celebran sus
ceremonias religiosas. Este templo tiene abundancias
egipcias por las columnas, micénicas por el megarón
y también
anteriores construcciones de madera.
La planta suele ser rectangular y consta de las siguientes
partes:
la cella o naos
el pronaos o vestíbulo abierto (franqueado por la
prolongación de los muros laterales, rematados por
pilastras).
El opistodomo, similar al pronaos pero en el otro extremo
del templo.
Próstilo
Anfipróstilo, con columnas alrededor del
templo.
Díptero; dos filas de columnas.
Pseudodíptero columnas adosadas al muro.
Por el número de columnas de la fachada principal
puede ser
tetrástilo, hexástilo 6,
etcétera.
Ejemplos:
el templo de Artemisa en Efeso
el Panteón de Agripa
el Erecteion de Atenas.
Arquitectura, vista de la fachada exterior de un edificio
con función religiosa. Realizado en ladrillo con
esquinas
reforzadas. Se aprecia la gigantesca monumentalidad.
Tiene planta basilical dividida en tres naves, siendo la
central más ancha que las demás, es frecuente en la
capilla
central la elevación del transepto o crucero alrededor del
que se
establece el deambulatorio o girola. Al exterior domina
el vano sobre el macizo con abundantes vidrieras.
Los arcos son de medio punto y la bóveda
característica es
la de crucería. División horizontal
dividida en tres
partes y destaca la decoración de la fachada principal con
columnas en la nave central que abarcan las dos partes
inferiores.
En la parte superior contribuye al aumento del equilibrio
en altura con la importancia y decoración de las
torres.
Se aprecia a lo lejos la cúpula en la parte de
atrás. En
la parte superior los vanos están decorados y a la vez
sujetando
los arcos conopiales.
Este edificio tan monumental y gigantesco fue construido
por el arquitecto Juan de Herrera que adquiere la máxima
importancia durante el periodo de la imaginería
española en el
siglo XIX.
Historia del arte
Diego de Silva y Velázquez nació en Sevilla
en una época en
que la ciudad era lo más importante de España
debido a sus
intercambios comerciales con América. Al igual que
el
resto de pintores del Barroco utiliza muchas de las
técnicas
comunes como la forma de composición: asimétrica y
atectónica y
la total hegemonía de la luz en el planteamiento de un
cuadro. Inicia Velázquez su andadura de la mano
del
maestro Pacheco con cuya hija contraerá matrimonio
más tarde.
Pero abandona pronto las técnicas aprendidas de su
maestro
para comenzar una vía propia. Logra después
entrar en los
círculos cortesanos y se convierte en pintor de
cámara del rey
del que realizará múltiples retratos. Por
influencia de
Rubens, que le transmite su gusto por los temas
mitológicos,
viaja a Italia donde hará un cambio de su pintura.
Ensaya
la llamada perspectiva aérea y su paisaje se vuelve desde
entonces inconfundible con el uso de tonos azules y blancos y la
apariencia de "neblina de fondo" que será fuente de
inspiración
de posteriores pintores entre ellos Goya.
De regreso a España realiza numerosísimos
retratos reales
entre ellos los del conde-duque de Olivares a caballo, que le dio
especial protección, el del príncipe
Baltasar-Carlos,
etcétera.
Su pintura destaca ya como la de un pintor inconfundible y
tras su 2o viaje a Italia continúa con la
línea
retratística iniciada con cuadros incluso de su criado,
Juan de
Pareja.
En su última etapa realiza 3 cuadros
fundamentales: "La Venus del espejo", "Las meninas" y "Las
hilanderas". La primera es una obra de tema
mitológico en
lo que muestra su gusto por el desnudo femenino, influencia de
pintores anteriores. "Las meninas" es un retrato colectivo de la
familia real donde se incluye su autorretrato y que presenta una
composición característica. Los reyes que
se encuentran
enfrente del pintor aparecen reflejados en el espejo.
Además se maneja sabiamente la técnica de la
profundidad, de los
diferentes planos.
Por último en "Las hilanderas" utiliza otra vez el
tema
mitológico en un cuadro que no traduce en un primer
momento sus
intenciones. En conclusión, Velázquez es un
pintor
fundamental del Barroco que supo introducir matices nuevos a la
pintura y sirvió de inspiración a una gran cantidad
de pintores
posteriores como Goya que tomó de él su
concepción de
paisaje.
El monasterio de El Escorial (siglo XVI) fue
mandado construir por el rey Felipe II para conmemorar
la victoria sobre los franceses en San Quintín. Su
estilo
es muestra del propio carácter austero del monarca al que
se le
definía como tímido y reservado. Se
encargó su
construcción al arquitecto Juan de Herrera que fijó
un tipo de
estilo llamado "herreriano".
Su forma nos transmite sensación de robustez y
solidez, es
como una gran mole pegada al suelo. Cuatro torres una en
cada extremo delimitan el rectángulo de enormes
proporciones.
El remate de los tejados nos recuerda cierta tradición
flamenca. La ordenación interna se hace en torno a
cuatro
grandes patios. De la estructura exterior sólo
sobresale
el ábside de la iglesia y algunas dependencias
palaciegas.
La iglesia presenta planta de cruz latina con cúpula y
se
abre al "patio de los Reyes" llamado así por poseer
esculturas de
los reyes de Judá. Las otras dependencias de la
construcción son el palacio, el monasterio y el colegio
por lo
que fue una construcción con múltiples
funciones.
La simetría y la horizontalidad son las dos
características
que priman en este edificio. Su decoración es muy
escueta
y simple: algunas bolas que sirven como veleta, columnas adosadas
en la fachada principal y una escultura de san Lorenzo a quien se
dedica la construcción. Esta decoración
escultórica es
mucho más rica en el interior y también hay
abundancia
pictórica. El material empleado fue el granito,
muy
abundante en la sierra en la que se encuentra, y para los tejados
se utilizó la pizarra. El edificio se haya
cubierto a dos
vertientes. Como resumen decir que el monasterio-palacio
sirvió de retiro al monarca y sus enormes dimensiones son
una
clara muestra del poder real de la época. Situado
en las
proximidades de Madrid y enclavado en la sierra su
construcción
es muestra del estilo artístico que se desarrolló
en el Bajo
Renacimiento en España.
Historia del arte
El templo es el edificio más importante del arte
griego. Se erige en honor a una divinidad.
La estructura del templo griego tiene sus precedentes en el
megarón micénico; siendo su estructura: las dovelas
laterales se
prolongan hacia la entrada, consta de una pronaos, y una naos
donde se encuentra el cela, el altar del dios.
Por su estructura se dividen en:
próstilos, cuando tienen columnas adelante.
anfipróstilos, cuando las tienen tanto adelante
como
atrás
perípteros, cuando están rodeadas de
1 fila de
columnas
pseudoperípteros, cuando las columnas laterales se
encuentran adosadas al muro
dípteros
doble fila de columnas alrededor.
monópteros, cuando son redondos, generalmente
rodeados de
columnas (ejemplo: templos de Vesta)
trípteros, cuando no tienen techo; ejemplo: templo
de
planta rectangular próstilo
tetrástilo.
Por su orden se dividen en dóricos, jónicos y
corintios.
Dóricos. La columna carece de basa, por ello
el
fuste se apoya sobre el último peldaño de la
escalinata
denominado estilóbato o krepis.
El fuste decorado con aristas vivas.
El capitel formado por un collarino un equino y un
ábaco
cuadrado.
El entablamento formado por un arquitrabe liso, un friso en
el que se alternan triglifos y metopas. Los triglifos
como su nombre indica son tres franjas verticales.
Coinciden con la cabeza de las vigas y se crean para
cubrirlas. Las metopas espacios que se cubren con bellos
relieves. Ejemplo: en el Partenón de Atenas se
narran
luchas de centauros y lápitas en las metopas (obra del
gran
escultor Fidias. Finalmente la cornisa (gárgolas,
corderos...).
El dórico - posee basa - toro con una escocia y otro
toro. El fuste, las vivas aristas del dórico son
sustituidas por acanaladuras.
El capitel collarino fino, encuadradas en el equino
aparecen dos volutas (eólicas) rasgo más
característico del
jónico volutas por encima un ábaco.
El entablamento formado por un arquitrabe recorrido por
tres franjas horizontales denominadas platabandas. Un
friso corrido y una cornisa. En ocasiones el fuste de la
columna dórica es sustituido por una figura humana que se
denomina "cariátide" si es femenina, o "atlante" si es
masculina. Ejemplo: de templo dórico es el
Erecteion
dedicado al dios Erecteo con su famosa tribuna de las
Cariátides.
El corintio en muchas ocasiones más que de un nuevo
orden
se ha hablado de un capitel pues las innovaciones solo se dan en
este arte. Consta pues de una basa (toro más una
escocia
y otro toro). Un fuste con acanalamientos y un capitel en
que el equino se recubre de hojas de acanto creando un conjunto
semejante a un cerullo, en el centro de las hojas suele aparecer
una rosa. El entablamento arquitrabe más friso
más
cornisa igual que el dórico.
Para comprender la significación del templo hay que
enmarcarlo en la concepción del arte que tenían los
griegos.
El arte debía estar regido por el ideal de belleza:
perfección y medida así pues el arte y en concreto
el templo será
también reflejo de su espíritu. Desde el
punto de vista
arquitectónico los templos son la traducción en
piedra de una
estructura adintelada de madera. Rigor geométrico,
perfección y simetría estarán presentes en
todos ellos.
Grecia estaba organizada en polis independientes,
así cada polis tendrá sus propios
edificios. En la polis el templo se situaba en la
acrópolis. La acrópolis recinto amurallado
situado en la
parte alta de la ciudad donde se situaban los templos.
Ejemplo: la Acrópolis de Atenas estaba dedicada a la diosa
Atenea, en ella se sitúan templos reales como: el
Partenón, el
Erecteion, el de Atenea Nike, los Propileos...
Finalmente los santuarios comunes de los polis; lugar de
reunión: "Olimpia" y "Delfos".
La planta a comentar corresponde al monasterio de San
Lorenzo de El Escorial, edificio más representativo del
herreriano XVI. El edificio fue mandado
construir para conmemorar la batalla de San Quintín
(1557). Está dedicado a san Lorenzo;
santo que
murió asado en una parrilla; de ahí que la planta
de El Escorial
evoque la forma de una parrilla invertida. El edificio
fue encargado a Juan Bautista de Toledo; a su muerte será
relevado en el cargo por Juan de Herrera quien con esta obra, sus
características y su estilo creó un estilo: el
herreriano.
Así pues las características de este estilo
se verán
plenamente realizadas en el edificio.
Sobriedad, ausencia de decoración.
Sobriedad estilística más rigor
geométrico, gusto por la
perfección por la relación
matemática.
Cubiertas de madera revestidas al exterior con pizarra.
En la decoración, chapiteles, cubiertas de pizarra,
bolas y
balcones de hierro.
Este edificio cumplía una triple
función:
iglesia
palacio
panteón.
Iglesia. La iglesia se encuentra situada en el
centro del edificio. Planta de cruz griega, con gran
cúpula. El presbiterio se halla elevado sobre una
escalinata para favorecer la visión del culto. El
coro de
canónicos y sobre el nártex.
Panteón. Bajo la iglesia, en concreto bajo
la
cúpula se sitúa el panteón, lugar de reposo
final de los reyes de
la época.
Palacio. En él destacan los patios de "los
Reyes" y
"los Evangelistas" este último por la alternancia de
órdenes
dórico y jónico de sus columnas.
Así pues la planta se distribuiría de la
siguiente
forma:
cuatro torres una en cada extremo
en el centro la iglesia, bajo ella el
panteón
alrededor de la iglesia se distribuirán diferentes
estancias y patios entre ellos los citados.
Juan de Herrera además de El Escorial dentro del
estilo
herreriano construyó la catedral de
Valladolid.
Historia del arte
La obra pertenece a uno de los primeros pintores que
podíamos enmarcar dentro de los primeros indicios del
Renacimiento.
Esta es una obra que abre las puertas a un nuevo periodo
que renace después del Gótico.
El autor que realizó la obra es Fray
Angélico.
Podemos decir que son los primeros aleteos de una nueva
concepción artística, que conseguirá con su
desarrollo acercarnos
más y más a la concepción humana.
Entraremos a la descripción del cuadro, vemos que
hay una
clara división entre dos mundos, el terrenal y el
ultraterrenal.
Pero, estos dos, están unidos por la presencia del
ángel
que ligeramente tiene parte de su pie (izquierdo) derecho en el
mundo ultraterrenal, indicando claramente su pertenencia a
él y
su constitución celestial.
En la izquierda el mundo ultraterrenal con la presencia de
Adán y Eva representando la escena de la expulsión
del paraíso,
en completa contraposición con la escena de la derecha que
representa la anunciación de la Virgen por el
arcángel san
Gabriel, todo esto dentro de una estructura arquitectónica
basada
en una especie de cúpulas celestiales, muy típicas
de la época y
que protegen a la Virgen. Pero hay un elemento que nos
choca bastante y es esa especie de liara que atraviesa los arcos
que sustentan las cupulitas y en ellos un elemento armonizante,
un pequeño pajarito.
Debajo de él la Virgen en posición sumisa y
de espera,
vestida con amplias vestiduras y con el color rojo, madre y azul
de virgen, vemos que aún no se ha llegado a una buena
perspectiva, ya que, como podemos ver en la corona, nos la
presenta como una superficie, y contrastando con esto, a la
derecha de la Virgen, vemos, las primeras bases de las
dimensiones y sobre todo ya casi de una tercera dimensión,
la
profundidad que nos da esa pequeña habitación es
completamente
nueva. Resultando este cuadro como principio de una nueva
época.
Esta escultura pertenece, como claramente se puede observar
al periodo arcaico de la escultura griega, tiene todas las
características de ese periodo ojos almendrados, junto con
la
boca y la cara que tiene la misma forma, un canon elevado, junto
con una cintura también elevada y por supuesto la mujer
vestida
por completo. Comienzan a marcar los volúmenes
como
podemos ver en los pechos pero no en gran medida.
Faltan todas aquellas características que se
desarrollarán
en los siguientes periodos como la movilidad, una mayor pulcritud
de formas y de canon. Estas esculturas se denominaban
kores se podía comparar con el "auriga de Delfos" aunque
este es
un poco posterior.
Todavía hay demasiada rigidez y los temas
representativos
son menos, aunque eso sí, todos basados esencialmente en
el
hombre y este cuanto más perfecto mejor, llegando a
culminar en
obras tan importantes como el Discóbolo de Mirón o
la Victoria de
Samotracia cargados con una espectacular movilidad.
El Greco. Domenico Theotokópulos.
Este
autor nació en una isla griega, estudia en Italia y viaja
a
España con un grupo de autores para enseñarle a
Felipe
II un cuadro, que si fuera de su agrado sería
colocado
en El Escorial y El Greco encargado de la decoración de
este
edificio. Pero, lamentablemente este cuadro titulado "San
Mauricio y la legión tebana" no es del agrado del monarca
ya que
considera demasiado fuerte la presencia de un decapitado en el
mismo.
Marcha a Toledo y allí es acogido por moros y ricos
habitantes bajo su tutelaje y protección.
En esta ciudad es donde se encuentra casi toda su obra y la
más principal. Aquí realiza numerosos
retratos por
encargo, la mayoría de los que conocemos anónimos,
como una obra
conocida en todo el mundo "El caballero de la mano en el pecho",
es impresionante como ya, aquí somos capaces de abstraer
la
concepción del hombre con solo tres elementos la mano, la
espada
y el rostro, típico de un hidalgo de la época
bodila el
tenebrismo es casi absoluto.
También podemos destacar "la corte y sus hijos
representados en el campo de Toledo bajo un cielo típico
de El
Greco, grisáceo y oscuro.
Numerosas vistas de Toledo que incluso la suele introducir
en sus cuadros.
En cuanto a temas religiosos tenemos "El Espa que
representa a Cristo como dentro de la escena y vestido con una
túnica carmesí y con su mirada fijada en el cielo
con las manos
abiertas y las palmas hacia arriba implorando clemencia a Dios
para los hombres, ya que, "no saben lo que hacen".
La Natividad otra gran obra suya, junto con numerosos
santos que se encuentran en el pequeño museo al lado de la
casa
del pintor.
Pero la obra más internacional y de mayores
dimensiones,
perteneciente a este autor es "El entierro del conde Orgaz", que
causa estupor al ser contemplarse, los personajes parecen reales,
pero irreales a la vez, ya que sus expresiones parecen a las de
ánimas en pena.
El centro del cuadro una mano que se encuentra por encima
del conde y de los dos santos que lo sostienen y que parece que
busca a alguien. En otra parte del cuadro la presencia de
su hijo pequeño hacia la derecha. Las vestiduras
de los
frailes sobre todos las blancas parecen trasparentarse, y
plegarse provocando una gran movilidad, todo esto bajo un plano
celestial que llama al alma de Cardi para su interior, eso
sí,
marcado con las características del autor en lo que se
refiere a
sus cielos grises y cargados de represiones
psicológicas.
Historia del arte
El Greco. Vida Domenico Theotokópulos.
El
Greco nace en la isla de Creta. De joven viaja a Italia,
donde se dedica al estudio de la obra de los grandes artistas del
Cinquecento: Miguel ángel, Leonardo y Rafael. Es
por
esto, que se le ha venido incluyendo en el grupo de los
manieristas, aunque este tema ha desatado controversias.
Tras este periodo de aprendizaje viene a España por el
llamamiento de Felipe II de artistas para la
ornamentación de El Escorial. Se le encarga un
cuadro que
trate sobre el martirio de san Mauricio. Cuando lo
entrega al rey a este no le gusta, aunque lo paga. Este
episodio restó confianza y fama al pintor, que se retira a
Toledo. Allí, tras largos años consigue una
cierta
fortuna y un respeto como pintor. Es aquí donde
realiza
obras por encargo como El entierro del conde de Orgaz, Retrato de
caballero, etcétera. También sale a las
afueras de la
ciudad y pinta Vista de Toledo, el Laocoonte,
etcétera.
Al fin muere quedándonos como un gran pintor del
siglo
XVI en España.
Obra. Se pueden considerar 2
etapas.
Etapa de aprendizaje en Italia. Es la etapa
en la cual estudia la técnica de los maestros.
Pinta los
cuadros de los soplones, limita lo anterior.
Etapa española. El artista llega
para
pintar en El Escorial. Tiene esta etapa unas
características especiales.
Alargamiento de las figuras. En todas sus obras de
esta época se descubre. Hay varias
hipótesis sobre esto,
desde problemas en la vista, hasta un ansia de espiritualizar sus
personajes.
Aparece representado un cielo especial, gris, tumultuoso,
que puede representar una plasmación de su
psicología.
Se muestra como gran retratista, donde prima el estudio
anatómico de la mano, que es para él una
obsesión.
Su colorido es poco luminoso (salvo en casos excepcionales)
y las líneas no están fuertemente definidas,
quizá por influencia
del sfumato leonardesco.
Obras representativas.
San Mauricio o la legión tebana: fue un cuadro muy
discutido. En él hay varios planos por orden de
importancia. Los oficiales: alargados, con las manos en
situación de privilegio.
El martirio. Al fondo, con la perspectiva lograda,
aparece un mártir decapitado (quizá por esto no
gustó al
rey).
El cielo: lo preside todo, es voraginoso y gris.
Entierro del conde de Orgaz: obra hecha por encargo de los
frailes de Toledo. Cuenta cómo san Agustín
y san Esteban
bajan del cielo para enterrar al señor de Orgaz.
Hay dos
planos: el terrenal con nobles en donde la mano de uno preside, y
el celestial donde ángeles, santos y personas muertas
observan el
episodio. Se suele ver en la iglesia de Santo
Tomé.
El caballero de la mano en el pecho. Es un cuadro
sobre fondo negro en el cual se descubren 3 elementos:
la cabeza con gorguera, la mano con puñeta y el mango de
la
espada. Con estos tres elementos componemos en retina la
idea de un caballero. Se puede considerar el comienzo de
la abstracción y composición de cuerpos por sus
partes.
Otras obras: Retrato de Fray Félix Pasavicino, el
Laocoonte, La Santísima Trinidad (en la que se
inspiró Ribera),
Juan Bartolomé Pedro y Pablo, Vista de Toledo,
etcétera.
Escultura: pertenece al arte griego. Es una
escultura de la etapa arcaica. Representa a una muchacha,
es una kórai. Sus características
principales son la
rigidez del cuerpo y la poca naturalidad de la obra. El
brazo aparece pegado al cuerpo no hay soltura en la
representación de la figura humana.
En la cara hay cierta influencia orientalizante: ojos
almendrados, peinado típico. La parte de la
cintura para
abajo es un mero bloque de piedra sin trabajar, ni siquiera en
los pliegues del ropaje. La anatomía de la obra no
es la
ideal, no está estudiada. Pintura: pertenece al
Renacimiento italiano, al Quattrocento. El cuadro se titula La
anunciación a la Virgen y su autor es Fra
Angélico.
En el cuadro se aprecian varias características.
En
cuanto a la composición, el autor denota el conocimiento
de la
tercera dimensión, y utiliza elementos en el cuadro para
que nos
fijemos en ello, por ejemplo el banco del fondo.
Aquí hay
una influencia de los pintores de Flandes como los hermanos van
Eyck. Otro punto importante es el contraste entre la
superficie arquitectónica y el jardín.
Son estos los planos en los que se divide el cuadro, en los
cuales la acción es distinta.
Plano de la anunciación: es el tema tratado hasta la
saciedad en esa época, el "noli me
tangere". En él
aparecen dos personajes: el arcángel anunciador de la
concepción
y la Virgen. Sobre ellos el edificio sustentado por finas
columnas, en el que se abre una puerta para dar la
sensación de
profundidad. Los vestidos de los personajes destacan por
su cromatismo. La Virgen tiene ropajes azules y rojos,
donde hay simbología: rojo color de madre azul color
virginal (se
representa pues la inmaculada concepción), el ángel
tiene un
vestido de color rosa fuerte, que contrasta con el dorado de las
alas, el pelo y la aureola.
Plano del paraíso: contrasta claramente con el
otro.
Representa el pasaje de la expulsión de Adán y
Eva del jardín
del Edén.
Rodeados de las exuberancias vegetales, los primeros
pecadores son recriminados por el arcángel. Frente
al
color de la Virgen y del anunciador sus ropajes son
pálidos, no
incitan a la admiración.
El otro elemento importante es el rayo de luz que atraviesa
la pintura en diagonal. El color amarillo prima
así sobre
los demás. No es otra que la paloma,
símbolo del Espíritu
Santo la que lo (al rayo) forma, completando así la
situación. Ante esta visión la Virgen
adopta una actitud
sumisa y orante, al igual que el arcángel. Sus
ropajes
están perfectamente representados y sus pliegues
están
estudiados.
Es, en síntesis, un cuadro que representa el paso de
una
concepción de la pintura (medieval) a otra que
abrirá las puertas
a los grandes genios del Barroco.
Historia del arte
Introducción general ¿qué es el
Románico? El
Románico es un movimiento que se plasma en pintura
arquitectura y
escultura. Surge, alrededor del siglo XII y se
desarrolla a nivel europeo tomando especial importancia en
España
del que haremos abundantes representaciones artísticas
(veamos el
caso en España del camino de Santiago. Es un arte
cargado
de un pietismo y un simbolismo religioso. El miedo a lo
desconocido el miedo a la religión será punto clave
de las
representaciones pictóricas, escultóricas,
arquitectónicas en las
que en todas aparece representaciones de un Dios todopoderoso
guiador del pueblo. Este miedo al más allá
se sitúa
dentro de una sociedad feudalmente temerosa y reprimida.
Hay una total desaparición de la belleza formal e
idealizada y de
la suntuosidad de los órdenes clásicos
anteriores.
En pintura y escultura desaparece la belleza formal ya que
el pietismo de la época ve en la belleza formal un
paganismo.
En contraposición a las órdenes
clásicas, aparece la
rigidez, la fealdad y el total desequilibrio corporal, para pasar
a la simetría y la rigidez, que muestra una
inexpresión
total. La escultura la pintura y la arquitectura sirven
una vez más al pietismo de la época.
Aparece la
abundancia escultórica en los pórticos frontales de
las iglesias
y en pintura cuyas figuras repetitivas serán la del Dios
todopoderoso inmaculado rodeado de evangelistas que aparece
triunfal ante los mortales y muestra 3 dedos en
señal de
las 3 figuras que encarna, dicha escultura posee
además
de una funcionalidad embellecedora, y más que eso la
función de
mostrar los dogmas de fe y la Biblia a un pueblo en su inmensa
mayoría analfabeto. En resumen, el Románico
en todos los
aspectos se rige en torno al mundo religioso que intenta
atemorizar a la población mostrando que el camino de la
salvación
es la rigidez en la fe y que toda belleza formal se encuentra
alejada de la que propugna la religión, de ahí esas
figuras tan
austeras en formas y carentes de toda expresividad. En
arquitectura los dos edificios principales serán las
iglesias y
los monasterios (ejemplo: Ripoll, Cluny, etcétera).
Sus
características permiten diferenciarlas enseguida de
construcciones anteriores y posteriores.
Externamente desaparece toda suntuosidad (casa a edificios
romanos, islámicos etcétera) se trata de sitios
cuya única
funcionalidad es la del recogimiento del alma en la
oración.
Externamente carecen casi todas de ellas de gran
tamaño no
sólo volumétrico, sino de altura; carente de
grandes ventanales
presentan tan sólo unas pequeñas rendijas que hacen
que la
oscuridad interior sea impresionante. Casi todas ellas
poseen además varias capillas laterales. Son
sobrias y
presentan como característica el predominio del macizo
sobre el
vano. En interior como ya he dicho antes carecen de toda
luminosidad, y altura se encuentra capilla central y usualmente
dos o varias capillas laterales, construida sobre basa de cruz
griega evoluciona a lo largo del tiempo por el aumento de
columnas laterales.
Las columnas, elementos sustentantes, son de base
troncocónica redondeadas más sencillas que las
heredados del
orden corintio, sin embargo, siguen conservando elementos
vegetales en el capitel. Aparecen asimismo construcciones
nuevas a las vistas anteriormente ejemplo: iglesias redondas y un
ejemplo claro de ellas es la conocida iglesia de San Marcos
(Salamanca).
Aparte de la sobriedad de algunas de las iglesias
románicas
aparecen otras sobrecargadas en el pórtico.
Ejemplo claro
es el pórtico de la iglesia de San Isidoro en
León. En
ella se representan en una mandarla al Dios todopoderoso metido
en una aureola almendrada, alrededor de dicha mandorla aparece
rodeado de los 4 evangelistas y si en la parte de abajo
se representa a los 12 apóstoles se
denominará "pórtico
glorioso". Las arquitrabes también aparecen
decoradas y a
veces en ellas aparecen esculpidas figuras grotescas.
Además de las iglesias aparecen los monasterios.
Ejemplo
en España es el de Ripoll sobre todo y más
abundantemente
aparecen en torno a los movimientos peregrinatorios.
Ejemplo yo voy a explicar ahora mismo es el surgido en
torno al camino de Santiago es un movimiento que comienza por la
peregrinación de los Pirineos hacia Santiago de Compostela
para
ver a dicho santo.
El camino de Santiago no sólo constituyó un
movimiento
religioso sino que junto a él trajo consigo un auge
económico. Aparecen durante este movimiento
numerosos
lugares de albergue, al peregrino, así como hostales y los
monasterios sirvieron de hogar al peregrino hambriento
también. El final del trayecto termina en la obra
magistral que es la catedral de Santiago de Compostela.
No solo se desarrolló el Románico en torno al
camino de Santiago,
otro máximo exponente de el arte románico es el
existente en León
por ejemplo y lo que es conocido por el Románico del Duero
de
dichas zonas poseemos varias iglesias, la iglesia de San Isidoro
de León, la iglesia de San Marcos (Salamanca) la iglesia
de Navas
de Tolosa era asignada en torno a la zona geográfica de
Castilla
y León. Se trata del famoso cuadro de "Las
señoritas de
Avignon" perteneciente a nuestro genio de la pintura cubista Juan
Ruíz Picasso pertenece al siglo XX y rompe todas
los
esquemas anteriores proponiendo una nueva concepción del
arte
construido sobre elementos cúbicos y
geométricos. El
Cubismo es un movimiento a todos los niveles desde el
Ultraísmo
que es el Cubismo literario hasta el pictórico donde
más se
desarrolla; propone descomponer las formas colocándola de
nuevo
en lo que se denominan cubos o facetas. Dentro del
Cubismo no sólo juega la subjetividad del autor, sino, por
qué
no, también el onirismo.
Picasso máximo representante español y
europeo del Cubismo
presenta varias etapas en su vida pictórica dependiendo no
sólo
del estado de ánimo del propio autor, sino de los
elementos
cromáticos es decir del color a tipo de pintura utilizada;
en él
predominarán siempre los colores pasteles y su pincel ya
no sólo
acaricia la acuarela, sino que se trata de brochazos vitalistas y
nerviosos (Picasso posee etapas azul rosa etcétera).
Con
"Las señoritas de Avignon" se representa el Cubismo
analítico de
Picasso, la técnica creativa de Picasso era la de la
descomposición de la forma.
En dicho cuadro no hay un color predominante (todos ellos
son colores pasteles) pero alternan los azulones, rosados,
anaranjados.
Observemos las posturas de las mujeres sus brazos sus
retorcimientos su deformidad formal, su desfiguración de
los
rostros. Todas ellas van desnudas. Se trata del
Cristo yacente de Gregorio Fernández, escultor
barroco.
Siglo XVII perteneciente a la escuela escultórica
castellana.
El Barroco en escultura se caracteriza por varias cosas, el
realismo naturalismo y el tema siempre situado en torno a la
religión al misticismo y a las figuras procesionales.
Se
caracteriza también por la aparición del ropaje que
a veces puede
ser movible (es decir se puede quitar o poner) o en otras cosas
forma un conjunto corpóreo. El Barroco
además incorpora
elementos nuevos como puede ser la máscara de la cara,
normalmente son moldes, y la incorporación de otros
elementos
como (ojos vidriados, y dentaduras de cerámica).
En el
Barroco en el que se representa al Cristo yacente, dicho Cristo
puede estar expresando el estado (agónico en el que el
cuerpo
muestra un sufrimiento que se deja plasmar porque el cuerpo se
encuentra en tensión una fase de nivel morte rigidez y
síntomas
del sufrimiento (cuerpo distendido) y fase de post
mortem (céreo,
vítreo). Gregorio Fernández es todo un
maestro
escultórico sus figuras son de tal realismo que causan
gran
impresión. Dicho Cristo parece estar aún en
fase agónica
hay sufrimiento, cansancio, sensación de ahogo, surgida
porque
los hombres a los cuales se les pendían morían casi
siempre de
asfixia, ojos entreabiertos, la figura en sí impresiona en
gran
manera. Observemos la actitud de movimiento del pelo sin
embargo parece que el cuerpo se encuentra ya distendido se
encontraría ya en ese paso hacia la muerte.
Historia del arte
Analiza los aspectos iconográficos y
estilísticos de estas
obras; precisa asimismo el arte y época a que
corresponden.
Este cuadro pertenece a la pintura del Renacimiento, este
es un movimiento pictórico que se da en Europa, pero su
mayor y
mejor representación es en Italia.
Este movimiento está patrocinado por una
burguesía que se
enriquece cada vez más y sobre todo por la Iglesia, esta
es la
causa por la que la mayoría de los temas son de
carácter
religioso.
El Renacimiento como movimiento pictórico se
subdivide en
dos partes son el Cuattrocento y el Cinquecento; esta
subdivisión
se debe a la evolución de este arte a fines de los siglos
el
Renacimiento cronológicamente se sitúa entre los
siglos XII y
XV.
Esta representación pictórica pertenece al
Renacimiento
dentro del Renacimiento al Cuattrocento y dentro del grupo de
artistas de este movimiento pertenece a Fra Angélico, este
personaje era un monje, por lo cual se denota más
claramente el
tema religioso del cuadro. El nombre de este cuadro es
"La anunciación", este tema es muy común dentro de
los pintores
de la época y habrá muchas representaciones de este
tema.
Con lo referente al cuadro está dividido en dos
partes, una
de ellas es la representación de la expulsión de
Adán y Eva del
Paraíso; y otra parte es la llegada de un ángel que
viene a la
tierra a dar la buena noticia a la Virgen. Con esta
división, Fra Angélico hace una combinación
en el fondo, por una
parte el paisaje y por otra una especie de soportal
imitación de
la arquitectura romana, esto se puede ver en las columnas de
orden jónico y en los medallones (de temática
religiosa)
colocados en los enjutas. Con lo referente a los colores
utilizados, el más utilizado es un azul celeste que calme
con un
manto a la Virgen y el techo estrellado al soportal. Otro
color muy utilizado es el rosa, rojo, en resumen, son colores muy
llamativos y que resaltan la figura, como por ejemplo el rayo de
luz que procede del sol da la sensación de tener
volumen.
Con este cuadro se empieza a desarrollar la técnica de la
3a dimensión, porque en el fondo se abre una
puerta y se
ve un banco en relieve.
Con lo referente a la representación de los
personajes,
estos son un poco rígidos y están delimitados
volumétricamente.
Otro de los aspectos a destacar es la golondrina apoyada en
una columna, esta es la representación o el símbolo
del
amor.
Esta figura o escultura pertenece a la escultura griega,
esta civilización se caracterizó por la gran
habilidad y
destreza, a la hora de hacer tanto esculturas como
arquitecturas.
La escultura griega se divide en tres épocas, estas
son la
época clásica, la época arcaica y la
época helenística.
La época arcaica a la que pertenece esta escultura se
caracteriza
por la representación del cuerpo humano, esta
representación de
esta época se caracteriza por la rigidez de los cuerpos,
aparecen
representados muy estáticos y la mayoría
frontalmente.
Esta obra llamada kórai tiene su pareja
koúroi, en este
caso es el kórai, la representación femenina y el
koúroi es la
representación masculina.
Esta representación o escultura se caracteriza la
rigidez
total de su cuerpo, está colocada frontalmente y lleva una
especie de vestido o ropa que le cae de los hombros y no
representa ningún volumen del cuerpo de la mujer.
Otra de las características es el pelo trenzante que
le cae
sobre los hombros.
Está un poco deteriorada, ya que le falta un rasgo,
pero
esto es comprensible debido a la época tan antigua a la
que
pertenece.
Resumiendo es una escultura perteneciente a la escultura de
Grecia y dentro de esta, a la época arcaica y que se
caracteriza
por su estado totalmente rígido. Estas esculturas
normalmente estaban hechas en mármol.
Las siguientes etapas de la escultura de Grecia
también
seguirán representando el cuerpo humano, pero irá
adquiriendo una
evolución en la época clásica. Se
representará al hombre
racional ethos y a hombre pasional pathos. La
última
etapa, la helenista, se barroquizará y su
característica
principal será el colosalismo el lujo y la
parafernalia.
La arquitectura románica
española.
Consideraciones generales. El camino de Santiago.
Los principales focos castellano-leonés del siglo
XII.
La arquitectura románica, como su propio nombre
indica es una mezcla y desarrollo de la arquitectura de Roma, la
visigoda, algo etrusco y el prerrománico.
El Románico es un arte que tiene su origen en
Francia y que
se extenderá por toda Europa, nacerá en una
pequeña isla en
Francia y llegará a España, mediante el camino de
Santiago y
mediante la orden de Cluny.
Cuando aparece el Románico en Europa se sufre una
situación
de estabilidad política y económica y religiosa
(con el
restablecimiento de la orden de Cluny).
La cronología de este movimiento es entre los siglos
XI
y XV aunque en este último siglo ya habrá
aparecido el
Gótico.
Una de las características del Románico, son
las iglesias o
catedrales, construidas sobre plantas que normalmente son de cruz
griega y de cruz latina. Estos edificios religiosos son
sombríos, macizos y de una gran pureza en la forma
exterior.
Normalmente son las iglesias de tres naves, la nave central
es más alta que las naves laterales y se apoya sobre
estas.
La cabecera y el crucero son muy destacados.
La mayoría de las iglesias tienen girola, como la de
Santiago de Compostela.
Predomina en estas iglesias el dominio del muro sobre el
hueco o ventana.
El edificio más representativo es el monasterio el
cual se
divide en una iglesia y un claustro.
Lo más característico del interior son los
arcos fajones y
las bóvedas de arista y nevadas.
El camino de Santiago, como el propio nombre dice es un
camino que recorre la parte norte de la España y se
extiende
hacia la meseta, ya que el Románico en España se
dio en las zonas
cristianas.
Este camino llevaba consigo una serie de iglesias que
servían para el cobijo y resguardo de los peregrinos que
realizaban esta etapa pietística, estaba bajo la
protección de
los papas.
Dentro de todas las peregrinaciones que se realizaban por
Europa, la más importante y la que más
perduró fue esta del
camino de Santiago, cuyo punto final en el recorrido era la
catedral de Santiago de Compostela, una de las más
representativas del estilo románico en Europa.
Dentro de las catedrales más importantes está
la catedral
de Jaca catedral que consta de 3 naos y tres
ábsides con
cúpulas sobre trompas.
Otra de las catedrales más importantes es la de
León.
Dentro de todas estas la culminación máxima
es la catedral
de Santiago de Compostela, la cual está construida sobre
una
planta de cruz latina. Esta catedral fue construida por
una burguesía enriquecida y está dentro de un
barrio bastante
rico, aunque como tiene tres puertas, dos en los brazos y una en
la fachada, mediante estas tres puertas esta catedral se comunica
con diferentes barrios de la Barcelona. Dos de estas
puertas tan famosas son la puerta del Obradoiro y la puerta de
Platerías.
Esta catedral es una de las más visitadas de
España y como
consecuencia de ello tiene alguna anécdota, como lo de que
en
algunos días festivos, solo se abren las puertas laterales
para
que la gente entre por una, pase por la girola de la iglesia y
salga al exterior, mientras que lo normal es que solo se abra la
puerta delantera.
Uno de los focos donde se extendió el
Románico es la zona
castellano-leonesa, esto tendrá lugar durante el siglo
XII, y estos focos se deben a que el camino de Santiago
sufre una serie de ramificaciones hacia el centro de la
Meseta.
Principales construcciones religiosas del foco
castellano-leonés del siglo XII:
San Esteban
San Juan de los Caballeros
San Lorenzo
San Miguel
Santo Domingo
Claustro de San Juan de Douro
San Pedro
Basílica de San Vicente
Santa María la Antigua
Historia del arte
El Románico pertenece a los siglos XI y
XII.
Surge por una serie de causas sociales que se dan durante
esos siglos. Será un arte internacional al igual
que el
arte romano con la diferencia de que este no se va a expandir por
el Mediterráneo, sino por otras partes de Europa.
Surge
con la vocación social de dar donativos y surge con la
orden
eclesiástica de Cluny. El Románico mezcla
una serie de
elementos que capta de artes anteriores; tiene pues el arte
románico influencias tanto del arte de Roma como del arte
bizantino, y el lazo de unión entre ambos es el
Cristianismo (que
aparece en esta época; recordemos que en las culturas
anteriores
a estos siglos la sociedad (en Grecia era politeísta; y en
Roma
eran paganos; mientras que la sociedad del arte islámico
era
musulmana).
El medio de difusión del arte románico va a
ser
precisamente la orden de Cluny y el camino de Santiago el cual
fomentó las relaciones de España con el resto de
Europa
favoreciendo al comercio mediante las peregrinaciones en las que
numerosos grupos de gente caminaban a través de esta ruta
con el
fin de ir a venerar al apóstol Santiago. Durante
esta
ruta que comienza en el norte de Italia pasa por el Rin para
atravesar Francia y llegar a Cataluña hasta llegar a
Santiago de
Compostela por la costa cantábrica en la zona del norte de
España.
Durante el camino los peregrinos se hospedaban en
hospitales, monasterios; por tanto esta ruta de
peregrinación
contribuyó a la construcción de monumentos
arquitectónicos que
albergaban a estas gentes. La arquitectura
románica es
una arquitectura estática, sobria y de muy poca
luminosidad.
Se construyen edificios religiosos (hay, aunque
escasísimas, construcciones de carácter civil que
son palacios o
castillos con almenas cilíndricas); pero la principal
construcción es el monasterio que consta de una iglesia
que es la
parte principal y un claustro que es el lugar donde los monjes se
retiraban para sus momentos de reflexión y oración;
al claustro
van a dar la biblioteca (este arte tiene un fin didáctico
en
cuanto que el 99% de la población era analfabeta
(los
monjes no son analfabetos, saben leer y escribir) y la
única
forma de instruirse era en las iglesias); también al
claustro van
a dar la sala capitular y el refectorio. Es una
arquitectura abovedada en la que elementos sustentantes (los
gruesos muros y los pilares que en ocasiones tienen columnas
adosadas) sujetan la presión oblicua de los arcos
fajones.
Es utilizado el arco de medio punto y la bóveda de
cañón. Normalmente las construcciones
románicas están
compuestas por tres naves que son cubiertas de piedra y el resto
es de madera.
Las bóvedas pasaron de ser de madera a ser de piedra
con el
fin de evitar incendios.
De esas tres naves la central es mayor y la techumbre de
esta es una techumbre para una doble caída de aguas
mientras que
la techumbre de las naves laterales tiene una sola
caída.
Existe la planta de cruz latina; y situamos la entrada de
estas construcciones a los pies de la planta y en los brazos de
la misma; es decir tienen un crucero sobre el cual en algunas
ocasiones se alza un cimborrio.
Como dije antes en esa ruta que es el camino de Santiago
favoreció la construcción de muchas iglesias y
monasterios de
entre los cuales podemos destacar la iglesia de Santiago de
Compostela; que es la más perfecta y también la
más sencilla de
las iglesias románicas españolas; podríamos
afirmar que la que
mayor importancia ha cobrado de todas ellas que es en realidad
una catedral cumple todas las estructuras del Barroco (tiene tres
naves con tres ábsides; la central es más amplia,
es sobria,
estática, fría, carece de luminosidad tiene las
entradas antes
indicadas...).
Podemos citar también la iglesia de San Isidoro de
León que
Fernando I mandó construir para depositar los
restos de
este santo y que tiene influencias árabes en cuanto a sus
arcos
de herradura polilobulados (los arcos polilobulados enzarzados
son así; por lo demás, tiene planta de cruz latina,
3
naves con tres ábsides...
Otra iglesia que también constituye uno de los
principales
focos castellano-leoneses del siglo XII es la de San
Martín de Frómista (en Palencia).
(Debemos apreciar cómo el Románico del siglo
XII
es más sencillo aún que el del XI).
Lo que
diferencia a esta iglesia de las demás es que consta de
dos
torres circulares a cada uno de sus laterales, en la fachada
principal; así: la de Jaca también constituye uno
de los focos
castellano-leoneses, dentro de España.
En cuanto a la escultura románica se refiere se va a
buscar
principalmente en la representación de cristos y
vírgenes;
mediante esta escultura se nos van a reflejar los sentimientos
característicos de esa sociedad; se nos reflejan temas con
el
temor a la muerte; el Juicio final, la beatitud de los salvados;
el demonio; el infierno.
Los cristos de estos siglos XI-XII tendrán
cuatro
clavos y estarán vestidos de la cabeza a los pies, en vez
de
tener una corona de espinas tendrán una corona real (los
cristos
vestidos se llaman Cristos majestad).
En cuanto a las vírgenes se nos muestran en forma de
virgen
trono; es decir la Virgen está sujetando al Niño
sobre sus
piernas; pero entre ellos no se establece ningún contacto
materno
filial (como ocurrirá más adelante con las
vírgenes góticas; en
los siglos XIV-XV). Existe una gran rigidez
entre ambos, la idea de virgen viene asociada a los colores azul
y blanco mientras que el rojo caracteriza el concepto de
maternidad. Las representaciones escultóricas
románicas
también vienen representadas por la idea del todopoderoso,
el
pantocrátor. En las representaciones en fachada
(que
vienen dispuestas como los teatros romanos pero colocadas de
forma vertical) nos encontramos con el llamado pórtico
glorioso,
en el cual aparece la figura del pantocrátor debajo del
cual
están situados los doce apóstoles (si falta alguno
de ellos será
una representación en portada, pero no un Pórtico
Glorioso).
También suele aparecer toda una serie de profetas
(24 profetas) entre los cuales podemos observar que se
establece una comunicación con gran naturalidad
también aparecen
en ocasiones toda una serie de ángeles. Más
adelante, en
el Gótico estas representaciones en fachadas
tendrán forma
apuntada (arco ojival como expresión de esfuerzo,
dinamismo,
ascensionalidad e infinidad).
Al igual que los cristos que también
evolucionarán hasta
llegar a tener tres clavos; estar vestidos únicamente con
paños
purificatorios, tener corona de espinas, y las vírgenes
con el
niño que nos reflejarán la ternura existente entre
una madre y su
hijo (relación materno-filial) pero esto ocurre a partir
de
finales del siglo XIII principios del siglo
XIV.
Las esculturas románicas van a invadir todas las
construcciones arquitectónicas, con el fin de atraer, y
llamar la
atención de todo paseante que pase por ellas en
algún momento,
con el fin de invitarle a entrar.
En cuanto a pintura; no es muy brillante la pintura del
Románico (no como lo puede ser la pintura del Renacimiento
por
ejemplo), y además es muy escasa. Aparecen las
miniaturas.
El Greco Domenico Theotokópulos, El Greco nace en
Creta a
mediados del siglo XVI (sobre 156; es por tanto
un pintor que enmarcamos en el Renacimiento, y más
concretamente
en el Cinquecento que abarca 1500-1599 (el Cuattrocento
abarcaría 1499-1500); es la época en que
la pintura está
basada en hacer retratos de donante; es la época en que
los
caballeros van a ser retratados. Se introduce una
técnica
que es la del tenebrismo; mediante la cual ante un fondo oscuro
nos resalta algo claro lo cual provoca un fuerte contraste.
Una de sus obras que muestra perfectamente esta
técnica es la
de "El caballero de la mano al pecho". Retrato de una
figura de donante, un hidalgo con barba de cara alargada (como es
característico en todas sus obras, todos los caballeros
los
pintará con caras alargadas y con barbas; estas
caracterizaban a
los caballeros de la época). En el caballero de la
mano
al pecho destacan sobre un fondo muy oscuro la gorguera
(también
característica en los caballeros); y la puñeta
(puntilla colocada
en la muñeca). Es asombroso cómo este autor
nos muestra
su técnica tenebrista que además podemos apreciar
mediante una
línea que levemente delimita el brazo del caballero;
también
frente al fondo oscuro resalta la palidez de la cara.
Otras obras de El Greco son El expolio; santa Ana y una de sus
más características es también "El entierro
del conde de
Orgaz". Al morir este conde pide que le entierren junto a
todas sus riquezas. Está basado en un hecho
real.
Dos santos San Martín y otro le tienen agarrado y es el
momento
de ascensión hacia el cielo; aparece un párroco que
nos
representa aún la vida terrenal (aunque la parte superior
del
cuadro nos representa la ultraterrenal) y podemos observar una
gran abstracción en cuanto al ropaje de este
párroco que se nos
muestra con una impresión de transparencia.
Historia del arte
Figura representativa de la pintura
española.
Nace en Grecia, en Creta. Pertenece a la
última
etapa del Renacimiento español con un pequeño
avance hacia el
Barroco.
Las características de El Greco son diferentes a lo
largo
de su vida.
Era hijo de un rico mercader, por lo que tenía
mayores
facilidades para poder conseguir una buena cultura.
Empezó su carrera artística en un taller de
pintura en
Italia recibió influencias tanto de la pintura veneciana
como de
prestigiosos pintores, el caso de Tiziano y sobre todo de Miguel
ángel. Con respecto a Miguel ángel, no
compartía la misma
idea de concepción de la religiosidad, la forma de tratar
los
temas religiosos.
Fue requerido por Felipe II como pintor de la
corte y para probar su eficacia le pidió dos cuadros, los
cuales
no fueron del gusto del monarca e incluso se comentó
"que los
santos eran motivo de devoción y no de
enamoramiento", tal
comentario se hizo por la belleza de las figuras que se
representaban en el cuadro, "El martirio de san Mauricio", fue
causa de muchas críticas. En el cuadro no aparece
claramente el martirio, no hay dramatismo simplemente parece un
acto social, donde tal santo está representado como un
personaje
de la época, del siglo XVII.
El Greco al no trabajar para el rey comenzó por
parte
independiente. Se trasladó a Toledo donde
pasó el resto
de su vida, enamorado de esta ciudad. Realizó
cuadros de
retratos como "El caballero de la mano en el pecho", o "Retrato
de un desconocido", las calidades son perfectas, la mirada
refleja el espíritu de tal personaje por lo que podemos
saber que
El Greco dominaba todas las técnicas y no solamente
plasmaba lo
que veía sino también lo que sentía.
En su primera etapa pintó un cuadro titulado "El
niño de la
vela", en este podemos apreciar el juego de luces, las
características del colorido, tonos amarillos influencia
veneciana, tonos brillantes.
El color cambia en el transcurso de su vida. Pasa
de esa tonalidad brillante, de colores vivos influido
también por
los mosaicos bizantinos, a unos colores más apagados ya
propios
de él. Como característico del autor
serán sus cielos
"los celajes", un cielo que parece que va a romper en una
tormenta pero al mismo tiempo es tranquilo, lleno de nubes
vaporosas. Al igual que serán las barbas, pintadas
como
verdaderos algodones que parecen poder ser captados con nuestras
propias manos.
Estas características las podemos apreciar en "la
Santísima
Trinidad", aparece la figura de Dios y de Cristo en sus brazos y
sobre ambos la paloma o Espíritu Santo. La figura
de
Cristo tiene una curva de amaneramiento, "serpentinata",
utilizada por Miguel ángel en una de sus piedades.
Una obra representativa es "El entierro del conde de
Orgaz". En él se aprecia el valor de su autor pues
contiene todas las características, como: un buen empleo
de la
técnica, la perspectiva, las calidades del ropaje en las
figuras
religiosas como ejemplo la sutileza de la tela de un sacerdote la
cual llega a transparentar el hábito negro, siendo esta
una tela
blanca.
También se aprecia en la coraza del caballero de
Orgaz en
la que se refleja el rostro de uno de los santos que lo sujetan,
san Agustín, y en el rostro del conde, pálido sin
color ni
vida. El cuadro se divide en distintas partes del que se
puede hacer un amplio estudio tanto artístico como su
significación social y su anacronismo en las
figuras.
Pero el verdadero genio que aparece en la figura de El
Greco es en su última etapa, donde el pintor ya se ha
formado
completamente y crea su propio estilo adelantándose en su
propia
época y saliendo de las características que le
rodeaban.
Esto también sucede por la etapa de crisis que para
la
situación de España va en declive y con ella los
ideales.
El Greco se sumerge en una enorme religiosidad e incluso se
podría decir que inicia la vía
mística.
Es característico el alargamiento de los
cuerpos.
Cuadros de santos "San Andrés y san Francisco", el punto
de vista
está muy bajo y el alargamiento es mayor.
Pero donde tal alargamiento, y la utilización de los
colores fríos y celajes tormentosos se reflejan y culminan
es en
"el Laocoonte", los cuerpos han perdido toda su anatomía,
no
tienen el color propiamente humano, hay en ellos un gran
retorcimiento y dramatismo.
La figura ya no importa, solo importa el alma y el
sentimiento. Los celajes aparecen también en los
cuadros
de Toledo, la ciudad está representada como la ve el autor
e
incluso cambia algunos elementos para que no elimine la belleza y
la vista del conjunto.
El Greco es un artista que abrió las puertas del
estilo
barroco, pues como bien sabemos ningún estilo se crea de
repente
sino con la genialidad de algunos personajes que se anticipan a
su tiempo.
Obra pictórica de Fray Angélico.
Perteneciente al
Renacimiento. Siglo XV, Quattrocento
italiano.
Es un óleo sobre lienzo.
Tiene características del estilo gótico, pues
se encuentra
en una transición del estilo gótico al
Renacimiento, aunque
pertenece al último.
El cuadro se divide en dos escenas, de tipo
religioso.
Representa la expulsión del paraíso y la
anunciación a la
Virgen, ambas se unen por un rayo de luz que procede del sol,
sino que representa al Espíritu Santo.
Podemos saber que es del Renacimiento por la
utilización de
la vegetación, elemento muy empleado de nuevo al arte
clásico es
decir el tipo de columna. Por los medallones de la
decoración arquitectónica.
Hay un avance en la perspectiva conseguida por la propia
arquitectura y por la habitación y la ventana de su
interior que
abre el cuadro.
Los colores son brillantes, en particular la ropa del
ángel. Los cabellos rubios y los rostros blancos
característicos en el Renacimiento italiano.
Fray Angélico abre el periodo del Renacimiento en la
pintura italiana. Su calidad será mejorada por sus
sucesores, pues este no consigue dominar todas las
técnicas.
Figura escultórica. Pertenece al periodo
arcaico
del arte griego. Del siglo VI antes de Cristo
representa una figura femenina denominada "koré o
kórai".
Hecha en mármol. Es una figura exenta, de gran
rigidez. Su anatomía no está marcada,
está tapada por una
túnica larga y otra corta llamada "peplo", los pliegues de
la
ropa son muy rígidos y no se acomodan al cuerpo.
El rostro tiene la característica mirada, ojos
grandes que
no reflejan nada, es una mirada hierática y una
característica
sonrisa arcaica que no se corresponde con la mirada.
El pelo es largo, colocado sobre los hombros, los cabellos
son de forma geométrica.
Las kórai nunca aparecen desnudas, siempre vestidas
al
contrario que las figuras masculinas koúrois.
Pueden representar atletas pero no representan a
ningún
personaje en particular, sino general.
Dentro de estas figuras del siglo VII y
VI antes de Cristo, se iniciará un avance,
desarrollando
el movimiento en acto y la anatomía pasando al periodo
clásico
donde en el siglo V antes de Cristo se conseguirá
la
perfección de la escultura teniendo como principio los
koúrois y
las kórai.
Historia del arte
El Greco. El Greco es un pintor que
pertenece
al periodo del arte denominado Renacimiento
español.
Pertenece a un periodo en el cual se va a volver a formas
clásicas, pero estas formas no van a ser imitación,
sino que
serán formas clásicas pero empleadas de una forma a
veces
creativa, esto influye tanto en pintura como en arquitectura y
escultura. Este periodo se sitúa en los siglos
XV (finales) y XVI que son llamados
respectivamente, Cuattrocento y Cinquecento.
Los temas son temas clásicos y mitológicos en
recuerdo de
lo clásico, pero también temas más centrados
con la
realidad.
Esta breve introducción nos sirve para orientar el
ambiente
en el que se sitúa El Greco. Hay que
señalar que dentro
del Renacimiento, pertenece al Renacimiento
español.
Greco pintor toledano, el primer cuadro que le da a conocer
es "San Mauricio y la legión tebana", pero este cuadro no
fue por
su temática, después ya pasará ya
será uno conocido por cuadro
como "El expolio", "caballero de la mano al pecho" o "El entierro
del conde Orgaz" este último es de suma
importancia.
La característica que más define a El Greco
es la altitud
elevada de las figuras en sus cuadros, son figuras con una
excesiva altura, esto es debido a dos cosas: la primera, causa de
esta elevación exagerada es que El Greco padecía
estrabismo y
esto le llevaba a pintar figuras muy estirada, la segunda es
causa del afán que tiene El Greco con lo espiritual,
así cuánto
más alta sea una figura tendrá más
conexión con el plano
espiritual (el cielo).
Otra característica de la pintura de El Greco, es
que
normalmente, utilizaba la técnica del sfumato, es decir
falta de
definición entre la figura y el plano, cuadro
representativo de
esta técnica es "El caballero de la mano al pecho", en el
que hay
una falta total de definición entre la figura y el plano,
en lo
que al cuerpo se refiere, sin embargo la cara y la mano la
focaliza ya que las quiere exaltar, en este cuadro aparece el
ideal de caballero para El Greco todos los personajes
estarán
enarcados por la línea de la cara que tiene "El caballero
de la
mano al pecho" es decir todas las caras serán alargadas
con
barba, también en lo que a vestimenta se refiere les suele
poner
un cuello típico de la edad media.
También la mano es importante en este cuadro, es una
mano
aribérica, muy frecuente en él.
El cuadro que más nos marca la línea en la
que se
desarrolla la pintura de El Greco es "El entierro del conde
Orgaz", este cuadro resume todas las características que
antes he
dicho, figuras elevadas, importancia de la mano (que en este
cuadro es un punto clave), pero además nos enmarca otra
característica de El Greco y es que en muchos de sus
cuadros
aparece un plano espiritual y otro material.
En El entierro del conde Orgaz, el plano material es el
entierro de este conde, aparece el cuerpo ya sin vida y dos
personajes lo están sujetando detrás hay una fila
de personajes
admirando la escena los cuales nos revelan lo que pasa en los
entierros, y es que van una serie de personas más por la
temática
social que por sentimiento hacia el muerto, estos caballeros
están todos en la misma línea, es decir todos
colocados a la
misma altura. El tema espiritual aparece en este cuadro,
representado como una idea de lo que será la vida del
conde Orgaz
cuando ascienda al cielo.
Otro cuadro que está en la misma línea es "El
expolio", y
saliendo ya de esta temática El Greco pinta numerosos
cuadros que
reflejan siempre algún paisaje de Toledo o cielos
toledanos
(grises) ya que él está fuertemente relacionado con
Toledo.
cuadro A
El cuadro se titula "La anunciación" su autor es
Fray
Angélico.
Fray Angélico pertenece al siglo XV
(finales)
corresponde al Renacimiento italiano, concretamente al
Cuattrocento, a este periodo pertenece el cuadro.
Lo que más destaca del cuadro es el encuadramiento que nos
hace
Fray Angélico de la pintura, nos encuadra a los personajes
principales dentro de un marco arquitectónico que no es
arquitectura sino pintura, esto será el precedente para la
cuadratura e Ignudi de Miguel ángel. En este marco
arquitectónico utiliza el orden corintio en lo que al
capitel se
refiere que es el orden que se utiliza en el Renacimiento, con un
variante del arco de medio punto que es el escatedmo en lo que a
arco se refiere.
Las dos figuras centrales sigue en la línea de la "S
sienesa" cuyo antecedente es la pintura flamenca del
Gótico siglo
XV.
En cuanto a los colores, son colores principalmente rojos,
azules y dorados, estos colores son característicos de
Fray
Angélico.
Es muy importante la iluminación del cuadro ya que
es una
parte central del mismo, el rayo de luz del cuadro nos lleva
directamente a descubrir una especie de habitación al
formar la
tercera dimensión. Este rayo de luz es muy
artificial. En cuanto a la temática del cuadro se
sitúa
en un doble plano, el plano terrenal y el espiritual. El
plano espiritual es el principal del cuadro, es el que
sitúa la
temática central, son el ángel y la Virgen.
Sin embargo en la parte izquierda del cuadro, se
sitúa el
plano terrenal que nos representa el pecado original.
escultura B
Muchacha kórai preclásica, pertenece al arte
clásico,
concretamente a Grecia, a la época arcaica 480
antes de
Cristo.
Este arte se centra principalmente, en la figura humana,
todo lo referente a ella importa.
Se busca principalmente la belleza.
Las figuras en la época arcaica aparecen con un
esquematismo e hieratismo evidentes, generalmente son figuras
frontales.
En estas esculturas se aprecia la falta total de
movimiento, generalmente los brazos pegados al cuerpo hasta que
posteriormente se empiecen a despegar en el arte clásico
siglo
V con "el Apoxiomeno".
En esta época son normales las representaciones de
jóvenes
atletas que son los koúroi, aquí se sitúan
también las kórai con
la excepción de que estas aparecen vestidas.
Estas características aparecen en esta escultura,
que paso
a desarrollar más detalladamente.
La escultura es totalmente esquemática, goza de un
evidente
frontalismo, muy habitual en la escultura
preclásica.
Hay ausencia total de movimiento que se observa en los
brazos pegados al cuerpo.
En lo referente a la cara: encontramos ojos excesivamente
ovalados, ausencia de puente en la nariz y labios abultados, y
sobre todo la denominada "sonrisa arcaica" que define a las
esculturas, estas características arcaicas en la cara se
irán
perdiendo sucesivamente, así, nos encontramos con que en
el arte
romano, ya aparece puente en la nariz.
El pelo, es un pelo muy poco realista ya que en esta
escultura se observa que está hecha con formas
geométricas.
El abdomen y pecho aparecen relativamente abultados con
respecto al resto del cuerpo, esto es también nota
dominante del
arte al que pertenece, la cintura sin embargo se sitúa un
poco
alta y pequeña.
Es importante también la mano ya que nos resume muy
bien
esa falta de movimiento que caracteriza al arte arcaico, es una
mano muy estática y demasiado
geométrica.
Historia del arte
El Greco
Sin la figura de El Greco, la pintura dentro de
España en
el Renacimiento hubiera dejado mucho que desear. Por
tanto está dentro del periodo renacentista, aunque su
pintura no
encaja con ningún movimiento. Comenzó sus
primeras obras
y aprendizaje en Creta, después se va a Italia estando en
Venecia
y luego en Roma, donde toma contacto con el sfumato,
técnica
pictórica que aparece en el Renacimiento, y que consiste
en la
difuminación de entorno lo que hace que la figura resulte
más
viva y nos dé percepción de volumen. Su
pintura no tiene
aceptación Italia y decide venir a España, es
contratado por El
Escorial, donde se tomaban pintores extranjeros, y en
España no
había calidad. Pinta el cuadro de "El martirio de
san
Mauricio y la legión tebana", este mucha polémica
por sus valores
y composición, al rey le gusta y manda echarle de El
Escorial. A partir de aquí se va a Toledo donde se
va a
asentar, teniendo gran aceptación en el mundo de las
gentes mal
vivir. En Toledo pinta sus principales obras, estando hoy
día allí la mayor parte de su legado.
Características de su obra:
Excesivo canon elevado de las figuras, que aparecen
alargadas, se dicen muchas cosas sobre el porqué de este
alargamiento de figuras, siendo lo más creíble que
el pintor
tenía estrabismo (defecto visual), o que era excesivamente
espiritual, alargando así a sus personajes hacia el
cielo.
Utiliza el sfumato perfectamente.
Domina las técnicas orientales, apareciendo colores
dorados
y azules en muchas de sus obras.
Pinta con pincelada gruesa, de chafarmón.
Sus pinturas son o bien religiosas o bien de
encargo.
Aparecen en sus obras muchos escorzos y
exageraciones.
* Principales obras de El Greco
"Martirio de san Mauricio y la legión tebana", es la
obra
que pintó para El Escorial, se divide en dos partes, como
muchos
de sus cuadros, una parte terrenal y otra celestial en la que las
figuras aparecen suspendidas, en ingravitación, los cielos
o zona
espiritual están formados por una especie de
sábanas
flotando.
"Laocoonte y sus hijos", adaptación de la famosa
escultura
griega a la pintura, escorzo exagerado, el superhombre y sus
hijos se ven atacados por unas feroces serpientes. De
fondo aparece el paisaje de Toledo. Aparecen cielos
turbulentos como en todas sus obras.
"Paisajes de Toledo", y planos de la ciudad.
"Apóstoles".
"El expolio", representa el momento en el que Jesucristo es
despojado de sus hábitos, aparece como una mancha roja
(vestido)
en el centro de una multitud, está mirando hacia el
cielo.
"El entierro del conde de Orgaz", es la mejor obra de El
Greco, tiene unas dimensiones bastante grandes, también se
divide
en dos planos el celestial y el terrenal, estos dos planos en
este cuadro aparecen divididos por una línea horizontal de
cabezas de los distintos personajes del plano terrenal.
En la parte aérea está Jesucristo, en el centro y
en lo más
alto. También aparece san Miguel, y un conjunto de
almas
que quieren entrar en el cielo. En la parte terrenal
aparece el conde muerto, como punto central.
"El caballero de la mano en el pecho", el sfumato es tan
marcado y emerge la figura de tal oscuridad que solo aparecen
3 focos de luz, la cara, la mano y la espada (él
está
vestido de negro). La colocación innatural de los
dedos
de la mano es también muy utilizada por El Greco.
El
caballero parece estar haciendo un juramento.
"Las señoritas de Avinyó" de Picasso (siglo
XX). Es una obra pictórica de singular
importancia, porque viene a ser la primera obra cubista de
Picasso con la que nace un nuevo estilo pictórico, el
Cubismo.
El Cubismo consiste en la descomposición
geométrica de la
realidad, convirtiendo todo en formas geométricas, planos
y
cubos.
Picasso supone mucho dentro de la pintura
contemporánea,
comenzó con el naturalismo, aunque con tendencia a la
abstracción, son las etapas azul y rosa.
Después de un meticuloso estudio en busca de nuevas
formas de
hacer arte, llega a esta obra. Representa a cinco mujeres
desnudas,
que parecen, eran prostitutas, sus cuerpos están formados
por formas
geométricas, así como el fondo. Su
composición es la siguiente:
dividiendo el cuadro en dos partes iguales por una línea
vertical
quedan 2 mujeres a la izquierda, dos a la derecha y una
en el centro. Las 2 de la izquierda y la central
aparecen escalonadas y de pie. De las 2 de la
derecha, una está sentada de espaldas al observador, pero
mirando
hacia nosotros y la otra aparece de pie, ocupando la esquina
superior derecha del cuadro. En el centro (línea
central)
aparecen unas frutas, abajo. Las 2 mujeres de la
derecha son las que en su cara representa un cubismo y
deformación de la realidad más avanzado.
Cromáticamente aparecen los colores rosados y
amarillentos
(cuerpos de las mujeres) y azules, morados y verdosos (el
fondo).
Los colores rosados y amarillos aparecen en los cuerpos en
zonas geometrizadas, y nada tienen que ver con sombras o partes
corporales.
Aparecen en actitud de pose ante el observador,
después de
esta obra Picasso avanza hacia un cubismo más claro y
hacia un
expresionismo que encuentran un punto cumbre en el
"Guernica".
"Cristo yacente" de Gregorio Hernández. (siglo
XVII). Escultura barroca española.
Escuela castellana.
El Barroco supone un cambio muy importante dentro de la
escultura, aparece mayor dinamismo y pasión, temas
relacionados
con la muerte y la agonía. En España es muy
importante la
imaginería de cara a la Semana Santa.
Gregorio Hernández pertenece a la escuela castellana
que se
caracteriza por la salvedad y un mayor dramatismo que la
andaluza. Trabaja en Valladolid. En el "Cristo
yacente" nos muestra con un realismo increíble la imagen
post-mortem de Cristo, ya no padece dolor ni sufrimiento, pero en
su rostro ha quedado patente esa lucha por la vida, con los ojos
entreabiertos y la boca abierta de una última
exhalación de aire,
parece negarse a morir.
El corte del costado muestra gran realismo, con la abertura
ensangrentada de la herida. En la cara y cuello tiene
gotas de sangre que han dejado un surco a resbalar por su piel,
es lo que se puede llamar "sudar sangre" de dolor. En
general, es una obra genial que representa la escultura barroca
española mejor que ninguna otra.
Historia del arte
Es una obra de arte que corresponde al arte o periodo que
se desarrollo en Grecia, y es un tipo específico de
escultura
característico dentro del periodo de arcaísmo.
En este
primer periodo destacan una serie de caracteres y tipos de
escultura que se darán en el periodo arcaico. De
una muy
general y simplificada dentro de este periodo de arte destacan
las siguientes y diferentes representaciones.
koúrai, que eran representaciones de
imágenes
pertenecientes a hombres atléticos, eran siempre
representaciones
masculinas.
kórai que eran las representaciones femeninas que
intentaban de alguna manera idealizar de algún modo la
función
femenina.
argonos, se correspondían a las representaciones de
carreras de caballos en las que era característico,
representaciones de jinete, caballo y carro de caminos y que de
alguna manera dependían del rango social que ocuparan
dentro de
la sociedad.
Dentro de las características que resaltan del tipo
de
escultura dentro de la época arcaica y que quedan
reflejados de
forma patente en ella son:
En cuanto a la constitución de los rasgos de la cara
caben
distinguir fundamentalmente:
la falta de puente es un rasgo esencial y
característico al
tipo de escultura de esta época.
Los ojos son los llamados ojos "almendrados" porque parecen
constitución de estos, quedan de una manera especial
resaltados.
Los labios achinados.
En cuanto al tipo de peinado, estas representaciones
generalmente y como norma representan el peinado típico y
característico de peinado femenino en Grecia. Se
produce
un aumento del mentón debido a que este se prolonga hacia
adelante de una manera especial.
En cuanto a la constitución de la figura, resaltan
los
rasgos que caracterizan a la figura que carece de toda movilidad,
aparece el cuerpo rígido, con los brazos pegados en el
cuerpo. La falta de expresividad que se refleja en el
rostro.
Es una etapa muy importante a la que pertenece este tipo de
escultura, porque representa un gran paso a la
introducción de
una escultura posterior, es un gran paso e intento por el dominio
artístico cultural.
Es una obra de arte y es una pintura, que fue realizada por
el pintor Fray Angélico cuya importancia fue
transcendental en su
tiempo. Este pintor pertenece a la escuela de Florencia
que se desarrolla durante la época del Renacimiento, cabe
distinguir que en el Renacimiento, dentro de la pintura hubo dos
momentos fundamentales o divisorios del tipo de pintura.
La etapa del Cuattrocento.
La etapa del Cinquecento.
Este cuadro pertenece a la primera etapa en la que Fray
Angélico expone una serie de características
pictóricas que
caracterizaron esta época.
Vemos un perfecto dominio y la aparición de la
3a
dimensión que queda bien reflejada en la puerta que Fray
Angélico
coloca detrás, en el cuadro.
Si observamos los arcos que aparecen en este cuadro podemos
decir que son los característicos del Renacimiento que es
el arco
de medio punto, unas columnas que constituyen de alguna manera
especial la forma del propio autor, esas columnas con un capitel
característico que aparecen en las obras de Fray
Angélico.
Dentro de los elementos renacentistas que observamos
está la
bóveda de que por este tiempo va a implicar.
El dominio fundamental de la luz queda patente a lo largo
de toda esta obra.
Es la representación de la ornamentación, en
el que Fray
Angélico nos muestra por ((no se entiende)).
En cuanto a la forma de los cuerpos cabe distinguir, una
cierta rigidez protagonizada por esa especie de ((no se
entiende)) que imprimen los autores de esta época al
contorno
de los cuerpos y que originan esa rigidez. De esto se
daría cuenta Leonardo da Vinci, pintor del Renacimiento de
la
época posterior, correspondiente a esa segunda etapa, y
que al
observar la rigidez que el trazo suponía, el que en
realidad los
contornos de las personas parecen descontorsionados, desfigurados
entre la luz y es lo que expresará este autor en sus obras
solucionando así el problema planteado por los pintores
del
Cuattrocento.
Este estilo o nueva regla o innovación
técnica de la
pintura es lo que tomará el nombre de sfumato y que
autores
posteriores acogerán posteriormente.
Desde mi punto de vista creo que es una obra grandiosa, en
la que hay un gran dominio de técnica y color, con un
predominio
de colores primarios y una exposición por parte del autor
de unos
sentimientos profundos que de alguna manera especial llegan al
observador.
Para enmarcar esta representación de una manera en
unas ciertas
coordenadas, es la época o etapa correspondiente al
Barroco que
se desarrolla en el siglo XVII fundamentalmente,
en un periodo artístico donde predomina unas
representaciones
realistas, en ocasiones nauseabundas, de cuerpos móviles o
en
estado de putrefacción, hay una expresión del
sufrimiento humano
acompañado de un dramatismo y un estudio somático
de gran
importancia.
Esta obra que tenemos representa un Cristo yacente con un
rostro muy bien logrado por parte del autor, que expresa el
estado de un moribundo, es el estado del rostro de la llegada de
la muerte después de haber pasado un gran sufrimiento.
Es
la expresión de la ida de la vida. La
representación del
sufrimiento sobrehumano al cual ha estado acogido, plasmado por
el artista en ese sudor de sangre que recorre la frente.
Hay un gran realismo que queda plasmado en esa herida que
presenta la escultura, una herida muy abierta que da realismo y
profundidad al observador y que queda de alguna manera exagerado
por el "chorro de sangre" de color rojo, un color llamativo en
cuanto a color y también a su simbología
peligro.
Distinguen ese realismo el color de la piel, destacando
también esa boca medio abierta.
Este tipo de representaciones barrocas solían
hacerse por
medio de mascarillas que representaba el autor de la obra por lo
que en la mayoría de los casos estas figuras, a menos en
su testa
son huecas.
Hay una aportación natural de los ojos, generalmente
de
cristal y una textura ósea en los dientes.
Según mi punto de vista, estos autores expresan de
alguna
manera un gran realismo en el estudio de las formas humanas en
sus diferentes etapas y momentos de la vida que imprimían
los
artistas de unas formas prácticamente
inmejorables.
Es una representación del arte pictórico
perteneciente a
nuestra época, al siglo XX, y está
clasificado dentro de
un movimiento pictórico que tomó el nombre de
Cubismo.
Este arte desarrollado por algunos autores, hace una
descomposición de la realidad por medio de formas
geométricas.
Aparecen representadas formas humanas a partir de formas
geométricas (triángulos, cuadrados,
etcétera...).
Esta obra es muy importante dentro de este estilo y dentro
del propio autor que es Picasso y esta obra se llama las
Señoritas de Avignon, aunque posiblemente su obra
más reconocida
e interpretativa es el Guernica donde plasma los más
crueles
cometidos en la Guerra Civil.
Según mi opinión estas obras son tratados por
el público de
una manera peyorativa, no son entendidas y no se ve el valor real
de los estudios y proyectos que el autor realiza.
Es una nueva forma interpretativa, igual o más digna
que
los demás y particularmente más
interesante.
Historia del arte
Estos escultores del siglo IV pertenecen al
periodo clásico de la escultura griega. Tras
escultores
como Mirón, Fidias y Policleto, estos autores comienza a
representar los dioses más humanizados y es ésta
una
característica importante. Otra aportación
de estos
artistas es la desaparición de las formas hercúleas
tan
agudizadas en los anteriores. Así aunque siguen
demostrando una gran atención por la anatomía, la
suavizan y dan
lugar a tipos afeminados incluso que adolecen de cierto
amaneramiento y tienen actitudes un tanto indolentes.
Scopas es de los 2 el que más se interesa por la
anatomía ya que es un gran teórico.
Su aportación principal es con respecto a la figura
del
cuerpo humano, respecto a su medida. Scopas establece
como medida del cuerpo el canon de las 7 cabezas.
Esto será rectificado posteriormente por Lisipo que
establecerá el canon de los 10 puños,
concibiendo la
figura humana más estilizada y esbelta que Scopas.
Respecto a Praxíteles se puede decir que todas las
características mencionadas antes son las suyas
propias.
Pero además Praxíteles da una aportación muy
importante a la
escultura como es la curva praxiteliana que será un
antecedente
remoto para Miguel ángel en el Renacimiento por su curva
serpentinata, así como también para los imagineros
españoles del
Barroco.
La obra de la ilustración pertenece claramente a
Praxíteles
y es que se observa esa principal característica suya de
la curva
praxiteliana. Se ve cómo la figura se ondea y se
curva
por la cintura.
La obra representa al dios Apolo (símbolo del bien)
aplastando una lagartija (símbolo del mal, de lo oscuro y
siniestro). Como se ve ya no predominan las formas
hercúleas y se ha presentado al dios humanizado aunque se
note su
calidad divina quizás por su actitud indolente.
Además se
ve como dije antes un amaneramiento en cierto modo debido en
parte a la curva de la cadera.
Por último es importante destacar cómo se
empieza a ver un
intento de romper con la ley de la frontalidad que había
prevalecido en Egipto y en la época arcaica. Esto
se
observa en los brazos que al no estar pegados al cuerpo intentan
que la obra pueda ser contemplada desde más puntos de
vista.
Sin embargo esta cuestión no está
todavía conseguida.
Además ya se nota un movimiento aunque aún es muy
pausado y
moderado. El movimiento plenamente se conseguirá
en la
época helenística. El Barroco es un
movimiento de
reacción contra lo que significó el
Renacimiento. Se
lleva todo a sus últimas consecuencias tanto en los temas,
las
técnicas, los dramatismo. En pintura
también ocurre
esto. En España es una época de esplendor
debido no solo
a la cantidad de pintores, sino también a la calidad de
estos. La pintura barroca en estos siglos XVII y
XVIII en España toca temas diversos. Los
religiosos
vienen dados como una de las mayores propagandas de las
decisiones tomadas en el Concilio de Trento.
A estas ideas contribuye principalmente Murillo juntamente
con Zurbarán y Valdés Leal. También
se tocan temas
mitológicos como hace de manera espléndida
Velázquez.
También históricos, retratos, bodegones,
etcétera.
Una de las características más destacadas del
Barroco
español es que se pinta todo incluso lo degradable, feo,
grotesco
etcétera... Esta línea la seguirán
fundamentalmente Juan
de Rivera y Valdés Leal; en contraposición
está Murillo con su
pintura sentimental, alegre, "bonita".
Para concluir, otro aspecto destacado es el empleo de la
luz y de la sombra contrastándolos de un modo muy
significativo
que da lugar al tenebrismo. Esta tendencia la
seguirán
principalmente José de Ribera, Valdés Leal y
Zurbarán (que tendrá
también influencia manierista). Velázquez
empezará en el
tenebrismo pero evolucionará hasta conseguir la
perspectiva
aérea.
El cuadro de la ilustración pertenece a José
de Ribera.
Ribera se formó en Italia y allí va a recibir
el sobrenombre
de Españoleto. Por su formación en Italia
recibe
influencias de los pintores barrocos italianos especialmente de
Caravaggio. Así se va a formar en el tenebrismo y
va a
continuar en él. En la obra podemos ver las
fuertes
contraposiciones entre luces y sombras.
Otra característica de Ribera es que pinta todo tipo
de
temas y no le importa si son grotescos o desagradables.
Pinta el defecto físico en toda su crudeza como hace
aquí, en la
obra llamada El patizambo.
Es un gran retratista y lo demuestra. No idealiza o
suaviza la realidad.
Al igual que esta obra hay bastantes en el Barroco que
representan a este tipo de personajes (recordemos a
Velázquez).
Recordando otras obras de Ribera puede citarse: La mujer
barbuda; El santo entierro; también diversas pinturas de
martirios de santos, bodegones y retratos.
Historia del arte
La arquitectura visigoda tiene como rasgo principal su
irregular estereotomía, es decir, se compone a base de
sillares
muy irregulares, lo que hace que no se pueda caracterizar como
obra isódoma.
Esto es debido a que el material utilizado, normalmente la
piedra, ha sido material aprovechado de otras arquitecturas
anteriores, por motivos o causas de carácter
histórico.
Como sistema de cubierta suele utilizar el arco
peraltado. Es importante además, la funcionalidad
de la
arquitectura. No son arquitecturas "para ser vistas", por
decirlo de algún modo, sino arquitecturas con un fin
funcional.
El movimiento de la ilustración B podría
pertenecer a una
etapa del prerrománico español bastante temprana,
ya que no
muestra con claridad las características que connoten
horizontalidad al conjunto arquitectónico. De ser
de una
etapa más avanzada tendría las
características mencionadas, ya
que sería, por evolución, más similar al
arte románico
propiamente dicho.
El impresionismo pictórico es una
corriente artística surgida en el arte
contemporáneo, cuyo objeto
es impactar al receptor, trata, como su propia
denominación
indica, de impresionar. Para conseguir esta
reacción del
receptor, el artista rompe con toda una tradición anterior
e
integra ideas vanguardistas en su arte.
En el caso de la ilustración D, pienso que mejor
podría
pertenecer a la corriente del Cubismo, debido a la
geometrización
de las formas y al recargamiento, en general, del cuadro;
además
de un cierto movimiento que se puede apreciar en
él.
Historia del arte
Praxíteles: dentro de la escultura
griega
constituyó un gran avance no solo por sus aportaciones
sino por
la expresividad que les quiso propiciar.
Su principal aportación es la curva praxiteliana, en
la
cual se observa un afeminamiento de la figura tanto si es hombre
como mujer.
Lleva a cabo una idealización de belleza dentro de
sus
esculturas como a lo largo de toda la época
griega.
A pesar de sus intentos por evitar la ley de la frontalidad
no lo consigue puesto que tiene varios ángulos para ser
visto
pero solo frontalmente.
Scopas: este autor sirvió para
establecer
un canon de medidas dentro de la escultura griega, posterior al
canon de los puños, se pasa al de las 7
cabezas.
Con Scopas se llega a, en algunas obras, a perder un poco la ley
de frontalidad. Les da a sus esculturas una mayor
expresividad y sentimiento que Praxíteles, pero dentro de
lo que
cabe en la escultura griega.
La obra pertenece a Praxíteles, por su denotada
curva
praxiteliana que adquiere como hemos mencionado anteriormente un
afeminamiento de la figura a pesar de ser hombre.
Además
de esta característica expone un claro idealismo en la
figura que
no presenta ese estudio anatómico exhaustivo como en otras
esculturas griegas, dando una tendencia a Praxíteles del
afeminamiento hacia las figuras masculinas. Existe una
contraposición entre el claroscuro del pelo con la
desnudez del
cuerpo del joven y también entre el tronco con la
lagartija y la
figura escultórica.
La expresividad del rostro no es muy profunda, ni muy
detallada, sino por el contrario un rostro de casi nula
expresividad.
La acción llevada a cabo por el personaje es con un
dardo
trata de matar a la lagartija que se encuentra en el tronco del
árbol.
Tendencias de la pintura barroca
española
La principal tendencia es la vulgaridad o mejor dicho lo
cotidiano, trata de representar en sus obras tanto lo bonito como
lo feo y no aferrarse a ese canon de belleza que impusieron los
griegos y romanos y que retomó el Renacimiento.
Trata de
demostrar cómo se vivía en las respectivas
sociedades donde
llevaba a cabo la obra el autor.
Técnicamente trata de dominar y lo consigue la
luminosidad
y las sombras, conseguido por Rembrandt en "Las clases de
anatomía" que además de esto tiene la peculiaridad
de tener un
personaje mirando al observador tratando de hacerle
partícipe de
las clases. También lo consigue Zurbarán,
posteriormente
Velázquez también crea esa sombra y luminosidad en
la pintura de
la madre que fríe los huevos con la lumbre de la cocina y
la
oscuridad de la noche.
Las calidades materiales son también una perfecta
realización dentro del arte barroco, concretamente en su
pintura. Dándoles el brillo por donde entre la
luz.
La perspectiva aérea que consiste en la
plasmación de un
personaje de manera que quede suspendido detrás de la
imagen
principal en la que se desarrolla la acción principal.
También existe otra perspectiva que es la forma de ver el
cuadro:
por debajo de los personajes, a su misma altura o por encima de
ellos. La perspectiva aérea puede ser observada
por
primera vez en "La fragua de Vulcano" de
Velázquez.
También aparece la novedad de encuadrar el tema
principal
apartado del eje imaginario que se impuso en la escuela flamenca
y Renacimiento, pasando a llevarse a cabo al lado izquierdo del
cuadro o en el fondo del mismo, etcétera...
El lienzo pertenece a Velázquez, de este autor vamos
a
destacar las siguientes obras.
"La fragua de Vulcano". Introduce la perspectiva
aérea. Tiene carácter alegórico, en
una herrería irrumpe
un dios dándole un mensaje a Vulcano al que su esposa le
está
engañando. En este cuadro existe un gran estudio
de la
luz y sombras y de las calidades materiales.
"Las meninas": esta obra maestra de Velázquez, que
ha dado
pie a numerosas imitaciones por parte de pintores de gran
renombre mundial, nos demuestra su genialidad al estar pintando a
los reyes y acabar pintando a Las meninas que irrumpieron en la
habitación para observar cómo realizaban la obra,
Velázquez se
incluye en ella y también a los monarcas en un espejo.
Apareciendo al fondo un personaje en la puerta con el que crea
perspectiva al igual que con el espejo.
"El bufón": solo aparece una figura, el bufón
de la corte y
lo más curioso que presente este cuadro es que no tiene
ningún
fondo, esta realizada sobre un fondo azul claro.
Muchos retratos ecuestres, entre los que destaca el del
infante: en esta obra presenta un escorzo en diagonal del caballo
a dos patas y con aires aristócratas el heredero con
vestimentas
reales y ostentosas con un predominio de los colores dorados y
negros. Y con un fondo
paisajístico.
Historia del arte
Rasgos esenciales de la arquitectura
visigoda:
El material que solían utilizar es la piedra.
Utilizaban la bóveda de cañón.
Arco de medio punto que a veces podía ser
peraltado.
Los ábsides que aparecen en las iglesias son
rectangulares.
También solían incluir en iglesias porche o
pórtico.
Empleo de sillar o sillarejo en los muros, reforzados por
grandes contrafuertes.
Austeridad y limpieza en la decoración.Apenas
incluían
elementos decorativos, salvo algunos medallones, tondos y
columnas decoradas.
Se trata de una arquitectura arquitrabada.
Es frecuente, del mismo modo, la escasez de
ventanas.
Solían utilizar vanos pequeños.
La diapositiva que aparece en la ilustración B
corresponde
al periodo cumbre del estilo prerrománico, período
que transcurre
durante el reinado de Ramiro I.
Se trata de una iglesia de dos pisos, apoyada sobre un
basamento de piedra. Tiene una única nave.
El
porche está compuesto por tres arcos de medio punto
peraltados
sobre columnas corintias de fuste de espiga. Estas
columnas se apoyan en sus respectivas basas. Entre los
arcos de medio punto aparecen dos motivos decorativos
circulares. Sobre este pórtico o porche surge una
triple
ventana con arcos de medio punto peraltados sobre columnas
pequeñas. Estas columnas, al igual que aparecen en
el
porche, son corintias, de fuste de espiga y se sostienen sobre
basa. Finalmente decir que la iglesia está
cubierta por
una vertiente a dos aguas.
La iglesia que se comenta es concretamente Santa
María del
Naranco, anteriormente residencia de Ramiro I.
La plástica griega se divide en tres etapas: arcaica
(hasta
el siglo VI antes de Cristo) clásica (siglos
V-IV) y helenística (finales siglo IV)
Praxíteles y Scopas pertenecen a la etapa
clásica. En
esta etapa puede apreciarse una evolución grande con
respecto a
la anterior, la arcaica. Las figuras pierden, ante todo,
el hieratismo y rigidez que mantenían en su primer periodo
para
dar paso, así, al movimiento. Las figuras se
mueven y se
relacionan con naturalidad. En cuanto al cuerpo humano,
sigue el ideal de belleza, pero aquí, en el momento
clásico,
alcanza la perfección absoluta. La anatomía
humana es
estudiada y se refleja en las esculturas de una manera
extraordinaria.
Los arcaísmos de koúroi (jóvenes
atletas desnudos) y las
kórai (mujeres vestidas) han desaparecido: surge la
expresividad
en los rostros, aparece la tímida sonrisa que antes no
eran más
que unos labios delineados, desaparece el almendrado de los ojos,
los cabellos se ensortijan y aparecen pegados a la cabeza
esférica. Es, en fin, la estilización de
las
formas.
La escultura que muestra la opción A considero que
pertenece posiblemente a Praxíteles, ya que
característico de
este autor es la curva praxiteliana que plasma en sus esculturas
a modo de "s" invertida. Esto da a sus obras un aire
femenino.
A pesar de que es una figura estática imprime
movimiento. Sobre una de las piernas descansa todo el
cuerpo, mientras que la obra está echada ligeramente hacia
atrás.
El rostro que muestra refleja serenidad expresiva.
Además con el brazo derecho hacia adelante logra romper el
espacio, acercándose al espectador.
Historia del arte
explique las novedades que Praxíteles y Scopas
aportaran a
la escultura griega del siglo IV.
¿A cuál de estos artistas pertenece la obra
representada en
la ilustración A?
justifique la respuesta.
Las novedades que Praxíteles y Scopas aportaron a la
escultura griega del siglo IV, son las
siguientes.
Praxíteles destaca sobre todo por la
invención de las
curvas praxitelianas, curvas a la altura de la cadera que
caracterizan sus obras.
También y aunque el pionero no fue él,
destaca el ritmo
cruzado, una pierna en tensión y otra semiflexionada y la
situación de los brazos al contrario, esto daba
profundidad a la
obra, recordemos que el pionero de esta postura fue
Policleto.
Scopas, lo que aportó a la escultura griega, fue la
exageración de movimiento, un movimiento desmesurado e
incontrolado, que hacía que las extremidades y sobre todo
el
torso se torcieran, dando a la vez que movimiento,
profundidad.
La fotografía con la letra A, pertenece a
Praxíteles,
claramente por las curvas praxitelianas y el ritmo cruzado de la
escultura.
resuma las tendencias de la pintura barroca
española.
¿A qué maestro pertenece el lienzo de la
ilustración
C?
Cite otras obras de su catálogo
artístico.
Hay 2 tendencias fundamentales en la pintura
barroca española:
la naturalista
realista y la tenebrista.
La naturalista, porque representan escenas de la
naturaleza, una naturaleza en continuo movimiento y
desarmonía.
La realista, recordemos que ésta era una de las
características principales de la pintura barroca
española,
suelen representar escenas muy realistas, ya no buscan la belleza
y la armonía, sino lo feo y raro, lo deforme, hasta
allí llega el
realismo del Barroco, características que se puede ver
reflejada
en la obra representada con la letra C, al dibujar, creo, que un
enano.
La última tendencia es la tenebrista, que se
caracteriza en
toda la pintura barroca, desde Caravaggio hasta los pintores
españoles, se caracteriza por poner unas zonas muy
luminosas o
muy bien iluminadas con otras zonas en penumbra.
Esta obra pictórica pertenece al maestro
Velázquez, de la
escuela sevillana.
Otras obras de él son Las meninas, Las hilanderas,
La
fragua de Vulcano, etcétera.
En el arte griego se dieron muchos avances con respecto a
los estilos anteriores. Grecia consiguió romper
con la
rigidez y la ley de la frontalidad características del
estilo
egipcio. Para estos avances Praxíteles y Scopas
ayudaron
en cuanto al movimiento que se les da a las esculturas.
Praxíteles consiguió contornear el cuerpo
humano en las
figuras, dotándolos de un movimiento quizás un poco
exagerado. Este artista pertenece a la etapa
clásica, en
la que ya se ha conseguido dejar atrás la rigidez que
tenían las
esculturas pertenecientes al periodo severo.
Además, Praxíteles también
llevó a sus esculturas el ritmo
cruzado, que consistía en poner, como por ejemplo, la
pierna
derecha en reposo y el brazo izquierdo en movimiento, y la pierna
izquierda en movimiento y el brazo derecho en reposo.
Esto ya lo utilizó Apoxiomeno en el
"Doríforo".
La obra representada pertenece a Praxíteles, ya que
se
observan perfectamente las denominadas "curvas
praxitelianas". Vemos en la foto, como la parte derecha
de la figura posee una curva un poco exagerada. Esto
conlleva a la aparición del soporte que se le une en la
pierna
izquierda, y que esté la figura apoyada en el
árbol.
Además en la figura aparece el ritmo cruzado, que tiene la
pierna
derecha en movimiento y el brazo izquierdo también, y en
reposo
están la pierna izquierda y el brazo derecho.
Vemos ese movimiento, tan buscado durante siglos por los
egipcios, con el brazo izquierdo levantado.
Además se observa una cierta profundidad en la
obra.
Los rostros son serenos, idealizados, pretendiendo que ese
rostro captado sea válido para todas las esculturas
siguientes. Existe una no
individualización.
La pintura barroca española tiene las siguientes
características: por supuesto, el Barroco es un movimiento
surgido como oposición al Renacimiento, que se basaba en
la
búsqueda de la belleza y de la armonía, de unas
proporciones
perfectas, etcétera. El Renacimiento era un estilo
con
una serenidad absoluta, con influencias suficientemente claras de
los estilos clásicos. El arte barroco busca el
desequilibrio, el movimiento, romper con la serenidad, aunque no
quiere decir esto que las obras sean específicamente
sistemáticas.
La pintura barroca española sigue en un principio el
tenebrismo creado por Caravaggio, que consiste en una obra con
sombras y luces, más bien llenas de penumbra.
Son obras realistas, con temas variados, como pueden ser
paisajes, retratos, bodegones, retratos colectivos,
etcétera.
Son obras que tratan temas costumbristas, cotidianos, e
incluso temas como retratos reales, como fue
Velázquez.
En la pintura barroca se le da importancia al color, y no
tanto al dibujo, ya que las figuras representadas no están
muy
bien perfiladas, pero tampoco los colores se difuminan para pasar
de unos a otros.
La composición suele ser centrada y
atectónica, es decir,
la obra es abierta, que parece que se ha cortado, como si la obra
siguiese. En la obra representada se observa
perfectamente en la mano como no se ha dejado completa.
Además en la obra se observa otra
característica, que
barroca, que es la búsqueda de la profundidad, no con
mucha
perspectiva quizás en este cuadro, pero se observa por el
paisaje
de fondo, con unas montañas. La línea del
horizonte suele
ser baja; ya vemos en la obra cómo aparece esta
característica.
La obra pertenece a Velázquez, que comenzó en
la escuela
sevillana de Pacheco, y luego se trasladó a la
madrileña, donde
se convirtió en el retratista real.
Otras obras suyas son: "Las hilanderas", "Las meninas",
"Retrato del conde-duque de Olivares", "La fragua de Vulcano",
"El aguador de Sevilla", etcétera.
Historia del arte
Tanto Praxíteles como Scopas son dos de los grandes
escultores de la Grecia clásica, concretamente del siglo
IV, esto hay que destacarlo debido a que tienen una
serie de diferencias con respecto a los escultores del siglo
V como Mirón, Fidias o Policleto, esta radica
sobre todo
en su concepción del ideal de belleza, no se
agudizará demasiado,
el contraste, todavía no será muy fuerte como
ocurrirá en el
periodo helenístico.
Este ideal de belleza viene caracterizado por los
siguientes rasgos; entre las dos escuelas todavía hay un
sentimiento de mantener unidos de manera inseparable el concepto
de belleza, con el concepto de equilibrio espiritual, se quiere
conseguir tanto la máxima de lo bello como del estado
subjetivo
de la escultura, la expresión, una expresión serena
firme, como
perteneciente a un ser superior. También se quiere
conseguir de manera expresa el movimiento para esto recurren a la
superposición del pie o a su retrasamiento, la posturas de
la
mano, imitan al movimiento, también la del cuello, este
tono de
movimiento viene acompañado por rasgos de fragilidad e
incluso
sensuales. Por último destacar la
apreciación del volumen
y naturalidad rasgos que el autor cree convenientes para la
realización total de su obra.
La obra pertenece a Praxíteles, inconfundible por su
curva
praxiteliana, la escultura está hecha a modelo de
8
cabezas propia del siglo IV y en él podemos ver
representados todas las normas estéticas de este
momento.
La obra tiene un cierto carácter de nostalgia,
tranquilidad, un
cierto tono infantil, la escultura no es de un hombre totalmente
desarrollado (y de naturalidad) y sobre todo naturalismo,
desasosiego, que se puede observar perfectamente en la mirada que
le dirige al pequeño reptil. Las aportaciones
principales
de este periodo las cuales podemos ver en las realizaciones de
Scopas y sobre todo de Praxíteles, es una nueva
teoría
escultórica del cuerpo y del movimiento, si por el
contrario en
el apogeo, clásico siglo IV, se quería
esculpir el
cuerpo de la forma más ideal posible, esto es
fijándose en los
más mínimos detalles, en la musculatura, una
musculatura
perfecta, en el siglo V ocurre todo lo contrario ya la
musculatura no es tan perfecta, aparece la grasa no es la
idealización pura, como ocurría antes.
Aparece una nueva
concepción, concepción que también se puede
ver en el
movimiento. Si en el siglo V, el movimiento era
menos dinámico más relajado, ahora se produce un
cierto cambio,
es un movimiento más agresivo. Agresividad que se
irá
agudizando hasta llegar al periodo helenístico.
El Impresionismo pictórico, es un movimiento que
tiene su
origen a finales del siglo XIX y principios del
XX, y en él podemos encontrar unas
características
totalmente diferentes con los movimientos pictóricos
anteriores,
este término "impresionista" le fue dado en tono
ciertamente
despectivo, como ocurre con todos los movimientos vanguardistas,
pero ha sido totalmente asimilado y sigue vigente hasta hoy en
día.
En el movimiento impresionista podemos ver claramente
plasmada la teoría del color de los propios autores,
según este
hay tres colores principales que son el rojo el amarillo y el
azul pues bien de estos tres surgen otros como el naranja o el
verde y el violeta, esto se podría componer en la paleta
pero no,
estos no lo hacen así, sino que van a ir colocando.
Los
colores unos paralelos a otros, de manera que esta
combinación se
realice en nuestra propia mente y así adquiera un nodo
más
perfecto.
El principal objetivo del arte impresionista es plasmar la
luz, y esto lo van a conseguir por medio de color, este se va a
convertir en la plasmación de luz, en este arte ya no
existe el
dibujo como conteniendo el color, el color lo es todo y las
diferentes tonalidades de este van a suponer las diferentes
tonalidades de luz, tal importancia va a tener que no se va a
retratar los diferentes objetos, cosas como tales, sino la
incidencia de la luz sobre estos, es el caso de Monet. Ya
no hay contraste entre sombra y luz, las primeras ya aparecen
coloreadas, todo es color y luz.
Las técnicas pictóricas van a ser diferentes
según su
autor, estas pueden ser o simples líneas, puntos o manchas
gruesas de pinturas, a través de estos trazados el
conjunto de
cerca se nos presenta como un conjunto desordenado de estos
trazos, pero a medida que nos vamos alejando toda va tomando
forma hasta llegar al punto de que nos impresiona.
Autores más importantes son Monet, Van Gogh, Gauguin y
Toulose-Lautrec. El cuadro de la ilustración D no
pertenece al movimiento impresionista, sino al Cubismo debido a
que este no tiene ninguna relación con la realidad, no
quiere
representarla como tal sino de una manera diferente, desde otro
punto de vista (totalmente) mucho más profundo, llevando
un
proceso de descomposición de la realidad, que capte
totalmente a
esta.
Historia del arte
La ilustración A hace referencia a una escultura de
bulto
redondo. La escultura que nos muestra la
ilustración
pertenece a la época clásica griega, época
en la cual se buscaba
la belleza, la armonía y el absoluto equilibrio entre
todas y
cada una de las partes que integraban el cuerpo humano.
Los artistas de ese período querían dejar
constancia de esa
concepción de belleza que seguían por norma.
Las
esculturas se presentan con un tema idealizado, con una elegancia
de movimiento y con bases de las manifestaciones
escultóricas
posteriores. El cuerpo que tenemos delante es una
magnífica muestra de todo ello, así se observa un
movimiento
ligero, sensual y sin ninguna brusquedad que pueda llegar a
romper su concepción de equilibrio.
En el personaje se aprecia un magnífico estudio
anatómico,
estudio que llegará a tener una importante influencia en
otra
serie de esculturas posteriores, concretamente en el David de
Miguel ángel, que parece evocarnos el mundo clásico
cada vez que
lo recordamos, siempre, claro está que dejemos de lado su
marcada
sensibilitá. La figura posee un ligero movimiento
de sus
brazos y piernas, pero no brusco, sino todo lo contrario.
De este modo vemos cómo adelanta la mano derecha, como si
en
alguna ocasión hubiese portado un objeto. Por el
contrario su mano izquierda aparece totalmente desplegada del
cuerpo, como si su autor quisiese liberarse de las fuerzas
centrífugas por el brazo izquierdo, y asegurarse la
centrípeta
con el derecho.
Sus piernas aparecen también en movimiento, pero un
movimiento pausado y solemne. El avance de la pierna
derecha coincide con el de la mano del mismo lado, dando
así una
ligera impresión de simetría, pues ocurre lo mismo
en su lado
izquierdo. Dicha simetría se rompe, sí, se
destruye
mediante la famosa curva, la curva praxiteliana, que es un rasgo
muy definitorio del autor a quien pertenece,
Praxíteles.
Es un artista que normalmente suele colocar en uno u otro lado de
la figura una especie de pilar, de árbol o de algo
parecido, para
de ese modo poder contrarrestar la fuerza que ejerce la
curvación
de las caderas. En este caso lo realiza mediante un
tronco de un árbol. Esta escultura es un ejemplo
fehaciente de la curva praxiteliana, pero más aún
lo es la que
esculpe en la inmortal obra del Hermes de Olimpia.
La pintura barroca se caracteriza ante todo por su
naturalismo, por no detenerse ante ningún defecto o lacra
social
y por representar la realidad de la manera más natural
posible. Si antes, en el Renacimiento se huía de
todo
aquello que resultase desagradable para la vista, de todo aquello
que fuese reflejar fielmente la realidad, ahora no les detiene ni
una cojera, ni una vejez, ni los protagonistas más
indeseosos. Es así, con esta idea como se
convierte en
una pintura natural, espontánea, y cotidiana, pues refleja
las
situaciones más insólitas.
La pintura barroca española viene encabezada por
grandes
genios, tales como Ribera, Zurbarán, Velázquez,
Murillo y Valdés
Leal. Todos ellos se muestran realistas, no ocultan nada,
y prueba de ello puede ser la Vieja friendo que nos presenta
Velázquez, que está realizando una cosa tan
cotidiana como es
freír unos huevos.
Dichos autores comienzan con un ligero tenebrismo,
consistente en el arte de mezclar las luces y las sombras, pero
es un tenebrismo que abandonarán un poco más tarde
para dedicarse
a crear otro estilo de pintura, una pintura que centrará
sus
miras en los colores, y en tratamiento de la perspectiva
aérea de
cuyo tratamiento deja una muestra maravillosa en Las meninas.
Cada uno de los demás cultivará estas
características, pero
siempre aportando las suyas propias. De este modo tenemos
a un Zurbarán que será el pintor de las
órdenes religiosas, de
los fondos neutralizados y de las perspectivas poco cuidadas como
en "San Hugo en el refectorio". Un Velázquez que
comenzará con unas obras tenebristas para acabar con las
inmortales "meninas", "Las hilanderas", etcétera.
Por
otro lado tenemos a Murillo, amante de los niños y de las
situaciones más cotidianas, o incluso la mezcla de ambos,
como
ejemplifica la obra de la "Sagrada familia del pajarito".
Finalmente aparece Valdés Leal con un sentido de
dramatismo y de
muerte que nos harán olvidar los cándidos
niños de
Murillo.
La ilustración es un fiel reflejo de todo lo dicho
anteriormente. Vemos cómo el autor, Ribera, no se
detiene
ante nada y es así como nos muestra a este niño
cojo. Es
una obra en la cual el realismo es llevado a su máxima
expresión,
expresión que se llega a convertir en algunas ocasiones en
algo
desagradable, como ocurre en este caso concreto, en el cual el
autor no se ve frenado por el muñón del
personaje. El
Barroco muestra en sus representaciones pictóricas a seres
de los
más bajos niveles sociales, y prueba de ello es este
niño.
El personaje ocupa el centro del lienzo y está en
actitud
estática mirando hacia nosotros. Hay un
magnífico juego
de luces y sombras, un juego de contrastes y de contraposiciones
tan típicas del efectismo barroco. La parte
inferior del
lienzo está en casi total oscuridad, pues el pie izquierdo
del
personaje no se distingue en la oscuridad del fondo, pero sin
embargo no ocurre lo mismo con el pie afectado, pues parece que
el autor ha querido reflejar en él una mayor incidencia de
luz
para que su defecto no pase inadvertido. El fondo
empleado es realizado mediante difuminación de nubes y
claros,
que dan a la obra una luminosidad un tanto apagada, luminosidad
que parece proceder de un atardecer. El personaje posee
un brazo, el derecho, reposando en el bolso o faltriquera de ese
mismo lado. Sin embargo su brazo izquierdo está
levantado
y sujetado por un objeto que parece ser el bastón o muleta
donde
se apoyaba para poder caminar.
Ese bastón le sirve a Ribera para quedar patente
otra de
las características barrocas, la diagonalidad,
diagonalidad que
incluso no posee de lienzo para continuarse. Es
magnífico
el estudio de los ropajes, ropajes que son una clara evidencia de
su nivel social, y llega hasta tal punto el estudio que el autor
incluso se permite el detalle de rasgar el blusón del
niño en su
parte superior. El tratamiento de la cara es excelente
pues el autor se detiene en el más mínimo detalle,
como son los
dientes descuidados o como son las mellas ante los
mismos.
También muestra el hoyo que le produce la sonrisa en
su
cara, una sonrisa que no está muy acorde con su defecto,
pero que
pese a él, se muestra, ya que según Ribera quiere
reflejar que
eso no debe importar para ser feliz, sino al revés
será feliz
cuando verdaderamente haya aceptado su cojera.
Historia del arte
explique las novedades que Praxíteles y Scopas
aportaron a
la escultura griega del siglo IV
¿A cuál de estos artistas pertenece la obra
representada en
la ilustración A?
Justifique la respuesta.
Estos dos autores de diferentes y magníficas
esculturas,
son fundamentales para comprender la etapa posterior al punto
álgido de la escultura griega.
Praxíteles. Es el creador de la
llamada "curva
praxiteliana" que consiste en el arqueamiento de una de las
piernas quedando el peso del cuerpo apoyado en una sola
pierna.
Scopas: Era el escultor de Alejandro Magno,
su
principal aportación será la de aunar el clasicismo
con el arte
oriental, creando un tipo de estatuas muy recargadas y que
serán
copiadas por el Barroco.
Esta estatua en particular es obra de Praxímenes ya
que en
ella se aprecia el clasicismo sin recargamientos sin
características orientales propias de Scopas,
además tiene como
característica la "curva praxiteliana" en la que un pie de
la
estatua aguanta todo el peso a la vez que el otro se
arquea.
resuma la tendencia de la pintura barroca
española
¿A qué maestro pertenece el lienzo de la
ilustración
C?
Cite otras obras de su catálogo abierto.
Durante el Barroco, nos encontramos con la España
imperial,
una España que comienza a tener graves problemas que
quedan sin
solución y en donde la Iglesia posee un poder
increíble al no
verse amenazada por los movimientos reformistas. Esto
condicionará a la pintura española al tener como
principal
comprador a la Iglesia, lo que hará que los temas
religiosos sean
junto a los mitológicos muy abundantes, aunque haya otros
temas
como bodegones, retratos, actos populares,
etcétera.
En España entra fuertemente el tenebrismo de
Caravaggio y
que provoca que nuestro pintores pasen por una etapa tenebrista
que como en el caso de Zurbarán les sea difícil
salir de
ellas.
La pintura española de este periodo también
se
caracterizará por:
importancia del color que es muy bien estudiado para su
utilización.
búsqueda del realismo intentando representar toda
las
facetas de la vida por malas que sean, así se representa
la
pobreza, la tristeza, etcétera.
intento de llegar al movimiento bien representado.
importancia de los tonos claros y oscuros por la
influencia del tenebrismo, etcétera.
punto intermedio en la representaciones ni excesivamente
ricas ni tampoco pobres.
etcétera.
La pintura española del Barroco cumple estas
características fundamentales pero presenta entre ellas
diferencias que hace que se divida entre distintas escuelas como:
la escuela valenciana, la andaluza y la madrileña.
El lienzo de la ilustración C pertenece a Murillo,
que es
un pintor muy popular que tras una etapa tenebrista, intenta
representar la realidad tal como es, de esta manera nos
encontramos a uno de sus enanos que aun siendo deforme y estando
dibujado como tal, está tan bien tratado para que llegue
al
público que se nos presenta de una manera
simpática.
Otra obra de este autor puede ser: "los niños
comiendo
uvas" o "el bufón".
Historia del arte
Estos dos autores, Praxíteles y Scopas aportan a la
escultura griega unas características específicas y
también
innovadoras. Los dos autores anteriores Policleto y
Fidias que habían sobresalido por su éxito,
realizarán unas
esculturas gruesas, macizas, que destacarán por la
expresión de
fuerza: discóbolo, denífero... estos los estudian
anatómicamente,
en Grecia en esta época hay que hacer alusión a la
importancia
que tenían los deportes, los juegos olímpicos... y
por tanto el
valor tan importante que se le atribuye a la fuerza y vigor
masculino. A causa de esta característica la
escultura
adquiere también en su estilo esta pasión por la
fuerza física
(la cual criticaría Jenófanes). Por ello la
escultura de
este tiempo presenta a vigorosos varones, que generalmente se
encuentran en actitudes deportivas. Además el
canon sería
de 7 cabezas, por ello podemos ver las dimensiones de
estas esculturas. El movimiento en ellas es poco patente
encontrándose las figuras en un momento
instantáneo, o
fotográfico. El grosor de las mismas será
igualmente
elevado, no serán figuras obesas o gordas pero sí
gruesas que se
destacarán por la impresión de poder que
demuestran.
En estas esculturas el estudio anatómico no es
así perfecto
pero si descubrimos fácilmente la musculatura del
personaje.
Estas figuras escultóricas suelen aparecer con unas
posiciones rígidas, pero no totalmente pues generalmente
aparecen
con una pierna más adelante que la otra y un poco
flexionada.
La aportación que estos dos artistas realizan a las
esculturas es sencilla, pero muy importante: Scopas aumenta el
canon a 10 cabezas con la que la figura es más
pequeña
en altura y para las proporciones totales influirá
también esta
será la novedad de Scopas que reduce el tamaño de
la figura y por
ello no se le podrá dar ese inmenso sentido de fuerza, esa
musculatura etc., la figura será más
débil.
Praxíteles incluye otra nueva característica:
la curva
praxiteliana, se tratará de la incurvación que le
da a la
escultura en forma de "s" poco marcada como podemos ver en la
fotografía el hombre está algo incurvado,
además se puede
comparar con el árbol, le da un mayor dinamismo, mayor
sensibilidad, estas figuras praxitelianas tendrán un
cierto
afeminamiento, aquí vemos cómo el personaje va a
matar a una
salamandra que está en bajo relieve en el tronco del
árbol, y
podemos observar estas características de
Praxíteles.
En la pintura barroca española nos encontramos
distintas
tendencias según los autores que se dan todos muy
diferenciados a
pesar de su proximidad temporal, tenemos a Murillo,
Velázquez,
Valdés Leal y Zurbarán.
Comentando brevemente a cada una de ellas observaremos las
características generales que definen a la pintura
barroca.
Murillo: se presenta como un autor de la ternura en sus
cuadros suele expresar la inocencia: Inmaculadas, la ternura de
un niño con un animal: cordero: los colores serán
suaves y habrá
claridad, dándose algo de perspectiva
atmosférica. Valdés
Leal, autor del tenebrismo, en sus pinturas muestra con una
elevada crudeza la realidad, debido a su preocupación por
la
pobreza y riqueza respecto a la vida y muerte, la pintura aparece
muy oscura, iluminada solamente por una luz no demasiado clara,
sino generalmente anaranjada.
Zurbarán: es el autor característico de los
monjes, pinta
mucho sobre el tema religioso, utiliza colores quizás
llegando
incluso a decir planos, mas utiliza juegos de luces y sombras,
sus colores son el marrón, el blanco etcétera,
destacando
la pintura por la oscuridad pero sin llegar al
tenebrismo.
Velázquez, se nos expone en la pintura C, vemos
cómo
utiliza unos tonos azulados y rosáceos difuminados
(cielo).
El paisaje y la figura están en tonos más
oscuros (los pies
casi no se distinguen), la figura posee una risa irónica,
el
personaje que no se distingue bien si es un enano o un
niño
parece reírse del espectador. La figura respecto
del
paisaje toma un tamaño quizás desproporcionado.
La luz le
viene de la izquierda, visto de frente, iluminando media cara del
personaje.
Otras obras son: Las meninas, retratos a Felipe
IV, y familia real.